Teatro de Danza Tabula Rasa en 'Inside Our Skins'. Foto de Jared Siskin / PMC. New York Live Arts, Nueva York, NY.
15 de mayo de 2019.
Hacer arte y presentarlo al público es arriesgarse. Requiere valentía. Ese es a menudo más el caso cuando el trabajo se centra en temas controvertidos que existen en el mundo y en el discurso público. Los artistas que presentan este tipo de trabajo a menudo toman conciencia, comentan los errores que ven en el mundo y presionan para que se aborden. Todas estas consideraciones estaban en el aire en Tabula Rasa Dance Theatre Dentro de nuestras pieles , centrado en el encarcelamiento masivo y cómo promueve una historia de injusticia socioeconómica y racial en esta nación.
La compañía de danza contemporánea con sede en la ciudad de Nueva York, con el director artístico Felipe Escalante a la cabeza, tiene como objetivo 'encender una explosión de productividad artística y despertar social' y 'cree que la coreografía debe provocar emociones poderosas y, a veces, perturbadoras'. Dentro de nuestras pieles se sintió completamente en línea con ambos puntos.
El segundo trabajo de la noche Dentro de nuestras pieles - – Por la Dama que busca la justicia , fue el meollo principal del espectáculo (en el que se centrará esta revisión). La primera parte del título se deriva de una línea del dramaturgo Tennessee Williams: 'Todos estamos condenados a confinamiento solitario dentro de nuestra propia piel, de por vida'. Se puede traducir aproximadamente la segunda mitad del título del latín como 'quien procesa en nombre de la justicia'. Es el lema del Departamento de Justicia dentro del gobierno federal. Este título tiene capas y es significativo, tal como yo vería que es el trabajo.
Su comienzo fue bastante convincente: los bailarines se levantaron lentamente de un grupo y la iluminación muy baja hizo que me desconciertara un poco lo que estaba viendo. Me pregunté si el espectador promedio podría quedarse con el ritmo de melaza del movimiento, o si su mente viajaría a otra parte. Se desarrolló un círculo interior y exterior, con un movimiento suave pero ponderado, que evocaba una carga de una gran dificultad.
Se oyó un sonido de sirena cuando dos bailarines con máscaras de gas entraron y se movieron con gestos misteriosos. Una bailarina se alzó en un foco de luz central mientras otros debajo de ellos se movían en ondas ondulantes a través de sus articulaciones. El bailarín de arriba, elevado por encima de los demás, tenía un peso en su movimiento. Esa pesadez de las dificultades era evidente. Además de esa sensación de dificultad, los trajes de verde / gris con deshilachados deshilachados también transmitían esa sensación de llevar algo pesado (más inventivo que los monos de prisión estereotipados que habrían sido).
Después de esa sección, los bailarines se elevaron más para ejecutar un vocabulario de movimiento sorprendentemente hermoso en un círculo. Las líneas largas desde las piernas que se extendían hacia atrás hasta la parte superior de la cabeza se transformaron en un giro fundamentado y luego en uno más alto. Había una sensación de confinamiento forzado e igualdad en este movimiento y estructura. La música clásica dramática y arrolladora encaja bien con ese sentido.
Esta sección circular cambió a otra de bailarines mirando hacia atrás, y cyc se volvió azul. Entró un solista, vestido con un mono blanco (un color de luz y pureza), moviéndose con más sentido de la esperanza. Sin embargo, había una sensación de control y rigor en su comportamiento y calidad de movimiento. ¿Era un ángel de optimismo cauteloso?
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Una siguiente sección más memorable fue la de los bailarines que se movían hacia adelante y hacia atrás en sus propias secciones de luz, como a través de los barrotes de una prisión. La imagen escénica que creó esta elección fue poderosamente evocadora y se sintió conceptualmente brillante. Sin embargo, su efectividad comenzó a desvanecerse a medida que los bailarines se movían fuera de estas barras de luz, y así parecieron romper la idea de la imagen. Las barras desaparecieron una a una, muchos de los bailarines ya se habían movido fuera de sus secciones de luz.
Teatro de danza Tabula Rasa en 'Inside Our Skins'. Foto de Jared Siskin / PMC.
