El lugar de la educación superior en la vida profesional de la danza.

Erin Carlisle Norton 'Alcance amurallado' de Erin Carlisle Norton. Foto de Kathyrn Butler.

Es algo que parece afectar a muchos estudiantes de danza cuando se acerca la graduación: 'Ahora que ? ' ¿Cómo se pueden aprovechar las herramientas, las habilidades y las redes de los títulos académicos en danza para construir una vida sostenible en la danza profesional? ¿En qué se diferencian las cosas de antes de la graduación? ¿Puede el mundo académico de la danza preparar mejor a los estudiantes para esos cambios, y el mundo académico de la danza puede aliarse de manera más beneficiosa con baile 'fuera del campus' ? ¿Qué aspectos debe uno mirar al considerar un BFA o MFA en danza?



Para profundizar en estas y otras preguntas, Dance Informa habló con cuatro artistas de la danza con valiosos conocimientos sobre las esferas académicas y profesionales de la danza: Autumn Eckman, MFA, bailarina de Hubbard Street Dance Chicago y directora artística asistente / coreógrafa residente de Giordano Dance Chicago Stephen Ursprung, MFA, profesora de danza en Dean College y directora fundadora de Reject Dance Theatre (Boston, MA) Ellice Patterson, MS, directora fundadora de Abilities Dance Boston y Erin Carlisle Norton, MFA, directora fundadora de The Moving Architects (NJ / NYC ).





Autumn Eckman.

Autumn Eckman.

Algunos artistas de la danza, como Eckman, saben que quieren seguir participando en la academia y en los conciertos de danza profesional. Cuando obtuvo su maestría en danza en la Universidad de Ohio y luego un puesto de profesora en la Universidad de Arizona, mientras seguía trabajando y actuando, no encontró esa meta inaccesible (si es que tenía mucho que mantener). Ella ve estos sectores del mundo de la danza 'como no dispares', y agrega: 'Sus comunidades están muy entrelazadas'.

Eckman considera que estas comunidades, a menudo forjadas en la educación superior, son de gran alcance, continuas y solidarias. La escuela de posgrado en danza también fue donde aprendió habilidades administrativas y de escritura, así como habilidades para hablar sobre su trabajo y escuchar a otros hablar sobre él de manera constructiva. La educación superior puede iniciar a un bailarín en su “viaje de aprendizaje de quiénes son realmente como artista”, cree ella.



Ursprung encontró en la danza académica un camino alternativo a la danza comercial o una gran compañía de danza de concierto, que, cuando era más joven, había visto como posibles vías para bailar profesionalmente. Ha podido trabajar como profesor y director de planes de estudio de composición mientras dirigía Reject Dance Theatre y bailaba en REP (Repertory Etudes Project).


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Stephen Origin.

Stephen Origin.

“Mi trabajo de posgrado me preparó para hacer un trabajo bien investigado”, comparte. “Los proyectos coreográficos son proyectos de investigación. Tienes que obtener información, pensar críticamente sobre lo que encuentras, crear borradores, editar, obtener comentarios, revisar y copiar y editar '. Parte de estas habilidades de rigor que la escuela de posgrado construyó en él, continúa, incluyen procesos de retroalimentación (dar y recibir) y varios aspectos relacionados con, en última instancia, llevar el trabajo al escenario. No cree que la educación superior sea el único lugar para adquirir estas habilidades, pero es clave.



Para Carlisle Norton, sus títulos académicos le brindaron herramientas y perspectivas valiosas, una forma de satisfacer su hambre de aprendizaje y curiosidad natural, y de construir una comunidad de artistas a los que todavía llama amigos y compañeros creativos hasta el día de hoy. Como estudiante de posgrado en danza en la Universidad Estatal de Ohio, se formó en áreas como administración de artes, edición de video y Photoshop, a las que recurre en la dirección de The Moving Architects.

