Proyecto Fortitude Dance. Estudios Ripley-Grier, Nueva York, NY.
9 de noviembre de 2019.
¿Puede la danza marcar una diferencia significativa? Bettina Mahoney, directora artística de Fortitude Dance Project , seguro piensa que puede, y actúa asertivamente según esa creencia. En medio de todos los problemas persistentes en el mundo actual, la tasa de incidencia del cáncer sigue aumentando. Bailarines contra el cáncer es una organización sin fines de lucro que apoya a los artistas de la danza que padecen cáncer. La exhibición de gala de Fortitude Dance Project, en una gran sala de estudio en los estudios Ripley-Grier, contribuyó con todas las ganancias a la organización. El programa contó con varias obras técnicamente impresionantes de alta energía que afirman la fuerza interior y la fuerza dentro de la comunidad.
El inicio de la noche fue “This is Me”, coreografiado por Jessica Ice. Fue una obra de múltiples estilos y un elenco numeroso y talentoso. Los bailarines entraron y luego se detuvieron, cambiando a una nueva pose cada ocho tiempos más o menos, mientras un bailarín en el centro del escenario se movía continuamente. Después de volverse para verla, comenzó el movimiento de grupo completo a alta energía. Con estos cambios, pensé en la fortaleza a nivel individual y comunitario. A veces, grupos de tap más pequeños ocupaban un lugar central mientras el resto del grupo continuaba moviéndose. Aparte del tap, el movimiento estaba en un lenguaje de jazz limpio con toques contemporáneos. Visualmente y energéticamente, todo fue increíblemente atractivo.
El tercer trabajo, “Throwback”, fue coreografiado y bailado por Max Ginsburg. Fue un solo de hip hop memorable de sorprendente musicalidad y dominio técnico. Hubo una mezcla de acento y fluidez, en una obra con ritmos musicales, que fue bastante agradable. También fue notable cómo la calidad del movimiento y el idioma del movimiento cambiaron en diferentes puntos para exhibir varias partes del estilo de baile hiphop. Por ejemplo, Ginsburg hizo impresionantes movimientos de breakdance y luego cambió a un estilo de hip hop más suave y lírico. Permaneció efectivamente maleable en su musicalidad en todo momento. Su fuerte y segura presencia en el escenario hablaba de estar feliz con quien es, y no importarle demasiado lo que los demás piensen de esa persona.
Después de ese solo estaba 'I Won’t', coreografiado por Ryan Pauze. Una apertura clara y estéticamente específica me atrapó.Los bailarines entraron en una línea a través de la parte trasera del escenario y luego caminaron hacia atrás. Todos juntos, se volvieron para mirar a la audiencia y se movieron hacia una formación, tanto su movimiento como la formación continuaban con esa sorprendente claridad y especificidad. Salieron de la formación para ejecutar movimientos intrigantes y alianzas, como un bailarín rodando sobre la espalda de otro antes de que todos se mudaran a otra formación.
También me di cuenta de que una bailarina parecía necesitar el apoyo de las demás y que ellas podían ofrecerlo tomando algo de su peso. Este sencillo enfoque coreográfico de compartir el peso dice mucho aquí. El final también fue poderoso, los bailarines se enfrentaron en diferentes direcciones y miraron fijamente en su propia dirección. Pensé en eso como un potente contraste con ese dar y recibir apoyo, y me pregunté si también podría haber sido eficaz si se hubiera utilizado anteriormente en el trabajo.
