Devon Colton, Melenie Diarbekirian y Katie McGrail. Foto de Nicole Tomaselli. Centro de artes multiculturales, Cambridge, Massachusetts.
21 de septiembre de 2018.
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Algunas de las mejores obras de arte dejan un espacio abierto para la interpretación, no lo suficiente como para carecer de dirección, pero lo suficiente como para ofrecer a los miembros de la audiencia algunos caminos por los que pueden viajar. Presenta preguntas sin prescribir una respuesta absolutamente 'correcta'. Luminarium Dance's Hiveland , coreografiada por los directores artísticos Merli V. Guerra y Kimberleigh A. Holman, ejemplifica tal arte. Aunque ciertos aspectos en los niveles de fraseología estructural y de movimiento pudieron resolverse, el trabajo en general fue cuidadosamente construido, estimulante y estéticamente convincente. Pude ver la misión de la compañía con sede en Boston en acción: “Luminarium es más que una compañía de danza. … Es un think tank, un museo, una galería de danza contemporánea y de ideas contemporáneas ”, ( luminariumdance.org ) el trabajo profundizó en grandes ideas y exploró un territorio apasionante.
Jess Chang y Katie McGrail. Foto de Nicole Tomaselli.
El misterio flotaba pesado en el aire desde las primeras luces encendidas, las primeras notas sonando y los primeros movimientos. Un grupo de bailarines, vestidos de negro, se quedó fuera del escenario. Rodeaban sus torsos con los brazos extendidos por encima de sus cabezas. En otras ocasiones, llegaron en varias direcciones, como si buscaran. El encantador trabajo gestual se volvió expansivo al moverse en múltiples planos en el espacio, por ejemplo, un brazo se extendió hacia arriba mientras que el otro se extendió hacia adelante a la altura de los hombros, una cuarta posición manipulada.port de bras. También se hizo evidente un tema de caída y recuperación, de perder el control y luego recuperarlo.
Una luz brilló fuera del escenario a la derecha, lo que trajo la sensación de que los bailarines tal vez no pudieran ver realmente aquello que buscaban. La música (del compositor Christos Zevos) era lo suficientemente atonal como para contribuir a este aire de misterio, sin llegar a ser irritante. Igual de misteriosa, una forma de seis lados cayó desde arriba para aterrizar en el centro del escenario. Esta forma parecía tener un poder inexplicable que los bailarines parecían temerosos y atraídos por ella al mismo tiempo.
Bailaron, y de vez en cuando, un artista se acercaba a la forma, acercándose con intriga pero temerosa vacilación. Siguió una sección de trabajo de socios. La pareja de bailarines estaba comprometida y valiente, pero el movimiento carecía de la facilidad y profundidad de los matices en otras partes de la pieza.
Finalmente, una bailarina entró en la forma. Ella no fue lastimada, ni repentinamente le faltó autocontrol, ni experimentó repentinamente ningún otro efecto negativo. Me pregunté si se podría haber hecho más de este momento, dramáticamente hablando, considerando la misteriosa tensión construida alrededor de esta forma. En cualquier caso, salió y la acción de bailar continuó.
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El grupo se agrupa alrededor de Amy Mastrangelo. Foto de Nicole Tomaselli.
Una imagen sorprendente que siguió fue la de un bailarín sosteniendo una mano sobre el centro de la forma mientras corría, como un caballo en un tiovivo de película de suspenso. Luego, otra bailarina se elevó sobre ella, rodeando los brazos como si creara un halo: un ángel en lo alto. Si bien no estoy muy seguro de cómo encaja este momento en la atmósfera general y el misterio alrededor de esta forma de seis lados, fue una imagen hermosa y un momento de armonía.
A medida que la acción continuaba, la forma pareció ganar poder de repente, un bailarín se sintió atraído por ella, pero no pudo penetrar el espacio sobre la forma en el suelo. Luego, los bailarines intentaron alejarse unos de otros del espacio para acercarse, estableciendo una mentalidad de manada “one-up-manship” que sería un tema predominante en el resto de la pieza. La novela icónica señor de las moscas , que se sumerge en el deseo humano de poder y conquista cuando coexistimos en grupos, me vino a la mente. Después de este empuje y lucha por el dominio, los bailarines se dispersaron hasta el fondo del escenario.
Estos grupos se convirtieron en líneas y las líneas se convirtieron en grupos más pequeños que viajaron a través del escenario en diagonales. Las transiciones entre formaciones fueron tan convincentes y fluidas como la fraseología: una mezcla suave de giros, extensiones y juego de pies. Los saltos arabescos se convirtieron en giros à la seconde, aterrizando en un plié profundo de segunda posición. Los bailarines eran tan dominantes, y el movimiento tan convincente, que esta sección me hizo querer más secciones con este tipo de virtuosismo en la obra (aunque de ninguna manera fue la única sección de este tipo, solo quizás la más memorable).
