'Esperando' de Amy Foley. Foto de Mickey West Photography. Teatro de Danza de la Universidad de Boston, Boston, Massachusetts.
25 de enero de 2020.
Concepto: puede diferenciar el arte de la danza del movimiento, hacerlo relevante y hacer que realmente 'llegue a casa' entre los miembros de la audiencia. Onstage Dance Company, con sede en Malden, MA, un hogar acogedor para profesionales ocupados que quieren seguir bailando más allá de sus días de baile en el estudio y la universidad, siempre presenta espectáculos divertidos y bien hechos. Sin embargo, en la actuación de la temporada 18 de la compañía, me llamó la atención la presencia de conceptos particularmente conmovedores y memorables. Me recordó cuán poderoso puede ser un concepto creativo o significativo, movido con dedicación y cuidado.
La primera pieza, Michelle Block's Al revés , inició esta tendencia de conceptos sofisticados y agradables. Los bailarines comenzaron en silueta, iluminados por detrás, en dos filas. Las luces aparecieron para revelar mucho más color, vestidos verdes y morados con una paleta de colores de iluminación a juego.
Block pidió tener estos dos grupos de colores de maneras estéticamente intrigantes, como la combinación de un bailarín que usa un color y otro bailarín que usa el otro, entretejiendo y alternando bailarines que usan los dos colores y dividiéndolos en los lados del escenario. Este era un concepto sin nombre, pero claramente visible dentro del trabajo. En realidad, se nombró a otro, en el título, los bailarines se invirtieron físicamente a sí mismos y entre sí en pareja. Ambos conceptos jugaron de manera convincente con la dualidad: hacia arriba o hacia abajo, un color u otro.
Si bien estos binarios eran claros, lo que también despertó mi interés fueron los espacios y los tiempos en los que vimos tonos de gris entre los dos extremos del espectro: a mitad de camino al revés, cuerpo paralelo al piso, o cuando los colores se mezclaban en el interior. Un grupo. Los bailarines lo ejecutaron todo con compromiso y dominio técnico. Visualmente y mentalmente, había mucho que masticar. Aparte de eso, fue agradable asimilarlo.
Teresa Fardella’s Perdido en el mar vino después. Trajo una sensación diferente: más oscura, más misteriosa, más reflexiva. Una partitura de piano con voces atractivas comenzó a inculcar esta atmósfera, y los vestidos de color blanquecino, que ofrecían la sensación de un estado en blanco, la construyeron aún más. La iluminación era baja, pero se hizo más brillante a medida que avanzaba la pieza. Del mismo modo, el movimiento se aceleró un poco y se volvió más ligero en energía a medida que avanzaba la pieza. Los pequeños saltos y los grandes saltos agregaron una sensación de vuelo a este aumento de energía.
Otro desarrollo fue que los bailarines entraban con vestidos negros, lo que contrastaba con dos grupos separados, como lo había hecho la pieza de Block. En esta pieza, esta elección sirvió para reforzar un sentimiento de búsqueda, búsqueda de un opuesto, de algo fuera de lo conocido. A esto se sumaba el cambio frecuente a otros niveles en el espacio y lugares en el espacio (el espacio escénico que es). Por la forma en que los bailarines se relacionaron - dando vueltas, agachándose, acercándose pero luego seguramente alejándose - pensé en este “perdido en el mar” como una separación de la verdadera conexión humana, perdido en el turbulento mar de la vida.
Se necesitaría claridad e intención en el movimiento para que el movimiento impulsara tal interpretación, y los intérpretes la entregaron. Un estilo balletico / lírico agregó una gracia y un formalismo que suavizaron el borde de todo esto. Para terminar, los bailarines se detuvieron y parecieron, por primera vez, verse de verdad. ¿Fueron encontrados? Eso sería para que los miembros de la audiencia decidieran por sí mismos. Eso es algo maravilloso para lo que el arte puede tener espacio.