Viniendo 11then el programa había un trío también coreografiado por Pauze, “Stillness”. Hizo un llamamiento memorable al movimiento al texto para hablar de la soledad y otras luchas de salud mental, y una que se traslade a ellas. Los bailarines se movían hábilmente a veces junto con, a veces en tensión con el ritmo de la palabra hablada. Fuertes saltos contrastados de capas profundas para ofrecer exploración de diferentes niveles en el espacio. Los codos y las manos llevaban gestos claros. En una vista más amplia, el movimiento compensó hábilmente a dos bailarines a uno para un encuadre visual y enérgico. Para terminar, los bailarines formaron una línea y miraron intensamente, en silencio, al público, mientras la partitura decía 'así que muéveme'. Esta quietud fue poderosa. Al igual que con la obra anterior de Pauze, me preguntaba si usar más de ella anteriormente en el trabajo habría agregado intriga enérgica y estética. Sin embargo, quizás el enfoque que usó también fue lo que hizo que el final fuera tan memorable.
Viniendo 13thfue 'Have Become' de Alexa Luke, un cuarteto conmovedor, maravillosamente elaborado e interpretado. Mirando hacia atrás y comenzando en la pared del fondo, los bailarines se acercaron al público viajando mientras sus piernas daban vueltas hacia atrás (ronds de jambe à terre). Luego se volvieron para mirar a la audiencia en una línea diagonal limpia. Visualmente y energéticamente, este cambio fue satisfactorio y llamó la atención. El trabajo mantuvo mi atención y siguió complaciéndome desde allí. Las variaciones en la velocidad del movimiento, incluida la pausa, hicieron que cada velocidad diferente significara más para mí en contraste.
La estructura de la pieza también tenía variaciones, incluidas diferentes secciones (de calidad del movimiento, número de bailarines en movimiento, lugar en el espacio), pero no se movía de una sección a otra demasiado rápido para que yo me involucrara, incluso absorbiera, cada una. Como en piezas anteriores, las relaciones de los bailarines entre sí hablaban de dar y recibir apoyo. Dar y recibir este apoyo parecían ser diferentes individuos en la comunidad, todos con diferentes fortalezas y vulnerabilidades. Luke enmarcó y presentó todo esto bastante bien. Espero ver adónde va y qué gana a continuación.
Después de ese cuarteto vino un dúo digno de mención, “Time to Go”, coreografiado por Angie Conte y Xenia Mansour. Jordan Anderson y Mansour lo bailaron. Había una sensación irresistible de plegarse y desplegarse en el movimiento. En este movimiento temático surgieron pequeños momentos de humor en la relación entre los dos personajes. Sin embargo, un motivo de manos al frente y atrás, justo por encima de las caderas, hablaba de sintonizarse con la fuerza y la esencia más auténticas de uno. Al igual que con el trabajo que lo precedió, parte del movimiento fue bastante lento, refrescante en un programa con una buena cantidad de movimiento impresionantemente rápido. Al mismo tiempo, hubo acentos notables en el movimiento más adelante en la obra, para mí, más llamativos debido a ese movimiento lento anterior. Los tonos resonantes y el canto de los pájaros me llevaron a la naturaleza. Me sentí aliviado con el pensamiento.
El final del programa fue 'Unit' de Taylor Wickham, un gran grupo de trabajo con una estética muy intencionada y específica. Los bailarines vestían de negro y una gran pestaña pintada debajo de un ojo, haciendo referencia al drama adolescente. Euforia . Un acorde de piano repetido en la partitura reforzó una atmósfera misteriosa, de alguna manera efectivamente espeluznante. El movimiento fue intenso, comprometido y virtuoso. Los saltos volaron alto, los acentos golpearon fuerte y rápido, y múltiples giros giraron rápidamente. Las formaciones lo mantuvieron todo claro, incluso con tantos bailarines en el grupo. El final tenía una bailarina yendo contra la corriente del grupo, todos cayendo, pero ella se mantuvo erguida antes de que la música se cortara.
Este desarrollo trajo de vuelta ese tema de lo individual y lo colectivo. Como en la mayoría de las piezas de este programa, el trabajo demostró que ambos tienen su propia fuerza. Este tema (intencional o no) se sintió apropiado para una noche de baile dedicada a recaudar fondos y concienciar a Danzantes contra el cáncer. Ese tipo de lucha por la propia vida requiere tanto fuerza interior como la de una comunidad solidaria.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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