Dar voz a los artistas, de forma virtual: la segunda edición anual de 'Empoderarse unos a otros'

Teatro de Ballet de Nueva Inglaterra de Connecticut. Foto de Jeff Holcombe. Teatro de Ballet de Nueva Inglaterra de Connecticut. Foto de Jeff Holcombe.

26-28 de septiembre de 2020.
En línea en onstagedanceco.com .

Algo significativo acerca de las artes es cómo pueden dar a las personas una voz, un espacio para expresarse y compartir sus experiencias. Poder hacer que se escuche la propia voz también es una forma clave de empoderar a las personas. Ambas cosas Compañía de Danza OnStage Dance (Malden, MA) y Colectivo de Danza Nozama (Boston, MA) han estado empoderando a las personas a través del arte de la danza como una parte clave de su misión: el primero como un espacio para que los bailarines adultos actúen mientras participan en otras carreras, y el segundo se centró en empoderar a las mujeres a través de la danza. El Empoderarnos unos a otros La serie es una creación de las dos compañías (OnStage dirigida por Jen Kuhnberg y Nozama por Gracie Baruzzi y Natalie Nelson-Schiera), y se basa en la creencia de que la colaboración puede empoderar a todos los involucrados y crear algo realmente especial.





A través de la cantidad de artistas presentados, también es una plataforma para que muchos artistas tengan voz, todos variados, todos únicos, todos merecedores de algo especial a su manera. Baruzzi y Kuhnberg no estaban dispuestos a permitir que una pandemia mundial se interpusiera en este importante trabajo. De hecho, este año Empoderarnos unos a otros (el segundo anual) podría dar voz a más artistas este año que la serie tiene en el pasado. Además, un formato de video virtual permitió espacio para un video corto de cada coreógrafo que precedía a su pieza, en el que podían compartir un poco sobre ellos mismos y el trabajo que estamos a punto de ver, y literalmente podíamos escuchar su voz.


la pareja de tammy bruce

Proyecto Allo Movement No apreciar: V4 , interpretada por Allison Rebecca Penn y con videografía de Jesse Pierce, ocupa el tercer lugar en el espectáculo virtual. Los bailarines se mueven en varios lugares al aire libre, una sensación de soledad al bailar a solas. ¿Es soledad o soledad? Esa sigue siendo una pregunta abierta e intrigante. Penn bailando en estos espacios, junto con su ropa de peatón, le da al trabajo una sensación cotidiana. Moverse bajo en el espacio agrega una sensación de pesadez, como si se estuviera moviendo con el corazón apesadumbrado. Momentos evocadores de transeúntes que se mueven y no la reconocen se suman a la sensación de soledad.

La partitura, una canción de R&B conmovedora, se suma a ese sentimiento. El hablante de la canción parece estar experimentando mucha confusión y también está solo en ese espacio mental. La energía del movimiento, frenético a veces (de ahí esa confusión) pero aún de gran peso, parece alinearse con todo eso. En un momento en el que no siempre podemos abrazar a quienes amamos y la incertidumbre flota en el aire, el trabajo se siente relevante e identificable. Reflejarnos nuestra experiencia, como a veces lo hace el arte, nos permite verla de nuevas formas. ¿Qué puede pasar a partir de ahí? Solo el tiempo lo puede decir.



De Dana Alsamsam Lengua materna (s viene a continuación. Alsamsam explica cómo el trabajo está comentando sobre nuestras relaciones con nuestras madres y el efecto que tienen en nosotras a lo largo de nuestra vida. Cinco bailarines se mueven a través de diferentes niveles, formas de clara geometría y lugares en el espacio entre sí. Comienzan con cuatro de los bailarines arrodillados en una especie de estocada lateral, inclinados dentro de sus piernas con los brazos abiertos. Es una forma intrigante que regresa a través de la pieza. Un bailarín también baila sobre ellos en el espacio. Esa jerarquía a través de la ubicación no sigue siendo que los bailarines se muevan de todas las formas en relación con los demás a lo largo de la obra. Se entretejen entre sí, como si estuvieran en tensión incluso mientras coexisten. La partitura es inquietante, una voz solitaria produce tonos largos y cadenciosos mientras que otras voces hacen vocalizaciones más entrecortadas y frenéticas. Los trajes granate y negro en cortes limpios y simples respaldan el estado de ánimo de la pieza y contribuyen a una organización estética agradable.

Bosque de Shae

'Habla' de Shae Forest. Foto de Paul Bloomfield.

Imagino que esa voz larga entrecortada es la de una madre en la psique de uno, ya sea consciente o inconsciente, mientras escucha una cacofonía de otras voces en el mundo circundante. El entretejido entre sí a través del espacio se siente como esas voces y esas influencias que se encuentran y encuentran algún tipo de tolerancia entre sí. La multiplicidad resultante de todos esos caminos a través del espacio se siente como la multiplicidad que proviene de esa cacofonía de voces que pueden afectarnos. Aún así, la voz de la madre permanece. Para finalizar, un bailarín se sienta frente a los otros cuatro bailarines, al revés de la estructura al comienzo de la obra. Pienso en todas las diferentes formas en que escuchar la voz de nuestra madre puede afectarnos, y en todas las diferentes situaciones en las que podemos encontrarnos en las que la escuchamos.



