Les Ballets Jazz de Montréal. Foto de Jeremy Coachman. Cutler Majestic Theatre, Boston, Massachusetts.
2 de febrero de 2018.
El cuerpo en movimiento puede ser una cosa sorprendentemente hermosa. Agregue los años de entrenamiento dedicado y habilidades naturales de los bailarines profesionales, y hay infinitas posibilidades para crear un movimiento de gran calibre estético y conmovedor. Enmarcado con los elementos complementarios de la música, el vestuario y la iluminación, este movimiento puede reforzar un tema, uno que puede hablar de manera única sobre un tema particular en nuestro mundo, o en la condición humana universal. A veces, puede crear y luego ofrecer una belleza catártica, valiosa por derecho propio.
Les Ballets Jazz de Montréal. Foto de Jeremy Coachman.
Innumerables coreógrafos pueden crear hábilmente y dar forma a movimientos estéticamente agradables. El desafío para muchos puede consistir en estructurar esta forma que lo convierte en un arte convincente y significativo. La estructura es sobresaliente. Todo esto quedó bastante claro en la reciente gira de repertorio de Les Ballets Jazz de Montréal, con tres piezas distintas interpretadas en Boston. La primera pieza comenzó con una estructura bastante exitosa, moviéndose a través de diferentes agrupaciones de bailarines y cualidades de movimiento.
Música atonal, pero con una capa armónica subyacente, acompañó el comienzo de la primera pieza, el estreno mundial de Itzik Galili. Casulties of Memory . Los bailarines retroiluminados (diseño de iluminación también de Galili) se movían con frases continuas y curvilíneas. Ciertos movimientos más agudos, como los pulsos ascendentes de los brazos en forma de cactus, eran acentos intrigantes. En el trabajo en pareja y en trío, con levantamientos asombrosamente hermosos y reparto de peso, no hubo lucha ni competencia de fuerza.
Ya fueran hombres o mujeres, los bailarines se movían juntos en armonía. Un motivo eran dos bailarines que se equilibraban entre sí inclinándose en direcciones opuestas, con las piernas a veces apoyadas en el suelo y otras extendidas. Las notas del programa aludían a un mundo de igualdad de género armoniosa y atemporal. Curiosamente, con todos vistiendo los mismos disfraces (disfraces también diseñados por Galili) y sin ningún movimiento abiertamente femenino o masculino, había un sentido irresistible de androginia.
El género no parecía evidente ni importante. En cierto modo, esta atmósfera satisfizo la intención de construir un mundo de equidad de género eterna. La humanidad común superó con creces al género. Todo fue increíblemente ingenioso y reflexivo, hasta que se sintió demasiado largo. Para alabar donde se merece, el movimiento fue fascinante. Los bailarines fueron versátiles, fuertes pero elegantes y comprometidos al 150 por ciento.
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Les Ballets Jazz de Montréal. Foto de Marc Montplaisir.
Desde una perspectiva de alto nivel, basada en el éxito de este movimiento y la forma en que Galili lo plasmó en agrupaciones y formaciones en el espacio escénico, este último tercio de la pieza necesitaba recortarse. Llegó a sentirse superfluo y repetitivo. Los escritores pueden tener problemas para 'rechazar' el contenido que han puesto pensamiento y energía en la creación, al igual que los coreógrafos.
Consultar a bailarines y otros coreógrafos, con una actitud de desapego, puede ayudar a artistas de todo tipo a liberar lo que no es necesario para el éxito de su trabajo. Sin embargo, el trabajo tiene mucho que ofrecer y mucho potencial para ofrecer aún más. Curiosamente, el segundo trabajo, Bailame (con contribuciones de varios directores y coreógrafos) tenía el problema opuesto: cerrar el ciclo del mensaje y el efecto (aparentemente) intencionados.
Por supuesto, la pieza para esta interpretación de repertorio incluía solo extractos de la obra completa, lo que quizás explica cualquier sentimiento de estructura incompleta.
La diversidad creativa lo fortaleció, con muchas cualidades y estilos de movimiento (desde latín hasta vocabulario de ballet clásico), así como un hermoso canto en vivo y una poderosa palabra hablada. Iluminación y vestuario (diseño de iluminación de Cédric Delorme-Bouchard y el diseño de vestuario de Philippe Dubuc) eran simples, pero efectivos y profundos. Céline Cassone, una solista ardiente, tanto en su cabello rojo como en su energía, ofreció una ejecución precisa pero suave de muchos tipos diferentes de movimientos.
La construcción temática tomó muchos giros diferentes, o posibles interpretaciones generales, como desde la construcción del personaje de voz en off hasta la sensación de un concierto (con un grupo de bailarines en plena canción a un solista con aplausos grabados, aparentemente en la canción). Diferentes viñetas eran artísticas por derecho propio, llenas de esos diversos medios artísticos y vocabulario de movimiento. Un problema estructural surgió en la falta de vincular estas viñetas juntas, para construir una especie de arco narrativo claro. Una vez más, quizás sea un desafío ofrecer extractos de un trabajo más extenso.
