Paulo Arrais y Lia Cirio del Boston Ballet en las 'Bach Cello Suites' de Jorma Elo. Foto de Rosalie O'Connor, cortesía del Boston Ballet. 25 de febrero-7 de marzo.
Mediante bostonballet.org/bbatyourhome .
La danza no existe en el vacío, evidentemente lo que vino antes es una base o algo de lo que divergir. La voz de un coreógrafo evoluciona con el tiempo, pero pueden permanecer ciertos intereses e inclinaciones. Tanto en el cuerpo de trabajo de un coreógrafo en particular como en la evolución de la danza en general, puede ser interesante e informativo ver obras más antiguas y ponerlas en conversación con obras más nuevas.
Esta era de COVID tiene muchas empresas haciendo eso por practicidad y necesidad, emparejando nuevos trabajos filmados de manera segura para este tiempo y trabajos de archivo en programas virtuales. Celebrando a Jorma Elo, dentro de 'BB @ yourhome' del Boston Ballet programa, hizo precisamente eso: honrar al coreógrafo residente del Boston Ballet de 15 años a través de trabajos filmados de manera segura en el estudio y trabajos más antiguos realizados en el gran escenario de la Ópera de Boston. Ambos tipos de trabajos dejaron en claro la singularidad de la visión, la voz y el cuerpo de trabajo resultante de Elo a través de los años.
Whitney Jensen, Bo Busby y Jeffrey Cirio en 'Plan to B' de Jorma Elo. Foto de Gene Shiavone, cortesía del Boston Ballet.
Parte I, presentando Plan 2 B , se abrió con un bailarín pronto se unió a otro. Se movían con un frenético, pero uno que se basaba en la seguridad. La estética general fue sencilla: trajes en cortes básicos y colores sólidos, iluminación que recuerda a la medianoche y un panel de vidrio aparentemente iluminado desde atrás con un tono amarillo-naranja (diseño de vestuario e iluminación también de Elo). Máscaras señalaba que la obra fue creada en tiempos de COVID, como también había aclarado una apertura al programa.
marcas de desgaste
Los bailarines alternaron sin problemas entre el movimiento gestual y poco convencional, y el que era más técnico y tradicional, Ji Young Chae aterrizó en una estocada profunda y luego rodeó rápidamente sus brazos, como palas de hélice y luego se elevó suavemente a una pirueta. Eso alineado con la calidad de la música instrumental, con una audacia rápida y ardiente pero también una sofisticación clásica.
La pareja de bailarines hizo pareja, pero de formas que no tenían sus rostros cerca. Cuando no estaban en un ascensor, entraban y salían del espacio negativo del otro de una manera bellamente curvilínea. A nivel metafórico, esta falta de espacio físico puede afectar a los espectadores hoy en día. En un nivel práctico, esas elecciones coreográficas fueron una forma de que los bailarines compartieran energía en estrecha proximidad con menos riesgo de daño para cualquiera de ellos.
Esos ángulos desviados siguieron siendo una parte evidente del movimiento a medida que más bailarines ingresaron al grupo creció de dos a uno (con un solo rápido y memorable de John Lam ) a seis. La forma en que los bailarines ejecutaron esas formas curvilíneas a partir de formaciones, como una diagonal poco profunda en la que los bailarines posaron por un momento, bajos en el espacio y con los brazos a los lados en forma de alas, fue otra capa de interés visual y energético aquí. También fueron intrigantes los cambios de tempo y tonalidad en la música, y cómo el movimiento los jugó, a veces cambiando en consecuencia, a veces progresando en tensión con ellos.
