Robert Kleinendorst y Alex Clayton en 'Arden Court' de Paul Taylor. Foto de Paul B. Goode. Cuando piensas en la danza, ¿qué te viene a la mente de inmediato? Para algunos, es el arte dentro del movimiento que se realiza. Para otros, es un escape del mundo real y de las pruebas y tribulaciones de la vida cotidiana. La danza tiene el poder de llegar a quienes nos rodean de maneras que aprovechan todas las emociones imaginables. Hay una variedad de vías a las que puede llegar la danza que va más allá de simplemente actuar en el escenario para miles de espectadores, y esto se puede ver incluso ahora para expresar y crear un diálogo sobre los problemas que vemos y experimentamos en nuestra vida diaria. Es fascinante cómo los artistas, bailarines y coreógrafos comparten una forma de arte tan hermosa, pero también comparten un terreno común al querer llegar a aquellos con movimiento en lugar de palabras.
Aquí, Dance Informa habla con varios directores y artistas del mundo profesional sobre cómo la danza ha jugado un papel vital en sus vidas, cómo surgió con la adversidad y cómo han utilizado la forma de arte para evocar cambios.
Alex Clayton. Foto de Bill Wadman.
Antes de convertirse en miembro de Paul Taylor Dance Company, Alex Clayton tuvo que enfrentar una gran cantidad de obstáculos en su carrera profesional de danza.
Él le dice a Dance Informa, “Empecé bastante tarde en el mundo de la danza, alrededor de los 16 años. Fue un beneficio mío porque me sentí más como un adulto. Sin embargo, medía 5'6 ″, lo que era un problema en el mundo del ballet, junto con mi musculatura. El color de mi piel también fue un problema, ya que me informaron de que solo podía haber una bailarina negra en una organización determinada. Sabía que no podía cambiar ninguno de los dos temas, así que decidí estar orgulloso de mí mismo '.
Para Bradley Shelver, el cambio de lo que experimentó en Sudáfrica durante y después del apartheid en comparación con la vida después de mudarse a Nueva York provocó una evaluación de cómo los seres humanos en general pueden ver a alguien en el mundo de la danza.
Bradley Shelver. Foto de Arthur Kopchik.
“Cuando terminó el apartheid en 1994, yo estaba en el último año de la escuela secundaria”, dice Shelver. “Hice una audición para Alvin Ailey y recibí una beca, y yo era el único caucásico en recibirla en ese momento. Me hice miembro de una familia, y al venir a Nueva York y bailar con Ailey y Ballet Hispánico, sentí que estaba viviendo ese cambio. Sin embargo, al ser de África, se espera que se vea o actúe de cierta manera, y me tomó un tiempo procesar esta suposición. No reservaría un papel porque mi apariencia no encajaba, por lo que mi objetivo era tratar de cambiar el estado de ánimo de algunas personas. Con Ailey, pude llevar la experiencia al mundo y mover la forma en que nací para moverme '.
Larissa Gerszke. Foto de thegingerb3ardmen.
Larissa Gerszke, miembro de la compañía Complexions Contemporary Ballet, comparte su experiencia como bailarina birracial y navega por el mundo de la danza a su alrededor, más específicamente en el ballet clásico.
Ella dice: “Crecí lidiando con los privilegios de ambos lados, y con la danza, tuve el privilegio de tener una tez más clara. El ballet tiene sus raíces en la perfección. Presentar menos de mí mismo para ser comparable y tener éxito en el ballet pinta una imagen clara de las limitaciones grabadas en la estética del ballet. Independientemente, tuve que trabajar un 110 por ciento más duro, que es una píldora difícil de tragar. Tuve que aceptar mi posición y lo que quiero hacer con ella, y Complexions me ha ofrecido un espacio para ser yo mismo de manera auténtica '.
ballet del siglo XXI
Dante Puleio. Photo courtesy of Limón Dance Company.
Hablando sobre sus experiencias anteriores cuando era un joven que se esforzaba por entrenar y desarrollar su oficio, Dante Puleio ( nuevo Director Artístico de Límon Dance Company ) trae la perspectiva que muchos bailarines experimentan en un momento u otro.
