'Demostración pública del alma divina' - Alvin Ailey American Dance Theatre en el centro de la ciudad

Alvin Ailey American Dance Theatre en Robert Battle Alvin Ailey American Dance Theatre en 'Mass' de Robert Battle. Foto de Paul Kolnik.

Hay algo sobre bailar. Dentro de él, podemos encontrar una armonía, conexión y fluir únicos dentro de nosotros mismos y con los demás. Puede ser una experiencia del alma en bruto. La danza de concierto, en su mejor momento, puede hacer que esta experiencia sea fundamentalmente clara. Los artistas intérpretes o ejecutantes que encuentran el alma de esta manera pueden realmente resonar con los espectadores y conectarse con su empatía innata, nuestro verdadero sentido de conexión con otros seres humanos. Incluso pueden inspirarnos a los espectadores a encontrar esa experiencia del alma, esa dentro de nosotros mismos y dentro de los demás.



Bailarines AAADT en Rennie Harris

Bailarines de AAADT en 'Éxodo' de Rennie Harris. Foto de Paul Kolnik.



Alvin Ailey American Dance Theatre (AAADT) ofreció esto, y mucho más, en un programa diverso en City Center. La primera pieza éxodo , coreografiada por Rennie Harris, comenzó con un aire de misterio: una banda horizontal de luz que se extendía por encima del escenario y todo el resto oscuro (iluminación de James Clotfelter). Había suficiente luz para ver a una bailarina caminar lentamente. Se escuchó el sonido de un disparo y él, al igual que los bailarines esparcidos por el escenario, saltó. Oh, sí, ¡los miembros de la audiencia nos pusieron firmes! Todos parecían estar bien, ¡uf!

Comenzó una narración intrigante, gran parte de ella parecía más bien 'meta', una forma de arte que se comenta sobre sí misma y la naturaleza del arte en sí. Una línea era bellamente poética y parecía destacar como importante: 'Esta es la experiencia pública del alma divina'. Mientras tanto, los bailarines continuaron moviéndose lenta, cautelosamente, fluida pero metódicamente. Lentamente subieron a niveles más altos. La iluminación aumentó hasta el punto en que las sombras se movieron a través del fondo negro liso: figuras imponentes que parecían presagiar el potencial cada vez mayor de estas figuras.

Bailarines AAADT en Rennie Harris

Bailarines de AAADT en 'Éxodo' de Rennie Harris. Foto de Paul Kolnik.




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Hasta cierto punto, eso se hizo evidente, ya que la música se aceleró y los bailarines siguieron el ritmo. Se movían en formaciones convincentes, con un cautivador no unísono y un unísono poderoso y nítido. Las firmas y variaciones del idioma hip hop, como pop y lock, body rolls y 'top-rocks', eran claras. Sin embargo, sin perder la sensación de fuerza arraigada que requiere este movimiento, los bailarines se movieron con las suaves articulaciones de gelatina de los experimentados bailarines contemporáneos.

Quizás lo más importante es que prevalecieron la unidad y la inclusión. El siguiente fragmento de narración anunció: “Puedes ser negro, puedes ser blanco. Puede que seas gentil, puede que seas judío. No marques la diferencia en nuestra casa '. Encarnaban este sentido de conexión inclusiva cuando llegaban a un gran grupo y se movían más lenta y fluidamente: sus extremidades como tentáculos de ameba. Estallaron en formaciones más cambiantes, al unísono y no al unísono. Finalmente, el telón cayó, pero todavía estaban de pie. Sus almas conectadas seguirían bailando.

AAADT en Robert Battle

AAADT en 'Mass' de Robert Battle. Foto de Paul Kolnik.



El segundo trabajo, Masa ,del director artístico de AAADT, Robert Battle, fue bastante diferente en tono y atmósfera. Representaba un tipo diferente de unidad, pero una unidad de todos modos. Los bailarines con túnicas sueltas de color rojo y amarillo (trajes de Fritz Masten) se movían juntos como lo hacen los átomos en reacciones químicas. Un despegue y un círculo de uno hizo que otros lo siguieran. Unos pocos saltando y cayendo al suelo llevaron a otros a hacer lo mismo. Uno se levantó después de que todos cayeron, y más lentamente volvieron a levantarse, uno por uno. Los bailarines individuales fueron catalizadores para un mayor movimiento y cambios energéticos.

Dado también el color de sus túnicas, se podía ver a los bailarines como pura energía. El título también connota un significado religioso / espiritual, ciertamente también en la pieza a encontrar. La luz y la oscuridad, las relaciones entre lo individual y lo colectivo trajeron a la mente el bien y el mal, la práctica religiosa y espiritual. Cualquiera que sea el significado que pueda resonar, lo visual y sensorial estaba ahí para disfrutarlo. Pasos rápidos a los tonos de xilófono, de la quietud al movimiento de la basura, y más ojos y mentes que mantuvieron felizmente ocupados.

