Centro de las Artes de Boston, Boston, MA.
17 de noviembre de 2019.
La multiplicidad en KAIROS Dance Theatre OBJETO. comienza lo antes posible, con su título el trabajo centrado en mujeres siendo tratadas como objetos (el sustantivo), sin embargo, el título se pronuncia como el verbo ('yo objeto'). Un mensaje poderoso está implícito en una palabra en mayúscula y un punto: 'Me opongo de todo corazón a la objetivación de las mujeres'. Esta complejidad de formas elegantes y una presentación accesible caracterizó el trabajo de principio a fin. Nos llevó a través del tiempo, diferentes atmósferas y experiencias internas de mujeres separadas. El programa no se contuvo de cosas difíciles de ilustrar o experimentar; sin embargo, el resultado fue el potencial para generar el tipo de emoción profundamente arraigada que es necesaria para impulsar el cambio.
La obra se abrió con toda la compañía, seis bailarines, en una formación limpia. Llevaban sostenes blancos y ropa interior mullida en la parte inferior, que reflejaba las prendas de mujer de antaño. Encima de ellos había tutús esponjosos en azul claro y rosa, tres en rosa y tres en azul (vestuario diseñado por la directora artística y coreógrafa Deanna Pellechia, con la asistencia de Carlos Vilamil e I.J. Chan). Es importante destacar que para el trabajo venidero, usaban tacones altos de cristal transparente. Comenzaron a bailar, con un estilo algo “cursi”. Ejecutaron movimientos robóticos que reflejaban cualidades de muñecas, rígidos y controlados. Nunca dejaron caer sus grandes, dulces y encantadoras sonrisas. La asociación en un idioma de ballet clásico hizo referencia a los roles de género tradicionales y a la tradición de manera más amplia. Con la partitura cantando la clásica canción “bésalo y abrázalo, muéstrale que te preocupas… y serás suyo”, todo encajó. Eran mujeres atrapadas en una expectativa patriarcal de belleza y que existían para la aprobación y el placer masculinos. Esta sección fue un precedente importante de hacia dónde iría el trabajo.
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También fue intrigante el uso de música con letra que es un poco un 'no-no' no escrito en la danza contemporánea, o al menos algo que debe hacerse con moderación y extrema precaución. Sin embargo, en muchas secciones del trabajo, Pellechia hizo que el movimiento contemporáneo y la música con letras trabajaran juntos para lograr un efecto significativo y contundente. Los bailarines ejecutaron ese movimiento con sofisticada musicalidad, moviéndose al ritmo de la música con y sin letra. (Partitura de sonido diseñada por Kristin Wagner, también Directora de Ensayo). Inmediatamente después de esa primera sección hubo otro elemento notable del trabajo general: la proyección en un área pequeña y la esquina superior del fondo, el resto se oscureció (diseño de iluminación de Lynda Rieman ).
La primera de estas imágenes proyectadas era un anuncio de una máquina de mimeógrafo, una secretaria de oficina tan satisfecha con su desempeño y tan complaciente con las demandas de su jefe masculino. El color blanco y negro, así como su estilo de habla y vestimenta, la ubicaron en la década de 1950 o principios de la de 1960 (lo que muchos ahora llaman la era de los 'locos', en referencia al exitoso drama de HBO). El nivel de sumisión a su jefe masculino, y su comportamiento general, probablemente fue desagradable para la mayoría de los miembros de la audiencia moderna. Sin embargo, al igual que con muchas otras secciones y elementos del programa, algo sobre esto afirmó que no hemos llegado tan lejos con la igualdad de género como a veces pensamos. Este anuncio también insinuaba el papel del capitalismo en la cosificación de las mujeres.
La siguiente sección demostró una oscuridad debajo de esas grandes sonrisas y tutús poofy. Los bailarines llevaban escalofriantes 'máscaras de sonrisa', máscaras con grandes sonrisas que cubrían su boca, firmemente atadas e inamovibles (correas enrolladas alrededor de la parte posterior de la cabeza). Pellechia investigó cómo las mujeres con problemas de salud mental, o simplemente vistas como beligerantes y 'problemáticas', fueron obligadas a usar estas máscaras (cosas reales del siglo XX). La iluminación oscurecida fortaleció este cambio de atmósfera y estado de ánimo hacia algo más siniestro.
Una parte de mí podía sentir visceralmente la sensación literal y metafórica de constricción que podría traer un artilugio como ese (sentir la voz de uno silenciada, y en un impedimento físico muy literal para una respiración completa y saludable). El movimiento también reflejaba ese sentimiento de constricción: tenso, nervioso e inquieto. Era casi como si una fuerza exterior los estuviera moviendo, en lugar de que ellos se movieran por su propia voluntad.
En secciones posteriores, apareció otro elemento notable: cómo las mujeres mismas perpetúan esa sensación de constricción al mirarse la una a la otra. Un trío tenía otros dos bailarines sentados al borde del escenario, frente a los que bailaban. Más tarde, Wagner bailó un solo memorable de movimiento comprometido, técnicamente hábil y matizado. Un espacio emocional complejo y tormentoso, así como una sensación de simplemente no poder complacer (y ciertamente no por falta de intentos), parecía claro.
