El ballet avanza y asciende: 'El futuro comienza hoy' del American Ballet Theatre

David Hallberg en Pam Tanowitz y Jeremy Jacob's David Hallberg en Pam Tanowitz y 'David' de Jeremy Jacob. Foto de Pam Tanowitz y Jeremy Jacob.

23 de noviembre de 2020.
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En ocasiones, la danza ha estado a la vanguardia del cambio social y la innovación. En otras ocasiones, francamente lo hemos visto rezagarse. A veces, los artistas y administradores han luchado por equilibrar el honor de la tradición y dejar atrás partes de esa tradición que ya no nos sirven. A veces, lo han hecho extraordinariamente bien. Para tener un mensaje y un significado que resuene con el mundo en el que se encuentra, la danza debe moverse con ese mundo. American Ballet Theatre (ABT) es una compañía, entre otras, que está demostrando su compromiso de avanzar con los tiempos que cambian rápidamente.





Es virtual El futuro comienza hoy presentó cuatro estrenos con visión de futuro de aclamados coreógrafos, así como describió su nuevo programa RISE - “Representación e inclusión sustentan la excelencia” - destinado a hacer avanzar a la empresa con respecto a, y hacerla responsable del trabajo de representación e inclusión en todos los niveles de la empresa. Un montaje que contó con varias voces de la empresa y el personal de ABT detalló los pasos que tomará cada una de esas personas dentro de este programa, haciéndolo todo claro y tangible. Las obras estrenadas también demostraron un alto nivel de conciencia del momento cultural. Era un trabajo que podía hablar de ese momento y, por lo tanto, tenía el potencial de ofrecer todo lo que el baile puede a las personas que lo experimentan.

Carlos González, Thomas Forster, Katherine Williams y Breanne Granlund en Gemma Bond's

Carlos González, Thomas Forster, Katherine Williams y Breanne Granlund en el 'Convivium' de Gemma Bond. Foto de Matador Content.

El primer estreno del programa fue el de Gemma Bond. Fiesta. En su introducción a la pieza, Bond compartió que quería que fuera una pieza de celebración, pero se dio cuenta de que no se sentía apropiado en este momento de dificultades para tanta gente, por lo que la pieza se centró en la experiencia de los bailarines a través de esta vez. Ese tema se me mostró en la relativa tranquilidad y soledad de la pieza. Una pieza instrumental parecía tener no más de dos instrumentos tocando a la vez, y se podía ver que los cuatro bailarines representaban la totalidad del círculo social en persona de uno dentro de este tiempo. Las secciones individuales tenían aún más agitación y turbulencia, movimiento rápido y dinámico. Esto me trajo a la mente esos momentos en los que decimos que estamos bien con los demás, pero agonizamos dentro de nosotros mismos o revelamos nuestras luchas internas solo a los más cercanos a nosotros.



La gama tonal y estilística de las secciones que vinieron más tarde complicó esa noción para mí, sin embargo, Bond estaba en su lugar, o también, pintando una imagen de la complejidad de pensamientos y emociones a través de este tiempo completamente impredecible y desafiante. En general, no identificaría el movimiento como ondulaciones espinales clásicas o contemporáneas y la liberación a la gravedad fueran marcadores de una estética contemporánea, mientras que las líneas largas y los levantamientos clásicos reflejaban el clasicismo. La estética evocadora también brilló a través de la obra, una calidad gris a través de la película en blanco y negro y el vestuario en grises, negros y blancos, haciendo que la sensación gris de esta época en nuestro mundo sea visual y, por lo tanto, más tangible.

El siguiente estreno fue de Christopher Rudd Tocar . Rudd reveló en su introducción cómo es una pintura explícita en la danza del amor gay, que muchas personas en nuestra sociedad se consideran tolerantes pero tienen una reacción intolerante cuando la ven frente a ellos. Los dos bailarines actuaron en un escenario espartano, solo Marley e iluminación básica, acompañada de una triste partitura instrumental. A veces bailaban con la sensación de un peso pesado, un peso como el de la marginación y el desconocimiento.

Calvin Royal III y João Menegussi en Christopher Rudd's

Calvin Royal III y João Menegussi en 'Touché' de Christopher Rudd. Foto de Matador Content.



Los ascensores y los movimientos de transición entre ellos fueron sorprendentemente innovadores y memorables, sus cuerpos se enredaron y desenredaron de maneras totalmente inesperadas y nunca antes vistas. Rudd y los bailarines parecían haber reunido todas las manipulaciones disponibles de las leyes físicas de la tierra para hacerlas posibles. El baile se hizo más lento y se volvió aún más tierno e íntimo hacia el final de la obra. En los brazos del otro, flotaron y se deslizaron. Todos se sintieron posibles a través del poder del amor.

