AAADTs Jacqueline Green y Solomon Dumas en 'The Call' de Ronald K. Brown. Foto de Paul Kolnik. Teatro David H. Koch del Lincoln Center, Nueva York, NY.
15 de junio de 2019.
En la danza, existe el significado del trabajo en cuestión (la belleza del movimiento del cuerpo humano es un significado totalmente válido). También está la motivación del artista: el 'por qué hice este trabajo', por así decirlo. Los dos a menudo están estrechamente relacionados, pero la mayoría de las veces se pueden analizar por separado. Tanto ser claro como intencional puede crear un trabajo realmente sorprendente. También es sorprendente cómo estos variados significados y motivaciones pueden unirse en un programa de obras diversas. La temporada de verano del Alvin Ailey American Dance Theatre en el Lincoln Center hizo que estos asuntos se movieran en mi cerebro como un ciclón. Experimentando las obras, sin embargo, solo me sentí cautivado y satisfecho.
Darrell Grand Moultrie 's Una onza de fe abrió el programa. Un solo de apertura, rebosante de determinación y poder, tenía al bailarín en el grupo y luego al frente. La cortina cayó detrás de ella cuando pasó junto al proscenio. Este desarrollo comenzó a construir la idea de que el individuo se encuentra a sí mismo, pero a partir de una base de apoyo. Ella ejecutó un motivo de movimiento con una poderosa resonancia con el significado de la pieza: un penché lento (el cuerpo se inclina de la cabeza a los pies, a 45 grados) y luego una curva de esa pierna hacia el pecho. Hablaba de dar ese “acto de fe”, de ser atrevido y de confiar, pero también de volver a algo firme y seguro de vez en cuando.
El telón se levantó sobre el grupo nuevamente, vestuario e iluminación en colores brillantes y alegres (iluminación de Mark Stanley, vestuario de Mark Eric). El tamaño y la energía del movimiento tenían el mismo brillo y alegría. El juego de pies fue rápido y variado, frenético pero no demasiado para digerir. Gesto abstracto mezclado con un movimiento más técnico, entretejido pero distinto, como colores en un tapiz. Todo se mantuvo enérgico y multifacético, los solos se convirtieron en tríos y los círculos se convirtieron en líneas. Luego vino una sección que me pareció hermosa y sentida, pero más efectiva estructuralmente si se cambiaba por la sección que la precedía. Los bailarines se movían lentamente, como a través de la melaza, mientras la voz en off describía poéticamente el poder de que algunos tuvieran una “pizca de fe en ti”, como alguien lo había hecho en el propio Moultrie.
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El significado y la motivación de la pieza parecían tener un significado muy personal para Moultrie. Para mí, esa conexión hizo que el trabajo me resonara aún más. “A veces solo tienes que estar agradecido”, dijo la voz en off, que me pareció particularmente resonante. Si bien esta y su sección anterior eran en sí mismas claras, poderosas y agradables, me pareció que el arco narrativo y la claridad podrían haber sido más fuertes con las dos partes cambiadas, la sección más lenta podría haber ofrecido más contexto narrativo y permitir que la energía creciera. Quizás Moultrie buscaba variar las cualidades energéticas, lo que sin duda es un objetivo legítimo.
La energía se recuperó durante la mayor parte de la pieza, una fiesta de energía y alegría. Al unísono en líneas en solos, había muchas secciones variadas, sin embargo, de alguna manera, cada una parecía suficiente, un pequeño paquete atado con un lazo ordenado. Surgió otro motivo: pequeños saltos con un pie extendido y flexionado, así como con las manos flexionadas. En esto, sentí determinación, acción y fuerza. Las inflexiones culturalmente africanas en la música y el movimiento se prestaron a una base en la calidad del movimiento, incluso cuando se equilibró con un impulso a través del cuerpo. Para terminar, todos los bailarines se acercaron juntos. Estaban decididos y unidos. Necesitaban fe y comunidad para llegar allí, y lo hicieron.
