'Obsidian Tear' del Boston Ballet: bailando lejos de la manada

Paulo Arrais e Irlan Silva en Wayne McGregor Paulo Arrais e Irlan Silva en 'Obsidian Tear' de Wayne McGregor. Foto de Rosalie O'Connor, cortesía del Boston Ballet.

Ópera de Boston, Boston, Massachusetts.
3 de noviembre de 2017.



La tensión entre la voluntad del individuo y la del grupo es tan antigua como el tiempo. En la danza clásica, está elCuerpo de bailey solistas. Tradicionalmente hablando,cuerpolos miembros deben componer juntos un todo unido, mientras que los solistas tienen la tarea de encarnar personajes, arquetipos o ideas completos y memorables. Algunas obras de arte de la danza pueden utilizar esta estructura para representar grupos unidos y aquellos que se apartan de ellos, esos 'inconformistas' que se atreven a colorear fuera de las líneas. Parece haber sido posible incluso en el ballet elaborado en una vena más contemporánea.





Ballet de Boston en Wayne McGregor

Boston Ballet en 'Obsidian Tear' de Wayne McGregor. Foto de Rosalie O'Connor, cortesía del Boston Ballet.

Boston Ballet demostró este enfoque, con gran éxito, en Lágrima de obsidiana - incluido el trabajo principal de Wayne McGregor y el estreno mundial de Quinta sinfonía de Jean Sibelius del coreógrafo residente Jorma Elo. El enfoque general, entregado con especificidad pero con matices multifacéticos abiertos a la interpretación, parece bastante apropiado en 2017, varias fuerzas sociopolíticas nos llevan a considerar cómo equilibramos el servicio a la vida del individuo y la prosperidad del colectivo más amplio.

El Diccionario de Oxford define 'obsidiana' como 'una roca volcánica dura, oscura y cristalina formada por la rápida solidificación de la lava sin cristalización', una palabra curiosa para el título de un ballet. Eso combinado con la gran y dramática obertura anterior ('Finlandia' de Jean Sibelius, dirigida por el director invitado Daniel Stewart), y los miembros de la audiencia no sabíamos qué esperar. Sin embargo, sabíamos que nos esperaba un viaje. Los primeros bailarines iban de negro y uno de rojo, un color que se destacó como vibrante y único. Otros bailarines se unieron, pero todos en negro y ninguno con este llamativo rojo (trajes ensamblados por la Coordinadora de Moda Katie Shillingford). El rojo de la suela tenía que significar algo. Algo grande tenía que venir.



El movimiento de McGregor en esta pieza fue como el jarabe de arce, rezumando de manera sostenida pero con una dulzura de alguna manera aguda y sorprendente. Una malla de lo clásico y lo contemporáneo más iniciado en conjunto quizás construyó esta cualidad. La música se entrelazó a través de ese movimiento, con una calidad de serpenteo continuo. Por el contrario, a medida que los bailarines se movían, diferentes agrupaciones parecían encarnar diferentes partes armónicas en la música: alta y baja, aguda y más.adagio.

El movimiento también estaba bastante impulsado por las formas, a veces más complejas y borrosas a la vista, otras veces más geométricas y definitivas. Se convirtió en un toma y daca, un equilibrio, entre lo definido y lo indefinible. Una forma verdaderamente memorable, visualmente asombrosa pero también aparentemente hablando de la conexión entre los bailarines, eran los brazos que formaban un bucle (los bailarines sostenían las muñecas) y el bucle se elevaba hacia el fondo del escenario. Lanzaron esto para volver a realizar un bucle en una variación diferente.

Ballet de Boston en Wayne McGregor

Boston Ballet en 'Obsidian Tear' de Wayne McGregor. Foto de Rosalie O'Connor, cortesía del Boston Ballet.



Más tarde, los mismos dos salieron del escenario juntos, dos partes de un todo, al parecer. Sin embargo, la bailarina de rojo nunca se involucró en este tipo de conexiones. Además, más bailarines se unieron y vinieron para llevarlo a una cornisa, una de roca negra, afilada, gruesa y fuerte. Obsidiana . La tensión de la batalla estaba aumentando. Un bailarín extendió el brazo como si quisiera decir '¡adelante, hombres!' Luego, el movimiento se hizo más rápido, más geométrico y más angular, impulsado por el codo, con gestos en diferentes planos y direcciones. Todo se sintió bastante mecánico. La bailarina de rojo fue finalmente conducida al borde de la cornisa. La tensión alcanzó su punto máximo ya que tuvo que permanecer allí mientras un baile poderoso y dominante (a dúo y solo) se desarrollaba debajo de él. Parecía no haber escapatoria.

De una manera extrañamente siniestra, una bailarina caminó lentamente por el escenario. Recordó la lenta marcha hacia la mortalidad. El final aparentemente tan cercano para este forastero en rojo, era lo suficientemente tangible como para reflejarse en forma física. El bailarín en la cornisa trató de escapar, pero luego fue empujado hacia un abismo desconocido. Luego, otro bailarín luchó por la vida: ¿una representación del que cayó, o una de conexión empática entre ellos como personas vivientes y sentimentales?