Durante un año de la escuela de posgrado, se formó y trabajó como instructora de Pilates, y pudo enseñar por las mañanas antes de dirigirse a las clases por la tarde. Ella aboga por encontrar un trabajo como ese mientras estudia danza o trabaja hacia un lugar financieramente más sostenible como artista de la danza, 'algo que se base en el cuerpo y alimente su forma de arte'. Los otros dos años, trabajó como asistente de maestra de posgrado, proporcionando matrícula y pago.

The Moving Architects en ensayo. Foto de Gwen Charles.

The Moving Architects en ensayo. Foto de Gwen Charles.

Patterson estudió Biología en la licenciatura y posteriormente estudió Negocios a través de un programa de certificado de maestría. Al igual que Carlisle Norton, ella da fe de poder recurrir a conceptos, perspectivas y habilidades específicas de esta experiencia académica en el trabajo artístico y de liderazgo de su empresa. Por ejemplo, estudiar biología le ofreció conocimientos sobre anatomía, kinesiología y la forma en que funcionan las cosas en los sistemas del mundo natural. La inspiración creativa de estas experiencias de educación superior también se ha producido, como en la creación de un trabajo a partir de una pintura de un velero, conectado a navegar a través del Océano Atlántico a través de sus estudios de biología.

Business le ofreció sus conocimientos y herramientas para fortalecer la salud fiscal y la sostenibilidad de su empresa, así como la capacidad de ser 'un tomador de decisiones rápido, para digerir los hechos y responder con prontitud de la manera más efectiva posible'. Aunque no tiene un título de educación superior en danza, las experiencias de aprendizaje profundo, como el Bates Dance Festival y Urbanity Dance Summer Intensive (Boston, MA), fueron un tipo de educación superior para ella, cree.

Las experiencias de Eckman y Ursprung en particular dan fe de la interconectividad de las esferas académica y profesional de la danza. Por otro lado, Ursprung y Carlisle Norton señalan algunas diferencias clave entre estos sectores. Como uno solo, el espacio de ensayo es gratuito en los entornos de danza académica y, a menudo, hay líneas de tiempo más largas para crear una obra. En la mayoría de los casos, hay mucha menos presión de tiempo y más tiempo para sumergirse realmente en un trabajo mientras lo crea. Ambos artistas reconocen esto como un ingrediente clave en la evolución creativa que ocurre para los artistas en la educación superior, pero también algo que los estudiantes deben estar preparados para no tener al alcance de la mano después de la graduación.

'Gran parte de la danza en el mundo académico se vuelve tan esotérica que pierde el atractivo de la audiencia. La accesibilidad tiende a dejarse de lado en favor del intelectualismo', cree Ursprung. “En el mundo de los conciertos profesionales, si el público no disfruta de tu trabajo, es probable que no tengas mucho éxito en conseguir la venta de entradas o, lo que es más importante, los donantes. Necesitas hacer un trabajo que refleje la vida fuera de la academia '.

Carlisle Norton describe cómo, por un lado, las experiencias de la escuela de posgrado le enseñaron a 'preocuparse por el público', mientras que, por el otro, encontró actitudes de desprecio por la experiencia del público, lo que le pareció frustrante.

Ellice Patterson.

Ellice Patterson.

Con todo, Carlisle Norton eliminó la importancia de la experiencia del público en el éxito de su trabajo, su compañía y el campo de la danza de concierto en general. Urspring cree que la danza en la educación superior afortunadamente se está moviendo hacia la inculcación de este tipo de consideraciones prácticas en los estudiantes de danza: 'conocimiento de las finanzas personales, aprovechando conjuntos de habilidades integradas en los trabajos diarios y encontrando formas de prepararse para el éxito'. Agrega: “Los programas de danza académica ya están sintiendo la presión de enseñar habilidades de supervivencia más prácticas. Es raro encontrar programas que solo enseñen técnicas y procesos creativos '.