De Ronald K. Brown La llamada Siguió otra mezcla de colores y cualidades de movimiento. Comenzó con dos bailarines, y se fueron sumando otros hasta que fueron cinco. Esta acumulación me hizo pensar en el título que era si algo llamaba a los bailarines adicionales al escenario. Pronto se construyó un sentido de giro y circulación, los bailarines girando y entrando y saliendo de formaciones circulares. El vocabulario del movimiento, como los brazos rectos que salen de los hombros, como las palas de un helicóptero, construyó aún más esa cualidad circulante. También fue notable la majestuosidad y la elegancia, un carruaje clásico elevado a través del cuerpo y trajes fluidos (vestidos para las mujeres y cortes holgados para los hombres, de Keiko Voltaire). Entró un elemento de ritmo, la columna vertebral ondulada, incluso con música de estilo clásico.
Surgió un cambio tonal adicional, la iluminación se tornó morada y el movimiento se suavizó (iluminación de Tsubasa Kamei). Pensé en cómo la lavanda es una sustancia natural relajante. El movimiento batido, cremoso-suave, como los fouettés, también se sumaba a esa cualidad más suave. Sin embargo, la acción exagerada de la cadera a través de estos movimientos mantuvo una sensación de estilo enérgico e individualidad. Los colores y la sensación anteriores regresaron, devolviendo esa sensación maravillosa. Dar vueltas también regresó. Otro cambio vino con la música clásica india, junto con otro cambio de iluminación a verde y naranja. Volvió la ondulación espinal, que ahora encajaba con la nueva música.
Este cambio en el movimiento, principalmente por el movimiento, habló de un 'llamado' natural de armonía creativa. Los bailarines también parecían llamados al baile en sí, en la calidad que fuera, llenos de dedicación y compromiso como estaban. Se produjo un giro rápido como un derviche giratorio, lo que llevó a un final a la parte de mirar hacia arriba, como en un elogio. “La llamada” allí se volvió espiritual. Me pregunté si algunas secciones podrían haber tenido más impacto si fueran más cortas. En general, sin embargo, el trabajo me dejó intrigado pero también contento.
Jawole Willa Jo Zollar's Abrigo vino a continuación, una obra rica y llena de significados. VoiceOver habló de una experiencia de observar la continua falta de vivienda y todas las emociones que pueden acompañar al hacerlo: tristeza por la persona, rabia por una cultura que permitiría que esto suceda y miedo de que algún día uno pueda estar en el mismo estado, y más. . Declaraciones poéticamente evocadoras como 'el cansancio con la burocracia mezclada con la rabia' me atrajeron de lleno.
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El movimiento tenía una intensidad para igualar el poder de las palabras, pero conservaba una organización (como en las formaciones) para mantenerlo todo claro y digerible. Los pies flexionados por turnos trajeron una sensación de determinación y fuerza. El vocabulario de la danza africana fundamentado se mezcló con el de la danza contemporánea, creando algo así como una masa suave como la seda con los gustos separados de los ingredientes, todos distintos al final, las formas se mezclaron, pero de alguna manera aún legibles en su propia naturaleza.
La repetición en la voz en off se sumó a la intensidad y la sensación de turbulencia mental. “Correr, caminar, correr, caminar”, pronunció, compartiendo el diálogo de alguien atrapado en esos sentimientos que surgen al ver a una persona sin hogar. Puede sentirse mucho más fácil no enfrentarlo. Algunos de los bailarines literalmente corriendo aumentaron esta intensidad. Una obra de salto me hizo pensar en volver a las comodidades inocentes e infantiles, algunas de las cuales se relacionan con el escape y la diversión, su propia forma de correr.
Pronto hubo un cambio a la voz en off que discutía el ambientalismo. Si uno está sintonizado con el discurso sociopolítico, esta conexión podría tener mucho sentido (al estilo “el Green New Deal”). Si no es así, este cambio temático y este emparejamiento podrían haberse sentido discordantes. Es cierto que, incluso siendo una de esas personas muy en sintonía con el discurso contemporáneo sobre política y política, la conexión me tomó un momento.
Por otro lado, el título de Abrigo ofrece una pista de cómo el ambientalismo y la falta de vivienda se relacionan: la tierra es nuestro hogar, nuestro refugio, así como nuestros hogares literales son nuestro refugio. El significado de Jo Zollar fue muy claro, y parece que su pasión por estos temas también es bastante clara. A veces, cuando la pasión conduce a una clara motivación para hacer el trabajo, el resto es algo verdaderamente memorable y significativo. El programa terminó con Revelaciones , posiblemente uno de los más, si no la obra más memorable y significativa de la danza contemporánea jamás realizada. La motivación para ilustrar el significado puede ser algo realmente poderoso.
articulos de danza para estudiantes
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
