¿Importa cómo lo llamamos? Estilos de baile, jerga, tradición e innovación

Hana Kozuka. Foto de Richie Babitsky. Hana Kozuka. Foto de Richie Babitsky.

'Nadie sabe lo que es 'contemporáneo', 'moderno' o 'jazz''. ¿Habías oído eso antes? Este escritor tiene. Puede que incluso lo haya dicho ella misma unas cuantas veces. Puede que sea una exageración, pero el hecho es que muchos artistas y profesores de danza están mezclando esas formas y creando así algo nuevo por sí mismos. ¿Perdemos la integridad y la claridad de las técnicas clásicas codificadas como resultado, y por lo tanto, esa combinación debe hacerse con cuidado y reserva? Por otro lado, ¿esta mezcla de formas abre un espacio para una colaboración fructífera y, por lo tanto, para ser alentada? Para aquellos que se preocupan por el florecimiento del arte de la danza en el futuro, así como por la preservación de su tradición, estos parecen ser asuntos que no deben tomarse a la ligera.

Para profundizar en estas preguntas, Dance Informas habló con cuatro artistas de la danza: Hana Kozuka, bailarina / coreógrafa Bettina Mahoney, directora fundadora de Producciones de danza de la fortaleza y la educadora de danza Tracie Stanfield, directora fundadora de Synthesis Dance, con sede en Nueva York, y Taylor McLean Bosch, directora artística de Nitrogen: The Company y educadora de danza con sede en NYC / Long Island. ¡Entremos de inmediato!





Taylor McLean Bosch.

Taylor McLean Bosch.


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¿Por qué esta variedad de estilos? ¿Se está produciendo un impacto mayor en el mundo de la danza como resultado?

Stanfield cree que “la fusión de estilos (subestilos) es, de alguna manera, un reflejo o una respuesta al mundo en el que vivimos. Nuestra sociedad, más que nunca, valora la individualidad, la personalización y la autonomía. Los artistas no están limitados por 'reglas' o metodología del pasado '. El pensamiento de McLean Bosch aquí es similar. 'Todos están tratando de encontrar su voz', piensa. Kozuka señala que esta proliferación de estilos trae 'muchas más cosas para fusionar'.



Por otro lado, Stanfield describe cómo podemos ver esta tendencia como otra ola de proliferación de estilo / técnica que sucedió con el crecimiento de las técnicas y el repertorio de Graham, Horton y Limón, pero con “una principal diferencia es que no hay una El sistema fundamental para cada subestilo o técnica depende únicamente de los valores y preferencias del coreógrafo / maestro ”. Además, esta proliferación se está produciendo hoy en día en 'calle, jazz y estilos de ballet ”, dice Stanfield. Por ejemplo, ha habido un florecimiento de clases en subestilos como 'jazz contemporáneo', 'fusión contemporánea', 'calle contemporánea', 'ballet contemporáneo' y 'jazz lírico'.

Hana Kozuka. Foto de Peter Yesley.

Hana Kozuka. Foto de Peter Yesley.

Sin embargo, algunos profesores se identifican y se promocionan a sí mismos no por un estilo convencional que enseñan, sino por su propio estilo / calidad de movimiento y marca. A su vez, los estudiantes pueden buscar nombres y marcas de maestros en lugar de estilos al decidir qué clases tomar, como Kozuka atestigua que es su norma. '¡Es difícil ponerle una etiqueta a las cosas hoy en día!' ella dice. Ella señala a las redes sociales como un motor de esta tendencia para construir la propia marca. Como maestra, McLean Bosch cree que tiene un estilo y una estética únicos, pero dirá que es una maestra 'contemporánea' si eso es lo que buscan los empleadores.




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Existe una tensión entre el modo de marca del artista y el de los negocios basados ​​en la danza, sin embargo, Mahoney describe cómo tiene que nombrar las clases de ciertos profesores para sus convenciones, incluso si no les gusta que su estilo sea 'categorizado'. “Tengo un negocio y tengo que hacer publicidad”, afirma. Validando ese punto, McLean Bosch señala que las convenciones están perdiendo negocios por no ofrecer clases “contemporáneas”. Al mismo tiempo, los concursos han clasificado sus piezas como 'modernas', cuando ella cree que su trabajo es más 'contemporáneo' que 'moderno'.