En esta sección, incluso más bailarines la miraron fijamente desde el borde del escenario. Casi podía escuchar las palabras crueles que las mujeres pueden llamarse entre sí, incluidas las acusaciones de mojigatería o promiscuidad (nuevamente, esa sensación de no poder complacer), resonando en mi cabeza. Sin embargo, también pensé que esto podría ser un testimonio, un reconocimiento de la lucha de una compañera, ¿o quizás incluso algo de ambos? Tal puede ser la complejidad de la forma en que las mujeres interactúan entre sí, que estas elecciones creativas sondearon y describieron de manera convincente.
Dentro de estas secciones, Pellechia usó de manera efectiva motivos de movimiento, dando a los miembros de la audiencia piezas de base a las que podrían aferrarse (una analogía: comediantes / comediantes que recurren a bromas anteriores en su set). Un efecto secundario de este enfoque, a través de un sentimiento de continuidad, fue reforzar el mensaje de que las cosas no han cambiado tanto como a veces nos gustaría pensar que sí. Este movimiento fue multifacético, atractivo y convincentemente teatral. Wagner ofreció muchos de ellos en su memorable solo: abriendo las piernas y luego volviéndolas a juntar, doblando hacia atrás y metiendo los codos mientras sus manos se extendían, agarrando su cola de caballo y (escalofriantemente) levantando su propia cabeza más alto.
Antes, antes del intermedio, Pellechia bailó otro solo memorable, memorable por su singularidad dentro de la obra: el movimiento tiene más soltura y continuidad que gran parte del movimiento en otros lugares. Mientras descendía al suelo, una elevación enérgica todavía le atravesaba la parte superior de la cabeza. '¿Por qué no puedo ser convencional?', Cantaba la partitura mientras ella bailaba. Encontré estas palabras interesantes junto con la singularidad de su movimiento dentro de la obra.
Hacia el final llegó una sección de los bailarines que usaban un talón: pisaban de manera desigual y, de manera impresionante, pateaban, se lanzaban y luego giraban en forma de 'x' en el suelo. Ese paso desigual creó un elemento auditivo convincente. En un nivel más amplio, la sección subrayó la sensación desigual y desequilibrada que las mujeres pueden sentir al navegar por tantas líneas finas de adecuación y expectativa (volviendo a esa sensación de nunca poder hacerlo del todo bien).
A continuación había una sección que parecía capaz de desgarrar las entrañas de las mujeres (o de los hombres empáticos) en la audiencia sobre todo, más que nada hasta ese momento en la voz en off de trabajo del (ahora) presidente Donald Trump en ese infame autobús de Access Hollywood. sonó a través del teatro. Mientras se movían, todavía tensos e inquietos, los bailarines se llevaban las manos al estómago, como si estuvieran enfermos. Con esas palabras inolvidables, pronunciadas hace años y años (pero que aún resuenan en nuestra cultura de muchas maneras), también me sentí asqueado.
Luego vino la voz de una mujer discutiendo la objetivación que causa un daño significativo en la mente y el cuerpo de las mujeres. Los bailarines comenzaron a quitarse los tacones de cristal, arrojándolos una y otra vez con ira. Más zapatos subieron al escenario, y también los tiraron. En otro signo de la naturaleza en capas y matizada de este espectáculo, la zapatilla de cristal se conectó con la historia de Cenicienta. La historia cultural de la que se deriva la amada película de Disney proviene de China, donde la reverencia de los pies pequeños provocó que miles y miles de mujeres jóvenes se vendaran tortuosamente durante muchos siglos.
La portada del programa incluía una cita de Maureen Johnson sobre 'objetar' la 'objetivación' de las mujeres (volviendo a ese maravilloso doble significado en el título). Así, los tacones se convirtieron en un símbolo de objetivación, y rechazar los tacones, con fuerza, se convirtió en un símbolo de rechazo de la objetivación. Mientras tiraban los tacones de cristal, los miembros de la audiencia vitoreaban. Ese simbolismo parecía claro para muchos de los que asistieron esa noche, aunque sea inconscientemente.
Luego vino un final no tan claro, pero también aparentemente maduro con el potencial de significado matizado. Una bailarina caminaba a cuatro patas mientras otras bailarinas le cargaban la espalda con esas zapatillas de cristal: con cuidado, lentamente, una por una. La carga sobre su espalda creció y creció. Me sorprendió que esto se refiriera al “feminismo blanco”, o que las mujeres blancas se defendieran a sí mismas y no a las mujeres de color, y al hacerlo, ¿les imponía una carga? Esta bailarina es una mujer asiática, pero también lo son otras bailarinas que le colocaban tacones en la espalda.
Las luces se apagaron mientras caminaba sobre manos y rodillas, con la espalda increíblemente llena de tacones (estaba realmente impresionado de que no todos cayeran). Aunque este final no me pareció claro, también me pareció que había un significado poderoso y perspicaz que se me escapó. Dado el hábil matiz del resto del programa, eso solo tendría más sentido. Aunque siento que podría escribir una tesis sobre este trabajo multifacético, perspicaz, creado y presentado con destreza, terminaré esta reseña con gratitud hacia KAIROS Dance Theatre y todos los artistas involucrados. Gracias por arrojar luz sobre este tema atemporal, con coraje, habilidad y generosidad.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.