Teniendo en cuenta eso, el final final se sintió falto de sustancia y profundidad. Las luces se encendieron sobre un bailarín levantando a su compañero en alto, en un destello rápido. Quizás este efecto podría implicar la efemoralidad del amor apasionadamente romántico, pero, tal como estaba en el trabajo, esta no fue una conclusión clara que construyó. De hecho, una viñeta mostraba a la mitad de una pareja mayor lidiando con el fallecimiento de su amor de toda la vida.
Céline Cassone de Les Ballets Jazz de Montréal. Foto de Ken Browar y Deborah Ory.
Habiendo dicho todo eso, el movimiento ofreció mucho de lo que los ojos, el corazón y el alma podían maravillarse. Los bailarines eran tanto artesanos técnicos como pesos pesados teatrales, llenando cada movimiento de auténtica emoción (sin “sobreactivar” ni “jamón”). El juego de pies de baile latino fue nítido, pero sin un toque duro. En cambio, todo se fundió agradablemente en pasos posteriores. El suelo liso contrastaba la calidad elevada de este vocabulario de movimiento más elevado.
Secciones de bailarines improvisando en un grupo, aparentemente a través de un guión que podría mantenerlo todo cohesionado y no caótico, fue un cambio refrescante con respecto al alto predominio del unísono en la primera pieza. Muchos de los ascensores fueron del tipo en el que el público jadea y luego aplaude, esos que aparentemente desafían la gravedad y los límites de la fuerza humana. Un bailarín se balanceaba sobre nada más ancho o más estable que el lado del cuello de su pareja, por ejemplo. Todo esto siendo de tan alto calibre, una estructura deseada y coherencia de tema para ser igual de fuerte.
Galili también coreografió y diseñó la tercera y última pieza de la noche, El Balcao de Amor , inspirado por la música y la energía creativa que encontró durante su estadía en Cuba. Comenzó con humor, con un hombre macho (o un hombre tratando de serlo) tratando de ser el centro de atención, y el centro de atención vagando por otra parte, como si tuviera mente propia. La audiencia rió alegremente. Un amigo se le unió y empezaron a bailar, unidos en movimiento por más compañeros bailarines.
Finalmente, el gran elenco, cada bailarina con un traje único y aparentemente un personaje único, se movían juntos por todo el escenario. Un movimiento grande, audaz y divertido de inspiración latina llenó el escenario y luego rebotó en la parte trasera de la casa. La energía y la alegría pura estaban en todas partes. Toques de ballet, como brazos en quinta posición.en alto, así como el juego de pies y las extensiones de jazz, salpimentaron el movimiento de estilo latino.
La música rápida y nerviosa, evidentemente inspirada en el jazz cubano de los viejos tiempos, subyace, pero quizás también impulsa el movimiento. Los saltos atrevidos, como un bailarín que salta sobre la parte posterior de una fila, compañeros de baile en la espalda plana, para ser atrapado en extensión por otro bailarín, fueron proezas asombrosas de fisicalidad y física. Incluso con estos trucos, todo se combinó para sentirse increíblemente auténtico, un momento de Cuba capturado en la danza.
Les Ballets Jazz de Montréal. Foto de Svetla Atanasova.
La nación ha fascinado a muchas personas por la misma razón, cómo parece estar atrapada en el tiempo (debido a las fuerzas sociopolíticas que la llevan a aislarse de las tecnologías modernas y del consumismo generalizado). El trabajo parecía honrar todo esto, aunque no era político, no trataba de explicar nada, sino que solo ofrecía autenticidad y diversión. Como parte de este sentimiento, el bochorno latino impregnó el movimiento y los medios artísticos de apoyo. Sin embargo, prevalecieron más el humor y la alegría.
“ ¿Quién sas? , gritaron los bailarines. Seguro que fue una fiesta. La fiesta comenzó a terminar, los bailarines se fueron y un bailarín se molestó porque todos lo habían dejado sin indicar su plan. Un bailarín volvió a salir y los dos ofrecieron un dúo: sensual, divertido y conmovedor al mismo tiempo. El elenco se reunió con ellos para concretar una última sección.
Debido al contexto, y sin necesariamente el esfuerzo de establecer un tema, esta estructura tenía sentido. Fue tan satisfactorio como un buen momento en un lugar específico de esta Tierra. Esto, combinado con las dos piezas anteriores, demostró la importancia de la estructura. Un movimiento hermoso y poderoso es una cosa. Cómo se estructura con éxito todo junto es otra. El mejor arte de la danza los tiene a ambos.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
