Island Moving Company. Foto de Bill Peresta. Mansión Rosecliff, Newport, Rhode Island.
9 de marzo de 2019.
Cuando se trata de programar un espectáculo de danza con múltiples trabajos, ¿qué significa 'diversidad'? ¿Cómo podrían crearlo los directores artísticos: selección hábil de varios coreógrafos contribuyentes, muchos otros colaboradores, uso efectivo del tema, etcétera? Cualquiera sea la causa o las causas, la apertura de la temporada 2019 de Island Moving Company (IMC) Una colección de actitudes ofreció un conjunto de obras con una atractiva y agradable variedad estilística. Los bailarines se comprometieron plenamente con el trabajo de coreografía reflexivo, cuyos elementos contribuyentes (como el vestuario, la iluminación y la música) ayudaron a dar vida.
Cerrar el primer acto fue Un mosaico de belleza y luz , coreografiada por el director artístico de IMC, Miki Ohlsen; en otras palabras, y en realidad, un conjunto de elementos estéticos que se unen en una hermosa armonía. Un elenco de seis bailarines comenzó a inclinarse y luego se elevó rápidamente a un pie. Después de volver a doblar las caderas para repetir ese aumento, los brazos gesticularon como olas rodantes, iniciando desde los codos. Este gesto los condujo a giros y nuevas formaciones. Esto marcó la pauta para el movimiento que vendría: multinivel, ritmo dentro y fuera de la repetición, tanto geométrico como más abstracto.
También fue profético el resultado estético de la música, la iluminación y el vestuario juntos en apoyo del movimiento. La partitura instrumental dramática presentaba acordes disparados hacia arriba y hacia abajo. La iluminación (de Matt Borah) era de color ámbar. Al venir de los lados del escenario, trajo una calidad tenue que se sumó al drama de la música y el movimiento. Los trajes (de la diseñadora Eileen Stoops) le dieron un toque final a toda esta tensión irresistible, blusas relucientes y pantalones marrones de piernas anchas que le ofrecían una elegancia y un refinamiento llamativos.
La forma en que los duetos y un trío se unieron también creó una tensión dramática, una que me mantuvo atrapado. Un trío después de esa sección de reparto de apertura, bailado por José Lodada, Gregory Tyndall y Rhea Keller, agregó un poco de contenido interpersonal con ellos. pareciendo observarse el uno al otro en cortos solos. También hubo un abandono maravillosamente controlado en el movimiento, y ambos elementos juntos me hicieron querer que la sección fuera más larga.
Después de ese trío hubo un primer dúo, bailado por Katie Moorhead y Timur Kan, que aportó más ferocidad al movimiento, así como inventiva, como a través de un levantamiento de Moorhead impulsándose hacia adelante desde el muslo de Kan (viniendo de estar sentado en él). El segundo dúo, bailado por Lauren Difede y Lodada, trajo un poco más de calma en calidad, pero el drama a través del contraste Lodada saltó mientras Difede giraba. Un tercer dúo, bailado por Brooke DiFrancesco y Tyndall, tuvo un poco más de realce en su calidad, coincidiendo con un cambio en la música que traía un sentimiento de lucha pasada por encontrar esperanza.
Una sección de grupo final remató la tensión dramática y la intriga estética de toda la pieza. El movimiento de la sección de grupo inicial del trabajo trajo una circularidad agradable. Todo era un mosaico encantador, un arreglo de formas que encajaban. El momento final final fue igual de agradable y convincente, un gran levantamiento de un bailarín en el aire trajo un sentimiento de esperanza incluso cuando las notas musicales eran inquietantes. Incluso en la penumbra, tenían la esperanza de llegar más alto.
Segundo en el segundo acto fue Acepta lo inesperado , coreografiada por Mark Horaation y bailada por Difede, Shane Farrell y Tyndall. Difede bailó un impactante solo en el primer acto, El límite de uno (coreografiada por la directora artística asistente de IMC Danielle Genest), aún más matizada pero clara, poderosa pero hermosamente suave que cuando la vi interpretarla por última vez. Ella trajo todo eso para soportar en este trabajo de trío. En la obra, estaba claro desde el principio una sensación de entrar y salir, juntos y separados, como olas que se acercan y abandonan la orilla una y otra vez.
Por ejemplo, Difede y Farrell se juntaron como si estuvieran a punto de bailar lentamente, luego retrocedieron y se alejaron en un movimiento más virtuoso. Se abrazaron para soltarse, alejándose el uno del otro hacia partes separadas del escenario. Hubo una sensación de afecto tenso, que este movimiento combinado con sus expresiones faciales y cualidades de movimiento dio vida. Ese afecto tenso parecía ser el tipo característico de muchas relaciones que toman sus últimos respiros: un intento de aferrarse al amor que al menos una vez estuvo allí a través de expectativas, necesidades, deseos, etc. opuestos.
La música y la iluminación dramáticas, pero en cierto modo reservadas, establecen esta sensación realista. Los trajes de todos los días, informales, elegantes pero discretos, respaldaron aún más este sentimiento. Si bien la primera pieza fue abstracta y estéticamente enfocada, todo esto fue narrativo y directamente conectado con las experiencias vividas de innumerables personas en el pasado, el presente y el futuro. Cada enfoque tiene su propia fuerza y valor.
En un punto medio de la pieza, Difede volteó la espalda de Farrell, abrazándose y abriéndose nuevamente. Luego salió lentamente del escenario, mientras Difede se movía por el espacio con amplitud y un sentimiento de anhelo, como si se buscara a sí misma y una manera de evitar que él se alejara. Ella lo vio salir del escenario y se llevó las manos al corazón, sentada sobre sus talones. Tyndall entró y se produjo un cambio de humor. La música y el movimiento se vuelven más elevados, ligeros y esperanzados: las notas de piano flotantes se encuentran con fuertes saltos y elevaciones.
Tyndall entró y se volvió, rápida y suavemente como un trompo, indicándole su presencia y su identidad. Luego bailaron, él parecía seguirla y apoyarla. Una sección al unísono hacia el final exhibió ambos conjuntos de fortalezas como intérpretes, así como la creciente armonía entre sus personajes. Terminaron en un abrazo y se apagaron las luces. Sonreí al ver la ilustración de la pieza de la verdad de que el cierre de una ventana podría significar que se está abriendo una puerta. Las elecciones estilísticas claras, distintas en la constelación de obras que ofreció la noche, ayudaron a hacer posible esta ilustración.
Otras ofrendas estilísticas distintas en la noche fueron Vision nocturna (coreografiada por Genest y bailada por la compañía), una exhibición evocadora y misteriosa de moverse a través de la oscuridad y la luz, y Semillas (coreografiado por Rodney Rivera, que significa “semillas” en español), una conmovedora pieza de ballet tradicional mezclada con la danza cultural latinoamericana y los cariñosos regalos del movimiento comunitario con los frutos nutritivos de la tierra. Cada pieza tenía su propia sensación, sabor y encanto. Una cosa hermosa que el arte puede brindar es un espacio para que todos estos enfoques tengan su propia belleza y valor; a diferencia de muchos rincones de este mundo, ninguno es 'incorrecto' o 'correcto', sino lo que son maravillosamente.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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