“Alrededor de los 19 años, yo era uno de los dos bailarines masculinos en formación”, revela Puleio. “Realmente no recibí esa guía de un instructor masculino que pudiera mostrarme cómo usar mis dones. Había una sensación de que 'nadie en la habitación se parecía a mí' y, como hombre blanco privilegiado, pensé en cómo se siente eso para una persona de color. No hay nadie que les dé las herramientas como artista, lo que resuena más fuerte y resuena más conmigo ”.
Lori Belilove. Foto cortesía de Belilove.
La bailarina y maestra Isadora Duncan, Lori Belilove, habla sobre su experiencia y dice: “Recuerdo que fui a una audición de danza moderna y la maestra me hizo pedazos. Fue como un cuchillo. Tuve que lidiar con ese dolor, pero también me propuse explorar lo que ella vio. Superé ese dolor e Isadora Duncan me ayudó a mirar más allá de las trampas '.
Para Madelyn Ho, miembro de Paul Taylor Dance Company, aunque dice que ha sido afortunada en su carrera, todavía hubo momentos de duda a veces.
Madelyn Ho. Foto de Bill Wadman.
“Tuve la oportunidad de interpretar las obras maestras de Paul Taylor y compartirlas con audiencias de todo el mundo”, dice Ho. “La danza ha sido un componente integral de mi vida y también ha sido, en ocasiones, una fuente de conflicto con mi familia. Había pocos bailarines asiático-americanos prominentes a quienes mis padres pudieran considerar como modelos a seguir para el camino que yo había trazado. Querían que me juzgaran por mi mérito y trabajo duro, no por mi origen étnico o cualquier otro factor que no pueda controlar ”.
Estos artistas y directores y muchos más en el ámbito de la danza han tomado sus experiencias de adversidad y las han convertido en faros de esperanza. Ya sea a través de sus viajes en la actuación o el acercamiento a las comunidades que los rodean, el único denominador común es usar la danza como una plataforma para evocar cambios, emociones y crear diálogo. Enseñar el movimiento y crear amor por las artes es una especie de recipiente que requiere líderes fuertes para mantener el rumbo pero también navegar a través de aguas turbulentas.
Tiffany Rea-Fisher, directora artística de Elisa Monte Dance, señala que es imperativo modelar lo que quiere ver, y comienza desde arriba.
Tiffany Rea-Fisher. Foto de Ayodele Casel.
'Tomo decisiones junto con los bailarines', dice. “Todos tienen un asiento en la mesa y es un lugar seguro para compartir sus ideas. Los bailarines a veces son recipientes silenciosos, y es 100% mi trabajo crear un espacio donde puedan expresarse física y vocalmente ”.
Centrándose a través de la lente de la educación artística, Alpha Omega Theatrical Dance Company sirve como plataforma para jóvenes artistas e intérpretes de minorías. Con la directora ejecutiva Donna Clark y el director artístico Enrique Cruz DeJesus a la vanguardia, Alpha Omega ha servido como hogar y familia para artistas jóvenes.
Compañía de Danza Teatral Alpha Omega. Foto de Quincy Scott.
“Los trabajos que hemos hecho con Alpha Omega se han ocupado de problemas sociales en el mundo”, dice DeJesus. “Nos caracterizamos por crear obras con conciencia social y dialogar. Al ser una pequeña comunidad de danza, evolucionamos pero preservamos lo que tenemos. Se trata de ser fiel a quien eres. Se trata de la conciencia '.
Clark añade: “La danza es una forma de ser catártica y los artistas necesitan un espacio para expresarse y sanar. Necesitamos ser capaces de proporcionar un espacio, un lugar y una idea que se concentre en el lugar donde habla el bailarín. Se trata de conectar energías y unirse. Es necesario hacer una declaración de lo que tiene que suceder '.
Como director de su propia empresa, además de enseñar en escuelas públicas, Mark DeGarmo encuentra el movimiento como un proceso creativo y de sanación para los estudiantes con los que se ha encontrado.