Otro elemento intrigante en juego aquí fue el uso de pequeños puntos rojos, en una forma de seis lados, al igual que la forma más grande. Los bailarines extienden estos puntos por el espacio en varios puntos. Me pregunté si estos representaban algún tipo de energía o sentimiento, algún otro significado misterioso, o eran solo una adición estética. Un aspecto similar fueron las adiciones de vestuario en forma de espinilleras rojas, que los bailarines de alguna manera se pusieron al atravesar la forma hexagonal (que, en ese punto, tenía una tela negra cubierta). Una interpretación es que, esta forma de seis lados es una parte de un panal en una colmena, todos los elementos del trabajo se unieron para crear un mundo de esta colmena, de ahí el título, Hiveland .
Devon Colton, Jennifer Roberts, Melenie Diarbekirian y Alison McHorney con la empresa. Foto de Nicole Tomaselli.
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Sin embargo, todos estos elementos parecían bastante abiertos a otras interpretaciones. Los miembros de la audiencia podrían aportar su propia imaginación, intereses y temores al trabajo. La música, el movimiento, la iluminación y los accesorios: todos estos elementos tenían el potencial de animar esas imaginaciones, pensamientos y sentimientos. Se exhibían nuevas capas de misterio con cada nueva sección. Una sección con una nueva capa de misterio tan clara era un dúo, uno que tenía lugar principalmente en el suelo, lo que lo hacía mucho más bajo que gran parte del baile de la pieza. Una bailarina se echó sobre la espalda de su pareja y formaron una bola. El movimiento puro y las leyes de la física parecían ser los aspectos más significativos en juego aquí.
También hubo momentos más personales, como arreglarse el pelo y la ropa, algunos de los cuales se volvieron divertidos. Esto me hizo desear más momentos de humor y corazón en el trabajo, pero tal vez ese no fuera su peso atmosférico y emocional. Una sección de trío intrigante siguió a este dúo, trayendo esa sensación de 'juego de poder' de mentalidad de manada. En un momento, una bailarina tenía su pie sobre la espalda de otra bailarina, que estaba doblada hacia adelante con la columna redondeada. A medida que apilaba la columna, la bailarina con el pie en la espalda tenía un desarrollo cada vez más alto. A medida que llegó al límite de su estabilidad y flexibilidad, aterrizó con ese pie hacia abajo para tomar un plié fuerte en la segunda posición.
En otro momento, dos bailarines forzaron el pie de un tercer bailarín sobre un punto rojo, y ella no pudo quitar ese pie. Su movimiento aquí evocaba encontrar expresión y expansión en medio de la constricción. Ocurrieron otras secciones de grupo, con prendas de vestir rojas adicionales: diferentes variaciones de chalecos y camisas. La individualidad en estas piezas de ropa fue refrescante, dada la falta general de individualización de los bailarines separados en el trabajo.
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Sin embargo, una bailarina nunca se puso una prenda de vestir roja. En un momento, todos los demás bailarines se reunieron a su alrededor, sin parecer violentos, pero ciertamente se sintieron amenazadores. Este momento hablaba del aislamiento y el volverse amenazante para un grupo mayoritario, inherente a la experiencia de ser un forastero. Pronto vinieron secciones al unísono más impresionantes y sorprendentes, de nuevo, lo que me hizo querer más de este virtuosismo en la obra. El gesto matizado encontró fuerza en una frase de doblarse en plié y empujar las palmas hacia adelante.
Jennifer Roberts (solista) en medio de la compañía. Foto de Nicole Tomaselli.
La caída y la recuperación del comienzo regresaron con movimientos como un arabesco que avanzó en voladizo hasta perder el equilibrio, para luego volver al equilibrio mientras los bailarines entraban en el rellano.
Esta acción terminó cuando los bailarines se reunieron en el fondo del escenario a la derecha, alrededor de la forma del pentágono, que había resurgido, envuelta en una tela negra. Los bailarines se acercaron para salir con brazaletes azules. Comenzó un poco de acción y luego se apagaron las luces. Me quedé con muchas preguntas y quería tiempo en el trabajo con los bailarines que llevaban estos brazaletes para potencialmente responder a esas preguntas.
Quizás el objetivo aquí era un sentido de continuidad, que tal acción continuaría en este grupo de bailarines, sean quienes sean o lo que representen. Al igual que con el resto del trabajo, quizás algunas partes del enfoque podrían reconsiderarse, pero, en general, la estética y las grandes ideas en juego me dejaron intrigado. Tenía preguntas, en lugar de respuestas prescritas. El arte capaz de dejar al público en ese estado hace que sigamos buscando las respuestas nosotros mismos, y la vida se vuelve aún más intrigante.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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