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Por encima de este bailarín comenzó un dúo de movimiento pesado y arraigado, de reparto de peso tenso pero ejecutado con suavidad. Esta sección, así como mucho más sobre la pieza (como algunos en un elenco de hombres con trajes bastante femeninos) rompió sin vacilar los límites de género, las parejas de hombres incluían formas y movimientos históricamente bailados por mujeres. No todo parecía llamar la atención sobre sí mismo, ya que no parecía ser el foco principal del trabajo. El género simplemente no parecía tener que importar.

Lo que parecía ser más el punto en cuestión era el tratamiento de este bailarín vestido de rojo: condenado al ostracismo, vilipendiado y finalmente empujado a su desaparición. También fue significativo cómo un líder principal de este tratamiento saltó de la cornisa al final: las luces y la música se cortaron repentinamente y el telón cayó rápidamente, para agregar al impacto de observar esa acción completamente inesperada. Una conclusión: a veces nos empujan y, a veces, saltamos. Terminamos con nosotros y nos hacemos a nosotros mismos. Otra es que aquellos que intimidan y excluyen a los vulnerables, en última instancia, también se lastiman a sí mismos al final. Cualquiera que sea el caso, o incluso sin un mensaje moral particular que derivar, fue un arte único y sorprendente de experimentar.

Boston Ballet in Jorma Elo

Boston Ballet en la 'Quinta Sinfonía de Jean Sibelius' de Jorma Elo. Foto de Rosalie O'Connor, cortesía del Boston Ballet.

De Jorma Elo Quinta sinfonía de Jean Sibeluis era notablemente más tradicional, pero tenía su propio estilo contemporáneo. Realmente comenzó con una explosión, a riesgo de ser un cliché, pero uno que de ninguna manera fue un cliché. Desde el principio, las formaciones se fusionaron entre sí de formas muy llamativas e innovadoras. Era un tipo de movimiento continuo diferente al que se veía en la pieza de McGregor, en lugar de agrupaciones individuales que se movían continuamente en frases específicas, la imagen general del escenario cambiaba, cambiaba y evolucionaba constantemente. Con ingenioso trabajo de frases, varias parejas de bailarines y bailarinas, en verde y marrón (diseño de vestuario de Yumiko Takeshima) movido dentro de estas formaciones. Esta fraseología fue puntuada por algunos motivos de movimiento y formas particulares, incluidos los brazos en 'V', las piernas 'en tijera' con los bailarines levantados (para crear casi una sensación de volar).

Todo se sintió en gran parte clásico, pero las extensiones cantarinas y la forma en la asociación se sintieron convincentemente contemporáneas. Sin embargo, algo significativo se sintió bastante diferente de las piezas clásicas de ballet sin trama. Una bailarina vestida de azul (Ashley Ellis), que no tenía pareja, bailó su propio movimiento único. En un momento, por ejemplo, Ellis se sentó, giró y pedaleó como si estuviera montando una bicicleta. ¿Su soledad le impidió volar, manteniéndola en tierra, mientras que aquellos con el apoyo de otros podían volar?

La unidad del grupo en su conjunto no estaba tan asentada al principio. Los bailarines en líneas claras movían las extremidades en todas direcciones: un caos organizado. Todo esto se transformó en un unísono más claro: canon, agrupaciones y similares. Sin embargo, el personaje de Ellis no parecía dispuesto o capaz de autodefinirse dentro de esa identidad unida. En una hermosa sección, por ejemplo, los bailarines saltaron en líneas que se cruzaban suavemente. Sin embargo, la bailarina de azul siguió su propio camino.

Derek Dunn y Hannah Bettes en Jorma Elo

Derek Dunn y Hannah Bettes en la 'Quinta Sinfonía de Jean Sibelius' de Jorma Elo. Foto de Rosalie O’Connor, cortesía del Boston Ballet.

Al final, el grupo llegó a crear un cuadro maravilloso, pero la bailarina de azul se sentó, vendiendo sus piernas. Ella nunca llegó a unirse verdaderamente al grupo. Sin embargo, una amplia sonrisa cruzó su rostro. Parecía estar en soledad, pero no en soledad. Allí, el trabajo en conjunto con McGregor's demostró una diversidad de experiencias.


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Existe el ostracismo y el ataque del forastero, la mayoría de las veces debido al miedo, a menudo al cambio, a perder lo que uno ha tenido. También ocurre cuando el grupo y el forastero están contentos con sus propias identidades y experiencias presentes. Nuestro mundo (quizás más ahora que en mucho tiempo) se enfrenta actualmente a estas preguntas de cómo equilibramos las necesidades del individuo y el grupo, del bienestar de la manada y el de los forasteros, quizás ahora más de lo que lo ha hecho en mucho tiempo. .

El arte, en su mejor expresión, es un espejo de paneles múltiples para reflejar la realidad tal como es, o cómo podría ser. La danza, con acceso al poder de las infinitas posibilidades de los cuerpos en el espacio, unidos a las mentes y espíritus de esos cuerpos, tal vez tenga una habilidad única todavía entre las formas de arte. En Lágrima de obsidiana, Boston Ballet aprovechó este poder con precisión y gracia.

Por Kathryn Boland de Dance Informa.

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