¿Es un problema? ¿Es una cosa buena? ¿Son ambos? ¿Qué es importante tener en cuenta, en términos de enfoques en pedagogía, coreografía, marca?

Mahoney se preocupa cuando se trata de estudiantes de danza que tienen una base de técnica codificada o no 'no puedes salirte del libro' si no tienes el libro en primer lugar ', afirma. Parte de esta importante inculcación de estilos de baile convencionales en los jóvenes estudiantes es enseñando historia de la danza - de dónde provienen estas formas dentro del contexto histórico general. “Entonces los estudiantes pueden saber que lo contemporáneo surgió de lo posmoderno y lo posmoderno de lo moderno, por ejemplo”, afirma Mahoney. Por lo que ella ve, el respeto y el dominio de tales formas ... y su legado histórico: hace que la coreografía, la interpretación, la pedagogía y mucho más sean mucho más sólidas. Como dice el viejo refrán, tienes que conocer las 'reglas' antes de poder 'romperlas'.

Bettina Mahoney.

Bettina Mahoney.

Kozuka y McLean Bosch finalmente ven esta tendencia de estilos que se mezclan y proliferan como algo bueno, algo que puede permitir a los artistas encontrar sus voces creativas más verdaderas y hacer un trabajo maravilloso. Kozuka piensa que en lugar de sentir que debemos poner las cosas en 'cajas', está en nuestro poder hacer nuevas cajas. 'Si [los nuevos estilos] resisten la prueba del tiempo, se mantendrán, o no', piensa. 'Simplemente va a suceder: surgirán nuevos estilos y los géneros más antiguos se volverán obsoletos', afirma McLean Bosch.

Stanfield valida el hallazgo del propio estilo de movimiento 'incluso ninguna regla es una regla'. Aplaude el espacio para la creatividad y la libertad, y señala que la innovación siempre trae miedo al cambio (como “quejas de la [ubicuidad] de los teléfonos celulares”). Al final, Mahoney cree que los artistas de la danza aportan su propia historia de movimiento, de las cualidades únicas de los maestros y coreógrafos con los que han estudiado y para los que han bailado. Kozuka también subraya este punto. Encarnar, y a partir de ahí transmitir, el legado estilístico y técnico parecería ser algo para alentar, ya que es la forma en que el campo de la danza ha crecido hasta convertirse en lo que es.


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Tracie Stanfield enseñando en Broadway Dance Center.

Tracie Stanfield enseñando en Broadway Dance Center.

¿Cómo aprovecha el mundo de la danza esta tendencia?

Stanfield subraya el desafío para los bailarines que todo esto puede crear: tener que entrenar en 'todos los estilos'. 'Cuando todo es importante, en última instancia, nada es importante'. Ella cree. Por lo tanto, parece necesario entablar conversaciones más profundas sobre lo que es factible y accesible para los bailarines. Con respecto a las tensiones entre los artistas que enseñan danza y los dueños de negocios, como los que describieron McLean Bosch y Mahoney, tal vez ese diálogo adicional también podría ayudar allí. Ambas partes podrían expresar sus necesidades y deseos, y encontrar un terreno común podría generar un consenso mutuamente aceptable.

Con respecto a las preocupaciones de Mahoney sobre los artistas de la danza a partir de una base de técnicas codificadas (dominio técnico y conocimiento contextual profundo de las mismas), los educadores de danza pueden enmarcar sus planes de estudios en torno a inculcar primero esa base en sus estudiantes y luego guiarlos para que se diversifiquen hacia algo más propio. Para Kozuka, navegar por estas dinámicas de identidad estilística depende de que cada artista se acerque con su mejor juicio, la más alta integridad y plena autenticidad personal. Eso se multiplicará hacia afuera para crear un mundo de baile que hace lo mismo.

Stanfield cree que 'los bailarines se sienten atraídos por el trabajo que resuena con ellos ... gravitamos hacia las experiencias y estilos que nos nutren y desafían'. Las etiquetas no son necesariamente tan significativas para nosotros como lo son para otros tipos de personas, y podemos aportar un pensamiento flexible a diversas situaciones. Con buen juicio, integridad, autenticidad y pensamiento flexible, podemos navegar por dinámicas complicadas, incluso aquellas tan complicadas como la identidad estilística, la marca personal del artista de la danza, la tradición frente a la individualidad, etc. ¡Hagámoslo!

Por Kathryn Boland de Dance Informa.

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