Mas tarde vino David por Pam Tanowitz y bailado por el ex director de ABT, David Hallberg. Las elecciones de diseño de Tanowitz crearon una atmósfera de elegancia medieval, en la casa de Hallberg y en la estructura sobre el agua, cuando vestía un traje a rayas, que reflejaba los de los caballeros de antaño. Las tomas se alternaron entre las dos ubicaciones, la iluminación brillante y etérea en ambas. En ambos, había una sensación de otro mundo. Sin embargo, el movimiento de peatones en la estructura del agua y los actos cotidianos en su hogar lo basaron en lo corriente.

También hubo una metacalidad ya que marcó el movimiento física y mentalmente, e incluso vimos diagramas de trabajo coreográfico, todo muy intrigante y basado en la vida cotidiana. Había tensión entre la magia de la interpretación y la existencia real del bailarín. El otro mundo también se muestra a través de Hallberg como un motor, sus líneas eran largas y flexibles y cada movimiento tan sencillo como respirar, el movimiento también simple pero resonante. También tenía una humildad y gentileza con su presencia que lo fundamentaba como un ser humano real. Esta dinámica resonó como otra tensión de opuestos.

La metáfora de David como David , La escultura icónica de Miguel Ángel, también resonaba. El cuerpo de Hallberg se erigió como un recipiente para el arte magistral, la arcilla a la que Tanowitz ha insuflado vida, pero en la película también vimos a Hallberg como completamente humano. En un momento, Hallberg estaba mirando una fotografía de David en un libro de mesa de café, moviendo la metáfora a poco explícita. Cuando terminó el trabajo, surgieron en mi mente preguntas filosóficas y prácticas sobre el arte de la danza, los bailarines y la vida en la danza, pero mi espíritu también simplemente se regocijó en el arte ofrecido.


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Betsy McBride y Jacob Clerico en Darrell Grand Moultrie's

Betsy McBride y Jacob Clerico en 'Indestructible Light' de Darrell Grand Moultrie. Foto de Dancing Camera.

Darrell Grand Moultrie Luz indestructible remató la noche de estrenos con una explosión alegre y vibrante. Las inflexiones de la música jazz y la danza jazz crearon una atmósfera alegre en la que se sentía como si fuera imposible no sonreír y mover un poco el cuerpo mientras la mira. Una animada sección grupal comenzó el trabajo. La formación de un círculo construyó un sentido de continuidad y comunidad, de avanzar juntos. Eso se movió a una línea, lo que trajo a la mente algo más presentacional y seguro. Las cualidades de la danza del jazz incorporadas a la técnica del ballet clásico, como el movimiento de las caderas mientras los pies se mueven en demi-pointe entre arabescos y piruetas, fue un efecto increíblemente agradable, tanto visual como energéticamente.

En esta época, también era increíble ver a los bailarines en un escenario, iluminados por expertos y espaciados en sus formaciones. Los trajes, en colores oscuros y cortes atrevidos pero suaves, tenían la sensación de un bar clandestino modernizado de los años 20. Chicago pero sin la picardía intencionada. El trabajo de cámara fue tan divertido, creativo y técnicamente sólido como el baile. La sección terminó con los bailarines entrando y saliendo de las alas y saludando mientras se movían, un toque que me recordó que nunca somos demasiado mayores para ser juguetones.

La siguiente sección de cuatro bailarines fue más sensual. Me tomó un minuto darme cuenta de que estaban detrás del escenario, contra una pared verde oscura larga y alta. El movimiento jugó bastante bien con la calidad bidimensional de la pared. Se enfrentaron directamente al frente o al costado mientras rodaban las caderas, ondulaban las espinas y posaban juntos. Esa sección cambió a una más tierna y lenta, comenzando con un solo y terminando en dúo. La música y el movimiento eran más lentos y de calidad más pensativa, pero el movimiento no era menos dinámico y memorable.


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En general, el rango emocional de la pieza se sintió veraz, honesto y estéticamente satisfactorio. El elenco completo llegó para terminar la sección, tan alegre y enérgico como comenzaron la pieza. ¡Su luz era realmente indestructible! Más allá de eso, Moultrie presentó la pieza alentándonos a todos a trabajar juntos hacia el cambio. Su trabajo reforzó la verdad de que no solo es posible, sino que puede ser bastante gratificante y divertida para que hagamos eso. La noche de estrenos reflejó que la verdad dejó en claro que juntos, con consideración y compromiso, podemos avanzar juntos, ¡y puede ser un gran momento!

Por Kathryn Boland de Dance Informa.

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