Podría haber reforzado más el significado de apagar las luces una por una, con los bailarines todavía moviéndose en el espacio en el que habían estado. Las notas del programa hablaban de un trauma mental continuo por el encarcelamiento, y la idea de moverse de la misma manera incluso con las barras de luz desaparecidas quizás podría haber ayudado a transmitir esa idea.
La siguiente sección aparentemente presentaba a todo el elenco, pasando de solos a cuartetos y tríos, entrando y saliendo de diferentes agrupaciones. El movimiento estaba lleno de maestría técnica y un movimiento más elevado. Los bailarines también comenzaron a deshacerse de las partes del vestuario, en particular de la blusa, para revelar los conjuntos de color crema. La sección se sintió larga, como si se tratara del dominio técnico. La pregunta entonces es cuál es el objetivo.
Sin embargo, hubo mucho que fue visualmente atractivo aquí. Tal interés visual continuó con una sección de una bailarina levantada boca abajo por varios otros bailarines y pedaleando sus piernas, que tenían cadenas y cascabeles en ellas. Las sombras cayeron detrás del grupo, bailando inquietantemente en la parte trasera del escenario. Esta sección también se sintió un poco larga para la capacidad de atención del espectador promedio, aunque algunos miembros de la audiencia podrían haberla encontrado hermosa en su calidad meditativa y estética.
Antes y después de esta sección, los bailarines miraban hacia atrás y se movían como si se estuvieran lavando, los codos hacia arriba y hacia los lados mientras trabajaban sus manos. Estos movimientos eran ligeramente diferentes para cada bailarina y eran hermosos en su intrincada cualidad. Me recordó el significado de las acciones y necesidades simples y cotidianas, algo que se vuelve exagerado durante y después del encarcelamiento.
En otra sección de grupo después de esa sección, todos los bailarines comenzaron en un cuadrado. De nuevo hubo una sensación de confinamiento e igualdad. Salieron de esta plaza con un movimiento más virtuoso: una fiesta de ascensores, saltos y giros que tenían un sabor de ballet contemporáneo. Más tarde, los gritos parecían transmitir luchas por enfermedades mentales. Me pregunté si esta idea podría haberse transmitido a través del cuerpo de una manera que pudiera ser más digerible para un público más amplio.
El contraste entre el movimiento enérgico y elevado y esos gritos también me llamó la atención. Pude ver en esto una ilustración del equilibrio de la presencia de la esperanza en tiempos difíciles. Para el final, todos se movieron en un grupo hacia la izquierda del escenario, hacia una fuente de luz, lentamente, pero no tan lentamente como para desafiar la atención de los miembros de la audiencia moderna. Hubo una hermosa continuidad en el movimiento lento, en una hermosa forma de transmitir un movimiento a la luz y la esperanza.
Cabe destacar un par de otros elementos de la actuación. Primero, todo el tiempo una persona se sentó y escribió en su teléfono, a veces haciendo 'selfies'. Esta fue una descripción astuta de cómo seguimos con nuestras vidas mientras ocurren todas estas injusticias dentro del encarcelamiento masivo. Me pregunté si esta inteligente elección podría haber tenido más éxito si se reflejara en el otro lado del escenario, tal vez por una persona que presentara a un hombre. En segundo lugar, los boletos cuestan sesenta y tres centavos, el salario promedio diario de una persona encarcelada en la ciudad de Nueva York. En cada programa había sobres para las entradas para las donaciones y un mensaje por altoparlante animaba a los miembros de la audiencia a donar teniendo en cuenta el bajo costo de las entradas.
Esa fue una elección que se alineó con el coraje y la convicción generales en el trabajo, uno sobre un tema sociopolítico controvertido Escalante y otros tomadores de decisiones en la compañía confiaban en que los miembros de la audiencia apreciarían el trabajo y su mensaje fuerte lo suficiente como para dar, en total, lo suficiente. para cubrir los costos de producción. Confiaron en que su mensaje resonaría, tal vez incluso lo suficiente como para mover a la audiencia a la acción. Tal vez fue la conciencia los que los impulsó a trabajar en una injusticia que ven allí afuera. Quizás hubo algo de ambos. De cualquier manera, me alegro de que lo hayan hecho y de poder experimentar este valiente y multifacético trabajo.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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