El tercer trabajo, Christopher Wheeldon Despues de la lluvia No dos, fue una hermosa modernización de un clásicono dos,bailado por Jacqueline Green y Yannick Lebrun. El movimiento fue lento y metódico para comenzar, luego encontró una mayor velocidad y liberación cuando un violín solo entró para unirse a la partitura de piano cadenciosa. La conexión a tierra y el trabajo en el suelo eran contrapesos de los elevadores y extensiones que alcanzaban el cielo. No era clásico. No era moderno. Simplemente fue lo que fue: visualmente impactante y conmovedor.

Alvin Ailey American Dance Theatre

Akua Noni Parker de Alvin Ailey American Dance Theatre y Jamar Roberts en 'After the Rain Pas de Deux' de Christopher Wheeldon. Foto de Paul Kolnik.


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El verde giraba sobre el muslo robusto de Lebrun (en un plié àla segunda), un pie descansando allí y el otro extendiéndose hacia el lado opuesto del escenario en una hermosagolpear. Apoyaba su vuelo, su conexión con la libertad. En una pareja similar impresionante, un pie en su muslo se estiró lejos del otro en una división, y finalmente se liberó para aterrizarla en una división completa y fundamentada. Estos momentos de conexión tangible fueron poderosos y memorables, sin embargo, su conexión energética aún era fuerte cuando bailaron separados (a veces al unísono, a veces en solitario simultáneo).

Un elemento que podría haber agregado un valor estético adicional a la pieza: el verde tenía una firma, una roca sólida, casi vertical.desarrolladoque ella ofrecía a menudo. Lebrun no tenía esa firma, ya que en la tradición clásica su propósito parecía ser demostrar fuerza y ​​ayudar a su compañera a brillar. Algo parecía requerir que él también tuviera su propio movimiento único. La pieza se desvió de la tradición clásica de otras maneras, con bastante éxito, así que ¿por qué no de esta manera? Estoy seguro de que Wheeldon podría crear algo maravilloso para el compañero masculino en el trabajo a través del cual demostrar su individualidad.

El cuarto y último trabajo, Billy Wilson's El invierno en Lisboa , cerró la noche con alegre energía. Música jazz y vocabulario de movimiento (aislamientos, paralelospasadoy similares) trajo una atmósfera de club de jazz. Los trajes de colores brillantes (de Barbara Forbes) mezclados con una iluminación algo tenue y nebulosa (de Chenault Spence) ayudaron a que todos los movimientos de los bailarines resaltaran, al igual que las notas en la partitura de jazz. Pequeñas viñetas llenaron la pieza, al igual que parejas, grupos e individuos en solitario en un club de jazz tienen sus propias noches, e historias de vida más grandes, que se desarrollan una al lado de la otra.

Alvin Ailey American Dance Theatre en Billy Wilson

Alvin Ailey American Dance Theatre en 'Winter in Lisbon' de Billy Wilson. Foto de Teresa Wood tomada en el Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas.

Michael Francis McBride se movió con sorprendente suavidad, mezclando el movimiento peatonal y altamente técnico hasta el punto en que todo fue solo su maravilloso movimiento. Michael Jackson, Jr. y Kanji Segawa se unieron a él, con una facilidad similar pero con más fuerza. Se movían juntos como verdaderos amigos que simplemente se divierten, tan naturales y alegres como pueden ser. Un siguiente dueto hizo eco Despues de la lluvia , pero con una sensación más sensual y sombría. Ghrai DeVore y Jacquelin Harris vestían un tono púrpura, un color clásico de la realeza.

Fueron igualmente dignos y seguros en su desempeño. Ella giró en battement y él la alcanzó a mitad de la vuelta. Esto fue simplemente total confianza y conexión. Siguió una sección de conjunto final, el colmo de la vibra alegre y enérgica de la obra. Hubo momentos al estilo Fosse, todos enfocados en un giro de hombros y un cambio de cabeza. Hubo otros de compromiso de todo el cuerpo. Las manos agarraron las muñecas para girar, luego el juego de pies en tierra.


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Las luces se apagaron en un cuadro de poses seguras. Había una sensación de que su alegría continuaba, incluso si se completaba lo que era para la audiencia. Todo fue una versión diferente de la “demostración de alma pública” en la que se centró la primera obra, y verdaderamente todas ellas expuestas. Hay tantas formas en que el arte de la danza puede ofrecer eso. AAADT ofreció cuatro aquí, cuatro para ser atesorados y no olvidados pronto.

Por Kathryn Boland de Dance Informa.

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