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El camino de Patterson demuestra la importancia de tales herramientas y habilidades prácticas , así como la validez, e incluso la ventaja, de encontrar rutas alternativas de estudio académico formalizado que luego se puedan llevar a la danza de concierto profesional. “Hay formas de seguir bailando y estudiando otras cosas, y tiene la ventaja de traer otras perspectivas de otros campos”, afirma. Eckman, que llegó a bailar en la educación superior como bailarina clásica, lo ve todo como un viaje que es único para cada artista, un viaje que requiere paciencia con el lugar individual de uno en un momento dado. 'No se puede apresurar', cree. 'Las cosas vendrán a su debido tiempo'.

Todo eso considerado, ¿cuáles son algunas consideraciones importantes para un artista? considerando un BFA o MFA - ¿Quizás elegir entre eso y poner todo directamente en una carrera profesional de baile de concierto? Ursprung dice que siempre guiará a los jóvenes bailarines hacia un BFA. “Tu visión del mundo y tu comprensión del campo de la danza a los 18 años es muy limitada”, subraya. Sin embargo, animará a tomarse un tiempo entre BFA y MFA, 'para practicar cómo hacer el trabajo y sumergirse en el campo. Perfeccione su oficio y comience a hacer una lista de las cosas que necesita mejorar y busque programas que le brinden el conjunto adecuado de oportunidades para brindarle el mejor apoyo en su viaje '.

Foto de Melissa Blackall Photography.

Foto de Melissa Blackall Photography.

Patterson subraya la necesidad de títulos de educación superior si uno quiere enseñar como profesor o ser un líder en el espacio de la danza de la educación superior. En general, Eckman también parece ser un firme defensor de la danza en la educación superior. Ella destaca la ventaja de una amplia red de compañeros artistas que la educación superior puede ofrecer. También reconoce lo que la experiencia en la danza de concierto puede aportar al estudio académico de la danza: altos niveles de profesionalismo (que incluyen cortesía, rapidez, adaptabilidad, ética de trabajo sólida) y el cuidado del instrumento físico, por ejemplo. Si uno decide tomar una ruta de educación superior, Eckhart aconseja mantener los ojos abiertos y no tener miedo de desarrollar una relación con el profesor. 'Gravitarás hacia lo que te resuene y, en última instancia, cuál será tu tribu', piensa.

Ursprung destaca cómo los programas de danza de educación superior se están ajustando a las realidades del mundo de la danza profesional actual. Y Eckman está de acuerdo, señalando: 'Las compañías de danza no se ven como eran hace 20 años, y la danza de la educación superior se está adaptando en consecuencia'. Sin embargo, ¿hay otras formas en que la educación superior puede reconocer las realidades y las ofertas del 'mundo real' de la danza de concierto profesional (a falta de un término mejor)?

Autumn Eckman.

Autumn Eckman.

Ursprung agradecería que los departamentos de danza de la educación superior 'abran sus recursos' a artistas emergentes y de mitad de carrera con más frecuencia. “A menudo, estos recursos están reservados para las grandes empresas, pero la oportunidad de crear y trabajar con trabajos nuevos y existentes en un entorno universitario les daría a los artistas la oportunidad de profundizar en su trabajo”, comparte.


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Promueve modelos como el plan de estudios recientemente reestructurado de Dean College, brindando a los estudiantes experiencias de pasantías en diferentes comunidades y sectores del mundo de la danza profesional . Él cree que este enfoque 'asegura que los estudiantes sepan cuáles son sus opciones y que prueben una vida en la danza para ver si realmente es lo que quieren'.

En este modelo, así como en todas las experiencias de estos artistas, está claro que hay muchos caminos posibles en la vida de la danza: en conciertos de danza profesionales no académicos, danza académica o alguna mezcla de los dos. Como afirma Eckman, lo importante es que cada artista encuentre el camino que más se alinee con él y lo apoye como individuo único, y que aproveche al máximo las experiencias, herramientas y amistades que encuentre en el camino.

Por Kathryn Boland de Dance Informa.

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