Heather Bryce (derecha) dirigiendo. Foto de Art Heffron. Versatilidad .Se ha convertido en una palabra de moda en el mundo de la danza. Se dice que cuanto más puede hacer un bailarín, más probable es que trabaje de manera constante, e incluso a veces sea contratado para un concierto, espectáculo o compañía en particular (especialmente si el trabajo requiere el dominio de muchos estilos de baile diferentes, o la capacidad de elegir rápidamente nuevos estilos).
Heather Bryce (derecha) dirigiendo bailarines. Foto de Art Heffron.
Este tipo de requisitos a veces van más allá de la danza si un bailarín puede cantar, bailar, tocar un instrumento, incluso hacer malabarismos o driblear una pelota de baloncesto con trucos elegantes, tiene más posibilidades de conseguir trabajo de forma constante. Sin embargo, los bailarines tienen un límite de tiempo, energía y dinero para mantener diferentes tipos de entrenamiento. La distribución de recursos a muchos tipos diferentes de capacitación también puede contribuir a la habilidad en muchas áreas diferentes, pero tal vez no la excelencia o el dominio en ninguna.
Jen Passios, dasistente administrativo y escritor de subvenciones en funciones para Boston Dance Theatre, dice que 'la presióne de ser `` versátil '' puede malinterpretarse para indicar que un motor debería estar nadando y haciendo Pilates y gimnasia y artes visuales y coreografías y montar a caballo, cuando, en realidad, hacer todas esas cosas simplemente quema a los bailarines y les ayuda a ser está bien en un montón de ideas físicas en conflicto que, fuera de contexto, en realidad no les sirven '.
Heather Bryce, directora artística y fundadora de Bryce Dance Company, también complicó la idea de 'versatilidad' al enfatizar que no son necesariamente los bailarines con pleno dominio de un estilo particular los que realmente cautivan al público, son los que se emocionan y se expresan con claridad y honestidad. Todo esto considerado, ¿cuál es el saldo? ¿Y cómo consiguen los bailarines la diversidad estilística adecuada para ellos? ¡Analicemos cuatro recomendaciones principales!
# 1. Toma nuevas clases, con nuevos profesores, en el mismo estilo o en estilos similares.
Jen Passios. Photo by Celso Enrique.
El solo hecho de aprender una coreografía diferente puede ampliar nuestra versatilidad. 'Todo es entrenamiento mental', explica Passios. “Cuando entrenamos técnicamente en nuevas formas, nuestro cerebro permite que nuestro cuerpo reconozca el comienzo de nuevas vías. Cuando hacemos eso lo suficiente y necesitamos lanzarnos al trabajo de un nuevo coreógrafo, podemos recordar la experiencia del nuevo aprendizaje y encontrar un lugar de enfoque en lugar de un lugar de pánico '.
Podría decirse que la construcción de vías neuronales puede ocurrir de manera más suave y elegante dentro del mismo estilo o estilos similares, por ejemplo, tap rítmico y tap de Broadway o variaciones de ballet clásico y ballet contemporáneo, cuando hay variedad y desafío, pero también similitudes y un terreno común. a la que se puede construir. Ciertamente, la formación en claqué y jazz y contemporáneo y ballet tiene maravillosos beneficios, pero llegar tan lejos como sea posible en cualquiera de ellos requiere entrenamiento en todo lo que el estilo en particular tiene para ofrecer.
Una forma clave de hacer esto es estudiar con una variedad de maestros y un maestro completamente nuevo de vez en cuando. Sus cualidades de movimiento, su forma de enseñar y otras variables únicas pueden activar esa construcción de habilidades mentales necesarias para aprender nuevos tipos de movimiento. Bryce define esto como 'adaptabilidad', en lugar de 'versatilidad'. “Hay tantos bailarines talentosos por ahí”, dice. “Siempre me sorprende la cantidad de personas que se presentan a la audición. Los que realmente me llaman la atención son los que muestran esas habilidades de adaptabilidad y hacen suyo el movimiento enseñado ”.
Heather Bryce.
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# 2. Entrene con los mismos profesores, en un régimen de entrenamiento típico, pero siga buscando pepitas de descubrimiento.
Irónicamente, no tener que adaptarse puede llevar a fortalecer una habilidad que puede ayudarlo a adaptarse: la de reconocer y luego profundizar en los matices. Cuando toma clases con el mismo maestro durante un período prolongado de tiempo, llegará a aprender las cualidades sutiles (o, a veces, no tan sutiles) que hacen que su movimiento su movimiento . Aprenderá a asimilarlo a su cuerpo de una manera que funcione para él, pero que también respete la visión y la voz creativa del maestro o coreógrafo.
