Proyecto 31 'A través de esta lente'. Foto de Olivia Blaisdell. Teatro de Danza de la Universidad de Boston, Boston, Massachusetts.
23 de junio de 2018.
El cuerpo nunca miente, se dice que dijo Martha Graham. Muchos, muchos bailarines a lo largo de los años han realizado trabajos centrándose en los problemas sociopolíticos del día, dada la capacidad de la danza para describir y exponer la verdad cruda. Sin embargo, Project 31's A través de esta lente usamos la danza para hablar con algo aún más elemental y humano: nuestras relaciones con los demás y con nosotros mismos en el contexto de la relación con los demás. El resultado fueron muchas obras sorprendentes y únicas. La empresa está bajo la dirección del director artístico y fundador Kenzie Finn.
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Proyecto 31 'A través de esta lente'. Foto de Olivia Blaisdell.
Los originales, coreografiado por Finn con Noelle Santora y Kate McShea, fue quinto en el programa. El vocabulario de la danza clásica del jazz tenía un sabor atlético y crudo. Los cambios de pelota cruzada se convirtieron en giros de lápiz, aterrizando en estocadas profundas. Los torsos serpenteaban y rodaban en horizontal y vertical. Este movimiento fue inventivo y convincente. Una parte de mí quería esas mismas cualidades en las formaciones.
Las agrupaciones de “cajas de ventana” (en las que las líneas se escalonan de lado a lado para que haya ventanas a través de las cuales se puedan ver a los bailarines que se encuentran más arriba en el escenario) y otras líneas rectas ofrecieron claridad y aseguraron que todos los miembros del conjunto fueran visibles. Sin embargo, ansiaba algo más original y atrevido. Lo que encajó mejor con el movimiento y ayudó a la atmósfera de la pieza fueron los trajes negros y la iluminación roja (diseñada por Kayleigha Zawacki).
Los bailarines rezumaban confianza, atrevimiento y mando. A través de movimientos rápidos y físicamente exigentes, no mostraron ningún signo de fatiga. Cada uno era su propia persona, y todos esos individuos armonizaban dentro del grupo. El movimiento al unísono estaba justo en el punto, y sus líneas / formas eran estéticamente similares, de modo que ninguna sobresalía. Comenzaron a alejarse, uno por uno, ligeramente estilizados pero en realidad simplemente moviéndose como ellos mismos. Debido a que todos eran 'originales' y se movían en su propia verdad, había sido más que suficiente. Podían salir con confianza.
Proyecto 31 'A través de esta lente'. Foto de Olivia Blaisdell.
Cuentos , justo antes del intermedio y también coreografiado por Finn, fue el tipo de trabajo que realmente puede hacer que los espectadores piensen mucho después de verlo, el trabajo no solo expuso una narrativa cultural generalizada, sino que cuestionó aún más la existencia y el poder de ese tipo de narrativas. Los bailarines entraron en filas desde las alas, en lados alternos para que se cruzaran al llegar al centro del escenario.
Las formaciones y la puesta en escena implicaban aspectos performativos y visuales de la vida en la sociedad moderna, algunos bailaban en mesas, algunos en un espacio central en diagonal, mientras que otros se sentaban y miraban. El juego de pies y las extensiones eran precisos e intrincados, coincidiendo con este sentido performativo. Los disfraces con vestimentas estereotipadas de amas de casa, o empresarios, o adolescentes reforzaban todo eso. Contrastando este sentido de actuación y autodefinición social, estaban las ondulaciones y los rollos de la columna, lo que representa una parte más fundamental y primordial del ser humano.
Proyecto 31 'A través de esta lente'. Foto de Olivia Blaisdell.
Estos movimientos eran evidencia de una parte de estos personajes que quería desprenderse y escapar del sistema en el que se encontraban. Añadiendo una sensación de aislamiento a eso fue una sección siguiente en la que diferentes bailarines y grupos de bailarines fueron iluminados, moviendo frases similares pero en cualidades de sincronización y movimiento individuales. Volvieron a juntarse para bailar y terminar la pieza. El individuo y el colectivo, y la forma en que el individuo se ajusta al colectivo de la manera en que la sociedad moderna lo ha obligado a hacerlo, se mostraron claramente en esta obra fuerte y sorprendente.