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Cerrando el acto fue Jennifer Kuhnberg Ángel por las alas . Cada parte fomentó el concepto de ángeles guías en nuestras vidas. Para empezar, el escenario estaba retroiluminado para crear un efecto de silueta. Los tendederos cubiertos con ropa blanca crearon la imagen de alas de ángel, y los bailarines habían formado un cuadro justo debajo. Las luces se encendieron para revelar a los bailarines completamente iluminados, con trajes que fluían con gracia y eran blancos. La iluminación creó sombras de sensación etérea. A medida que avanzaba la pieza, se hizo evidente una sensación de armonía, incluso a través de diversas formaciones y formas en las que los bailarines se relacionan entre sí (al cañón, al unísono, en su propio movimiento).
La asociación, en una calidad contemporánea suavizada y liberada, trajo una sensación de apoyo. Los bailarines rodaron sobre la cadera de un compañero para aterrizar en estocadas profundas y sólidas o para cambiar su impulso en un giro. Había una gran cantidad de actividad en el escenario, pero todo estaba muy organizado visualmente, para que fuera accesible, convincente y agradable. Estas cualidades continuaron hasta el final: los bailarines crearon un cuadro de niveles y formas variados, con una forma de ala iluminada detrás de ellos. Ciertamente, había algo de otro mundo y majestuoso en todo esto, algo que me hizo sentir más tranquilo y en paz solo por experimentarlo.
Willow Gertz's La rosa final Abrió el segundo acto. Las imágenes curvilíneas conectadas con las flores, y un esquema de color rojo / rosa lo hizo aún más claro. El movimiento fuerte con una gracia clara emulaba la belleza de una rosa que, sin embargo, tiene elementos de espinas protectoras, como el motivo de un brazo en círculo, aportó la suavidad, y las formaciones claramente geométricas aportaron la fuerza. Los bailarines se conectaron en forma de cadena, serpenteando por el escenario, pero luego se movieron en diagonal. Se tomaron de las manos a la espalda, caminando con una calidad limitada, hasta que se movieron con una calidad de fusión. Los bailarines transmitieron estas cualidades de forma clara y convincente. Este contraste de fuerza y suavidad, emblemático de una rosa, en vocabulario de movimiento, calidad de movimiento y formaciones, dio vida a un concepto intrigante y una pepita simplemente agradable del arte de la danza.
Más adelante en el acto vino otra obra de Kuhnberg, Juego de supervivencia . Una atmósfera salvaje, y todo el peligroso nerviosismo en ella, fue clara e intrigante desde el principio de la pieza. Los bailarines formaron líneas y luego bailaron en ellas, palos grandes que agregaban un elemento de conexión a tierra y un ancla auditiva (golpeaban los accesorios en el escenario al unísono, llamando la atención y contribuyendo a la atmósfera). La locura era clara en la iluminación verde y amarilla, cortes irregulares de trajes en colores similares y movimiento accidentado.
La letra “el juego de la supervivencia” resonó en el teatro, y todo salió bien para mí. Diferentes grupos de ellos se movieron de maneras que me hicieron cuestionar quién era el cazador y quién era la presa: dando vueltas, arremetiendo, sumergiéndose arriba y abajo. El vocabulario de movimiento de Kuhnberg se volvió tan atrevido y tenaz como lo salvaje que estaba retratando.Los bailarines se deslizaron sobre una cadera, rodaron sobre los hombros de otros bailarines y saltaron sobre otros bailarines que yacían en el escenario.
El final me capturó más que nada, sin embargo, los bailarines golpearon los palos al unísono perfecto y las luces se apagaron, una llamada tentadora para preguntarse qué podría venir después, más allá de los confines de la pieza en el mundo imaginario que ella había construido, y simplemente un verdadero atraer a los sentidos. Construir inteligentemente un concepto a través de una obra de arte de la danza puede tener tal efecto, y la Compañía de Danza Onstage lo logró de manera encomiable en su Actuación de la Temporada 18.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
