Eric Greengold y Elizabeth Troxler en 'Dancing Through ...'. Foto de McKenna C. Poe. 30 de octubre de 2020.
Transmitido en YouTube.
La mayoría de las obras de danza que realmente resuenan en mí lo hacen debido a un concepto fuerte, uno que los artistas en cuestión dan vida hábilmente. Crear un concepto es un auténtico trabajo creativo e intelectual. Decidir darle vida y creer que es algo que lata cobrar vida, requiere un valor sincero. El trabajo de dar vida al concepto sigue eso: algo que requiere compromiso, rigor, adaptabilidad y aún más. coraje . Theatre Dance Vietnam mostró tal coraje al comprometerse con un concepto complejo y desafiante, retratando la historia y el contexto cultural de la danza del teatro musical estadounidense, en Dancing Through .. . La obra fue filmada en The Tank en Nueva York y dirigida por Elizabeth Troxler.
Se evidenciaron ciertos aspectos ahistóricos y debilidades estructurales, pero la valentía para asumir un concepto de esta magnitud es algo digno de elogio y celebración. La coreografía y la interpretación fueron magistrales, lo que me permitió, como espectador, no estar demasiado absorto en mis objeciones intelectuales sobre la estructura y la precisión histórica. El trabajo en sí también subrayó el nivel en el que Estados Unidos ha sido un líder mundial en la danza, algo que también se debe celebrar y alentar a las generaciones venideras.
Jessica Lee Goldyn en 'Dancing Through ...'. Foto de Sarah Takash.
El trabajo se abrió con un equipo de baile que bailaba al estilo de Broadway, impecablemente vestido con lentejuelas y diademas de plumas. Los miembros del equipo querían aprender más sobre el formulario. Uno preguntó de dónde venía. Su entrenador comenzó a explicar esta rica historia explicando cómo surgió la forma del vodevil. La primera escena de baile fue un dueto encantador, comenzando con el seguimiento de un bombín hasta el aterrizaje en una caja y luego siendo recogido por uno de los bailarines antes de su vals. El vocabulario del movimiento recordaba a los ballets de ensueño del Hollywood clásico. Esto pasó a hacer tapping con sonidos impecables y una energía que solo tenía que hacerte sonreír, al igual que las clásicas escenas de tap de antaño. La música sonaba como si saliera de una caja de radio antigua, lo que ayudó a crear la atmósfera de la escena en todo momento.
A partir de ahí, pasamos a escenas de la Gran Depresión y los comienzos de la Segunda Guerra Mundial. Mientras las imágenes de esta época aparecían en la pantalla, el entrenador explicó cómo la danza y el teatro levantaron a las personas en tiempos difíciles y las unieron en un espíritu nacional. La siguiente escena de baile fue otro dúo encantador con un movimiento que era un poco más jazzístico, sensual y atrevido, mostrando la evolución de la forma a medida que pasaba el tiempo y cambiaban las actitudes sociales. Los bailarines se movieron con soltura, alegría y facilidad.
Más tarde llegó una escena de baile que representa la década de 1960, con el espíritu rebelde del movimiento hippie. El movimiento fue vivaz y contagioso. A continuación, se produjo una secuencia divertida y original de la década de 1980, con colores brillantes y leotardos de corte alto.
A continuación, se describió la década de 1990 como una época de oscuridad y aislamiento, con bailarines separados en el espacio, cada uno con su propia luz y todo lo demás tenue. Un baile de claqué feliz representaba la década de 2000: una época de guerras en el extranjero, amenazas terroristas y discordia sociopolítica que lo rodea, una creciente polarización sociopolítica y el peor colapso financiero desde la Gran Depresión. Quizás esta elección tenía la intención de señalar cómo los programas como Totalmente moderno Millie estaban trayendo tap a los 20thsiglo con una explosión de ideas frescas, eso me sonó fiel y me hizo sonreír.
Ambas escenas estaban bellamente bailadas y diseñadas, por lo que pude apreciarlas mucho a nivel estético. Y un elemento importante que ayudó con la estructura y la continuidad fue el uso de un bombín. Pasó a través de las décadas a través de una combinación de movimiento y edición de películas. Este fue un uso inteligente de un accesorio para brindar una sensación de continuidad a través del tiempo. Ese enfoque me hizo pensar en las cosas que han continuado a lo largo de la historia de Estados Unidos, dentro y fuera de las artes: aspirar a la libertad para todos que se imagina en nuestros documentos fundacionales, por ejemplo.
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Una secuencia de escenas llenas de energía de los recientes éxitos musicales de Broadway completaron las escenas de baile. Esta elección creativa pareció coincidir con el momento cultural al destacar las contribuciones esenciales de los artistas negros al teatro, la música y la cultura pop estadounidenses. Estas escenas incluyeron las del musical Las tentaciones , una portada de Michael Jackson y la reciente Tina: El musical de Tina Turner . Al igual que el espectáculo en su conjunto, fue bellamente interpretado y coreografiado.
Un final poderoso con escenas de bailarines de Nueva York hizo que el entrenador nos recordara que el teatro permanece con nosotros incluso cuando los teatros están cerrados, está en nuestro corazón, mente, cuerpo y alma. ¡Esa es la fuente del arte, después de todo! Incluso con los problemas estructurales e históricos que me llamaron la atención, ese mensaje, junto con la belleza y la alegría de la actuación y la coreografía, hicieron de este un trabajo memorable. El coraje para crear es algo para aplaudir, porque un significado poderoso puede resonar con ese coraje como fuente. Agregue un baile y un diseño maravillosos, y no puede perder.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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