Bryce llama a esto 'traducción', una habilidad, junto con la adaptabilidad, que busca en las audiciones de bailarines. Si audicionar en movimiento que no es tan familiar para ti, incluso si no captas cada conteo, cada brazo o cada turno en una audición, ofrecerás algo posiblemente más profundo y significativo: esas pepitas especiales de corazón y espíritu que realmente Mantén al público fascinado. ¡También estarás más preparado para ofrecer eso en el escenario, cuando llegue el momento!
Mantener un régimen de entrenamiento le permitirá seguir regresando a uno, dos, tres o más (lo que sea posible para usted) maestros, y hacer posible todo lo anterior. Su rutina, siempre que no lo coloque en un espacio psicológico en el que le resulte molesto cuando tenga que romper con ella (como en vacaciones y otros descansos), también puede basarlo en lo que es como técnico. y artista. “Nos entrenamos para llegar al estudio, para llegar a tiempo, para encontrar matices en nuestro propio cuerpo y sintonizarnos con ellos”, describe Passios. De la rutina puede surgir una base segura que nos permita encontrar valientemente lo que es nuevo para nosotros.
Passios jen. Foto por Liza Voll.
Entrenamiento cruzado puede ser una parte importante de esta rutina, además de ayudarlo a desarrollar y mantener la flexibilidad y la fuerza, puede enseñarle cosas nuevas y atractivas sobre su cuerpo. Por ejemplo, el yoga puede ayudarlo a coordinar la respiración y el movimiento, mientras que Pilates puede ayudarlo a obtener una conexión más clara con los músculos centrales profundos.
# 3. Desarrolle su “ojo” crítico para la danza.
Como otra forma de ganar una receptividad más aguda a los matices, tómese un tiempo en el ensayo para ver los sabores que los compañeros bailarines aplican al movimiento, cuando otros 'cruzan la pista' o cuando la clase se divide para 'combos'. Quizás esto lo lleve a hacerle una pregunta significativa al maestro, y la respuesta puede ayudarlo a profundizar y familiarizarse con el movimiento.
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Otra forma de hacer esto es poner un ojo crítico en las actuaciones de danza que ve. Quizás estén en un estilo con el que no estás tan familiarizado, lo que puede ampliar tu conocimiento de las formas de baile que existen. Tal vez tengan un estilo que tú están familiarizado, y está en un mejor lugar para brindar una visión constructivamente crítica. ¡Ambos son ventajosos!
Observe lo que hace que el movimiento sea lo que es aparte del trabajo de otros coreógrafos. Mira lo que cada bailarín aporta de forma única. Intenta ir con un amigo y luego podrás conversar sobre lo que viste, lo que te resonó y lo que no. Desafíese a no solo decir que algo fue bueno o malo, sino a articular por qué algo, para usted, funcionó o no funcionó. ¡Todo es parte de lo que te ayudará a crecer como artista, particularmente tu adaptabilidad y versatilidad!
Heather Bryce con bailarines. Foto de Arthur Fink Photography.
# 4. Acepta quién eres, con todo lo que tienes para ofrecer y deja ir el perfeccionismo. En su lugar, aproveche sus fortalezas.
Como primer paso práctico para aceptar quién eres, “visualiza quién quieres ser como bailarín”, sugiere Bryce. Eso le ayudará a hacer el trabajo necesario para 'desarrollar las habilidades que lo llevarán allí', explica. Si eso significa tomar clases en una forma en la que nunca has bailado, o de un maestro desafiante en una en la que tienes más experiencia, haz todo lo que puedas y deja que el resto sea lo que es, por ahora, hasta que tengas el oportunidad de intentarlo de nuevo. Haga todo lo que pueda con lo que puede hacer: un battement elegantemente controlado, sincronización puntual o simplemente divirtiéndose al máximo que pueda tener bailando. Deja que la confianza y la alegría te vendan.
Bryce comparte cómo se sintió un poco fuera de su zona de confort en una clase de danza africana en la universidad. Podía respirar mejor con las sabias palabras de su maestra: 'encuentra tus pequeñas ganancias', dijo la maestra. Bryce agrega cómo, como maestra de baile, ve a estudiantes de todas las edades y habilidades levantar muros de miedo y desánimo. En cambio, aconseja, 'abre tu mente a la posibilidad de que puedas bailar una nueva forma o estilo', algo que quizás no esté en tu zona de experiencia o comodidad. ¡Ahora ve a bailar!
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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