La energía alcanzó su punto máximo hacia el final, los bailarines se movieron rápidamente a través de formas más curvilíneas y encontraron interacciones rápidas entre sí a través del espacio. La música llegó a un final en staccato, y los bailarines hicieron una pose final que parecía transmitir una continuación, de avanzar desde allí: dos bailarines mirando hacia el lado en una posición embestida y detrás de ellos, los bailarines de pie con los pies juntos y mirando hacia adelante. . Las luces se desvanecieron hacia abajo. Tendría curiosidad por ver qué efecto podría haber resultado de la diferente elección de bailarines que siguieron moviéndose mientras se apagaban las luces. Tal como estaba, el final fue satisfactorio.
alexandre de meyer
Parte II, Suites para violonchelo de Bach , también usó hábilmente el espacio negativo. Los bailarines (Paulo Arrais y Lia Cirio ) estaría justo antes de abrazar: los brazos extendidos en forma de abrazo y cepillados, mira hacia un lado con los brazos extendidos hacia los lados. Ya fuera un comentario sobre la falta de contacto físico durante este tiempo, era un vocabulario de movimiento convincente por derecho propio.
Junto con el tono de anhelo de la música, generó un sentimiento de tristeza y pérdida que resonó profundamente para mí como espectador. También resonaba para mí cómo podía ver la respiración acelerada y profunda de Arrais y Cirio a través de sus máscaras, succionando y expandiéndose a un ritmo constante. Me di cuenta de cómo los bailarines como ellos se enfrentan ahora mismo a inmensos desafíos, físicos y mentales, y están a la altura de esos desafíos.
Parte III, Historia de un recuerdo , habló sobre algunos de esos mismos temas, de pérdida y anhelo, en un teatralmente y tecnológicamente adeptos. Intercalados entre sus bailes, en su mayoría separados en el espacio, había cuadros de bailarines riendo y sonriendo. Se sentaron contra lados diferentes en un enorme bloque negro, hablando líneas poéticas, algo ambiguas pero aparentemente el uno del otro, ya que también se sentaron y hablaron en la dirección del otro (cómo uno podría tratar de hablar con alguien al otro lado de un delgado pared).
La Parte IV incluyó extractos de varias obras de Elo a lo largo de los años. Cada extracto dio una muestra de ciertas obras notables de Elo, todas únicas en estética y concepto, pero con el hilo común de un estilo de movimiento Elo característico: dinámico, lleno de energía y que refleja varias influencias del movimiento (tanto técnicas como peatonales) que se apoyan en un estilo clásico. base.
C. a C. (Cerca de Chuck) Renacido tenía una vibra nerviosa y misteriosamente de pesadilla. Lado (más) agudo de la oscuridad trajo algo sobrio y elegante, casi equilibrado en estética pero muy Elo en calidad de movimiento. La experiencia Elo trajo una elegancia misteriosa. La luz y la oscuridad estaban en tensión de diferentes maneras a lo largo de la obra. La teatralidad y las grandes formaciones construyeron una energía que sustentaba ese sentimiento.
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Boston Ballet en 'Creatures of Egmont' de Jorma Elo. Foto de Liza Voll, cortesía de Boston Ballet.
Criaturas de Egmont era un poco más claro y brillante, los azules y púrpuras apoyaban un movimiento que era un poco menos entrecortado que el de muchas otras piezas de Elo. Sin embargo, ese dinamismo característico llenó el aire. Desde el vestuario hasta las formaciones y la presencia escénica de los bailarines, Quinta sinfonía de Jean Sibelius tenía la apariencia de un ballet pastoral renovado para el 21S tsiglo.
También fue reconfortante ver un poco de la historia del Boston Ballet, como a través de las actuaciones de los ex miembros de la compañía James Whiteside (ahora en el American Ballet Theatre) y Kathleen Breen Combes (ahora directora del Festival Ballet Providence) . Antes de estos extractos, algunas hermosas imágenes fijas también representaban Carmen , presentado el año pasado (a principios de 2020): un claro recordatorio de cómo eran las cosas justo antes de COVID y, en consecuencia, cuánto han cambiado.
La inclusión de este programa de trabajos más nuevos, seguros para COVID y más antiguos presentados antes de COVID se sintió agridulce, fue alentador ver que los trabajos aún se crean y filman durante este tiempo, mientras que los trabajos más antiguos eran un recordatorio de lo que era posible antes, lo que podríamos tener. a veces se da por sentado. Sin embargo, ambos tipos de obras dejaron en claro la voz creativa única de Elo y el arte seminal del Boston Ballet ahora y en el pasado. El mundo está en un flujo constante y totalmente impredecible, pero la creatividad y el arte perduran.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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