De Shae Forest Hablar explora cómo la danza puede actuar como un lenguaje y el significado de eso para la comunicación en la sociedad, comparte en su fragmento introductorio. Lamentablemente, ese no es un tema que esté en la mente de la sociedad en general, piensa una parte quizás cínica de mí. Sin embargo, cualquiera puede apreciar las ofertas estéticas de esta pieza. Los bailarines, con vestidos de leotardo de corte elegante en blanco roto, se mueven con increíble facilidad a través de un vocabulario de movimiento muy técnico y desafiante. Se mueven con pasión y compromiso a través de ese trabajo desafiante, de modo que se siente expresivo y significativo en lugar de solo “trucos” de movimiento por su propio bien.

La iluminación tenue y la sensacional partitura instrumental construyen aún más el drama y la expresión. Forest también estructuró hábilmente agrupaciones en el trabajo de tal manera que los bailarines van y vienen y los grupos cambian lo suficiente como para ser intrigantes, pero no tanto como para sentir que esos cambios están llegando demasiado rápido; esos cambios quizás representan una especie de comunicación propia. A veces, el arte tiene un significado ampliamente accesible, a veces es estéticamente agradable o memorable, y a veces tiene ambos. Ninguna de esas opciones está intrínsecamente equivocada. Todos valen algo.

Rachel Linsky's Selección es un trabajo memorable y que invita a la reflexión. El significado importante se une a la competencia técnica, y el resultado es algo realmente fascinante. En su fragmento previo a la actuación, Linsky explica que la pieza explora el proceso de 'selección', mediante el cual los nazis separaban a los que podían trabajar de los que serían asesinados inmediatamente al llevar cautivos judíos a los campos de concentración. Las familias se separaron a través de este proceso, comparte Linsky, que ha sido una herramienta común de los opresores sobre los oprimidos a lo largo de la historia. Fuera del Museo del Holocausto de Boston, los bailarines forman líneas rectas, en inquietante alineación con los prisioneros judíos al llegar al lugar de su (probable) muerte. El humo sube, otra referencia escalofriante aquí.

Rachel Linsky

'Selección' de Rachel Linsky. Foto de Lisa Link.

Se mueven (dentro de esas líneas) con un cierto nivel de calidad limitada, se inclinan hacia los lados y ruedan a través de los hombros para encorvarse hacia adelante, lo que representa la constricción y la falta de autonomía. Apoyando este sentido, y el deseo de escapar de la constricción mientras no tienen poder para hacerlo, se elevan hacia el cielo, pero en otras ocasiones caen al suelo o justo encima de él en una estocada profunda. Los bailarines usan máscaras obviamente debido a COVID, pero también me recuerda una enfermedad, como la que llevó al asesinato de seis millones de judíos y otros seis millones considerados una amenaza para el poder nazi. Los números parpadean ante los bailarines mientras se mueven, lo que representa los números de identificación de los prisioneros de los campos de concentración. El peso de este trauma histórico, este dolor en la historia, me golpea en un nivel muy visceral.

Sin embargo, lo verdaderamente aterrador aquí no es el peso del pasado aislado, es ese pasado que rima con las cosas que suceden hoy. Hacia el final, entre las voces de otros sobrevivientes de los campos de concentración, escuchamos a Bernard Marks confrontando al Sheriff y al Director Interino de ICE en un Ayuntamiento en Sacramento, California. Habla con franqueza y ferocidad, trazando paralelismos con cómo fue separado de su familia en los campos de concentración y cómo eso está sucediendo hoy en los centros de detención de migrantes aquí mismo en los Estados Unidos. Tomo un momento de reflexión solemne después de ver la obra, prometiendo nunca olvidar y nunca excusar el odio. Obras como la de Linsky, con dominio estético y un significado verdaderamente potente, pueden tener ese tipo de efecto.

Pronto, sin embargo, las bailarinas del New England Ballet Theatre de Connecticut ofrecen algo mucho más ligero y alegre. La suave música de piano acompaña su efervescente movimiento de ballet a través de diferentes lugares al aire libre: saltando a lo largo de un lago, lanzándose y haciendo gestos con los brazos en los escalones de una casa clásica y girando en un porche. Los efectos de cámara lenta mejoran la sensación de libertad durante el vuelo y los filtros añaden una armonía visual que es realmente agradable. Todo se siente como un escape de la realidad de COVID. Los bailarines ni siquiera usan máscaras (lo que me parece bien porque no se acercan mucho entre sí cuando bailan en la misma toma). La tranquilidad y alegría del trabajo, sin olvidar la amplitud y libertad con la que se mueven las bailarinas, se siente como una medicina para el alma en este momento (o en cualquier momento, podría ser) .

Sin embargo, el trabajo no carece del todo de un rango emocional o conceptual hacia el final, los bailarines hacen movimientos de garras por los lados de un edificio, además de visualmente bellos, transmitiendo un alcance y un anhelo por lo insatisfecho e inexplorado (a pesar de todos los espacios que ellos encontrado en el trabajo). No importa lo que encontremos y experimentemos, siempre hay algo fuera de eso. El New England Ballet Theatre de Connecticut tiene una voz que podría traernos todo esto, al igual que otras voces ofrecieron sus propios dones a través de su voz. Brava a OnStage Dance Company y Nozama Dance Collective por crear el espacio para todas esas voces.

Por Kathryn Boland de Dance Informa.

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