Niño de la tristeza, de Sasso and Company , fue segundo después del intermedio y coreografiado por Lacey Sasso y Colleen Roddy. Sasso y Roddy también bailaron la pieza. Al igual que la música Blues, ofrecía una sensación de tristeza y desesperanza, pero al mismo tiempo su propia belleza única. Una bailarina comenzó a moverse en el suelo cuando las luces se encendieron. Mientras se elevaba a un espacio más alto, otra bailarina se unió a ella desde las alas. Se movían en líneas diagonales, girando, moviéndose alto, moviéndose bajo. La iluminación era de un atractivo tono azul-violeta y el vestuario era oscuro a juego.
Pronto llegó una asociación cautivadora, aparentemente inspirada en la improvisación de contactos. Algunos ascensores entraron y salieron de contacto, y otros se demoraron. En un levantamiento, por ejemplo, las espaldas de los dos bailarines se juntaron para moverse en un levantamiento con una pierna doblada y la otra recta. Lo que los diferenciaba de los ascensores comúnmente vistos era esa calidad continua pero lenta, que se movía a través de ellos como melaza. Se produjo un apoyo literal y se transmitió un apoyo metafórico. Al igual que con este movimiento, a veces ese apoyo es momentáneo y a veces más sostenido.
Proyecto 31 'A través de esta lente'. Foto de Olivia Blaisdell.
Esta estructura de movimiento a veces rápida, a veces más lenta estaba presente en la pieza en general. Por ejemplo, el trabajo rápido de frases contrastantes era una frase encantadora que consistía en llevar lentamente un brazo hacia adelante, hacia arriba y hacia atrás para luego sostener el brazo hacia atrás con los talones en un arco forzado, que luego se derritió lentamente. Para terminar el trabajo, bailaron y se abrazaron, de la forma en que solo los verdaderos amigos pueden hacerlo: nada retenido, todo ofrecido con amor y apoyo. Este trabajo encarna cómo a través del 'blues', a través de la desesperación y pruebas interminables, los amigos están ahí para aligerar la carga.
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Dentro del marco , también coreografiado por Finn, terminó la noche (excepto el Finale, que trajo a todos los bailarines de regreso al escenario). Lo más llamativo fueron los disfraces, conjuntos negros con una pierna blanca y una capucha / máscara blanca. No muy lejos de esto en la escala memorable estaba el trabajo de frases de movimiento, así como la calidad en la que se entregó. El movimiento de la columna (incluidos el cuello y la cabeza), así como un movimiento más peatonal lleno de intención, ofrecieron muchos matices.
Ese movimiento peatonal conectó elementos básicos más técnicos, incluidos giros, saltos y extensiones bajas (que parece ser más una continuidad energética que una altura). Las formaciones siguieron cambiando, dados estos pasos peatonales que conectan: caminar, correr, dar un paso más profundo para lanzarse. El matiz vino a través de estas formaciones y también hay muchas formas e imágenes por descubrir a medida que las formaciones se mueven. También hubo momentos de quietud, aportando más matices en contraste con la sensación de otro modo continuo del movimiento.
Proyecto 31 'A través de esta lente'. Foto de Olivia Blaisdell.
El traje traía una sensación de arlequín, pero también la de un tema de una pintura, dado también el título Dentro de este marco . Se podría trazar una línea entre estos personajes y cuestiones filosóficas profundas, como la naturaleza del arte y los bailarines como sujetos e instrumentos del arte de la danza. No hubo una cantidad significativa de interacción entre los bailarines como personas autónomas y sensibles, eran más mecánicas. Por otro lado, la energía de los bailarines juntos en el escenario le habló a las personas que se movían juntas en el mundo.
Las luces se apagaron y todavía estaba masticando estas preguntas sobre el arte y las personas juntas en el espacio. Para mí, plantear las preguntas, pero sin llegar a predicar respuestas prescriptivas, es un logro de arte verdaderamente significativo. Esa descripción se aplicó a gran parte del trabajo estéticamente agradable y conceptualmente astuto del Proyecto 31. A través de esta lente. Dejé el teatro todavía masticando grandes preguntas en mi mente. Recordemos la capacidad del arte para hacer que eso suceda y elogiemos el arte que lo hace.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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