Mark DeGarmo. Foto cortesía de DeGarmo Dance.
escuela de danza june claire
“La composición improvisada es mi enfoque de la coreografía y es el corazón de mi proceso creativo”, explica DeGarmo. “El movimiento con niños con necesidades especiales y estudiantes no verbales me da la capacidad de conectar el aprendizaje de los estudiantes con el desarrollo humano. Es una especie de mecanismo de curación '.
Dian Dong. Foto cortesía del Chen Dance Center.
El director del Centro de Danza Chen, Dian Dong, también es un apasionado de llegar a los niños de toda la ciudad y del mundo mientras enseña historia china a través de la danza y los movimientos operísticos chinos.
“Desde 1988, hemos ofrecido una serie de talleres para escuelas de forma gratuita”, dice Dong. “Todos tenemos que hacer nuestra parte para ayudar a esta próxima generación. Aunque estamos desplazados en este momento debido a un incendio reciente en nuestro estudio, queremos integrar los hemisferios derecho e izquierdo del cerebro y tomar lo mejor de todos los mundos de forma remota haciendo talleres virtuales ”.
'Escape From the House of Mercy' de Catherine Gallant, que se pospuso desde abril pasado hasta febrero de 2021. Foto de Gallant.
Como maestra y educadora de danza, Catherine Gallant dice: “Cuando se involucra con la danza, es importante ser dueño de sus propias ideas. Es empoderador. ¿Cómo nos revelamos a través de nuestro cuerpo? Con los niños muy pequeños, es una interacción encarnada. No estoy cediendo a través de mi lente, pero estoy permitiendo ellos para descubrir. Primero viene de ellos '.
Michael Novak. Foto de Laspata DeCaro.
Entonces, ¿cómo podemos nosotros, como artistas, continuar #bethechange? Si bien no hay una respuesta clara sobre cómo, las posibilidades de cambiar nuestro mundo a través del movimiento son infinitas y comienza con la acción.
Michael Novak, director artístico de Paul Taylor Dance Company, comparte: “Creo que mirar los sistemas preexistentes, los sesgos y los prejuicios que pueden existir en nuestra industria, internos o externos, conscientes o no, y evaluar lo que puedo hacer para Crear nuevos sistemas en nuestra empresa que se basen en la igualdad, la diversidad y la inclusión será un sistema que cobrará impulso y continuará '.
Nayomi Van Brunt. Foto de Josh S. Rose Photography.
'De hecho, estamos todos juntos en esto', dice Nayomi Van Brunt, bailarina de L.A. Dance Project. “Todos los artistas comparten las mismas luchas que una forma de arte en general, pero no reciben el mismo trato. Tenemos una plataforma como artistas para ayudar a los demás. Estoy trabajando activamente en cómo puedo ser el cambio. Estamos trabajando con una mentalidad, y los problemas del mundo no terminan cuando ingresamos al estudio '.
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Desmond Richardson. Foto de Lee Gumbs Photography.
Desmond Richardson, cofundador y co-director artístico de Complexions Contemporary Ballet, explica: “Ha llegado el momento de que somos y podemos cambiar el futuro. Tuvimos la plataforma y ahora es más abierta. Animo a los artistas a seguir adelante con cualquier idea. Somos creadores y, a través de las pruebas, llega la resistencia y la perseverancia '.
Jacqulyn Buglisi. Foto de Bill Biggart.
“El arte nos permite llegar a la luz para imaginar, crear e innovar”, agrega Jacqulyn Buglisi, directora artística de Buglisi Dance Theatre. “La danza trae poesía, música y literatura y sale de adentro. Debemos mirar lo que tenemos frente a nosotros y preguntarnos: '¿Cómo puedo participar?'
Jada Pearman. Foto de Bill Wadman.
Como miembro de Paul Taylor Dance Company, Jada Pearman resume ser el cambio, explicando: “Cuando actúo, represento a mi familia, mi hermosa casa en la isla y a todas las niñas negras que sueñan con convertirse en bailarinas profesionales. Estoy bailando para algo más que para mí, y hay mucho trabajo por hacer '.
Por Monique George de Dance Informa.
