New York City Ballet's New Works Festival: La energía del espacio

Sara Mearns de NYCB en Justin Peck Sara Mearns de NYCB en 'Thank You, New York' de Justin Peck. Foto de Erin Baiano.

27-31 de octubre de 2020.
Transmisión en línea, filmada en el Lincoln Center Plaza y otros sitios de la ciudad de Nueva York.



Lincoln Center: hay una magia que flota en el aire, sobre las fuentes que fluyen y las piscinas que reflejan los grandes y opulentos edificios detrás de ellos. Como apasionado amante de la danza, me gusta pensar que las actuaciones que tienen lugar en esos edificios, posiblemente el pináculo de la danza y otras artes escénicas en la nación, y tal vez incluso en el mundo, agitan y hacen circular esa magia. Alejándonos del Columbus Circle de Manhattan por un momento: con la excepción de la danza específica del sitio, la forma de arte no se trata tanto del espacio donde se baila como del movimiento, otros elementos estéticos (vestuario, iluminación y música) y cómo se unen esos medios.




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Sin embargo, hay una magia en un espacio de teatro dentro y fuera del edificio, uno puede sentir un zumbido enérgico de las actuaciones pasadas y futuras. El New York City Ballet (NYCB) no puede bailar actualmente en el Lincoln Center debido al COVID-19. Sin embargo, a través del Festival New Works en la temporada digital de otoño de 2020, la compañía exploró y honró la magia de ese espacio, y más allá de eso, de la ciudad de Nueva York en general.

Mira Nadon de NYCB en Sidra Bell

Mira Nadon de NYCB en 'Pixelation in a wave (Within Wires)' de Sidra Bell. Foto de Erin Baiano.

Sidra Bell 's pixelación en una ola (dentro de los cables) tenía un movimiento que era altamente arquitectónico: a veces pausa de formas angulares, a veces multilineales, en ritmo staccato. Estas formas posturales eran claras y resonantes. Los bailarines lograron fluir a través de ellos, en lugar de dejar que su movimiento se volviera estático dentro de las formas, de manera impresionante. La música, compuesta por el padre de Bell, Dennis Bell, tenía suspensión en las notas que respaldaban estas cualidades de movimiento. Los trajes en blanco y negro tenían cortes y formas intrigantes, ofreciendo intriga estética y también apoyando esas cualidades de movimiento.



Reflexionando sobre esta cualidad, pensé en el título altamente poético 'pixelación en onda' una onda fluye, pero como un píxel dentro de una imagen digital, sus gotas de agua individuales son distintas. Los cuerpos de los bailarines parecían reflejar la arquitectura del Lincoln Center Plaza a su alrededor, encarnando lo inanimado para animarlo. Esto me llevó a pensar para mí mismo, sin gente, ¿qué queda de una ciudad? Mientras las personas permanecen adentro a través de COVID, ¿qué queda para energizarlo y caracterizarlo?

En ese tono, la partitura tenía una cualidad lúgubre, como en su suspensión de notas. A medida que los bailarines se separaban en el espacio (aparte de una pareja que se asociaba, lo que asumí era seguro para COVID debido a que estos bailarines ya vivían juntos o realizaban pruebas rápidas), pensé en caminar por grandes edificios donde alguna vez sucedieron eventos grandiosos y sentir una tristeza de haciéndolo. Bailar fuera del edificio parecía simbolizar esa condición a su manera, pero al mismo tiempo una resistencia si no podemos bailar en el escenario frente a una audiencia, todos juntos en el espacio, entonces todavía bailaremos afuera. Nada puede detenernos de movernos.

Russell Janzen de NYCB en Pam Tanowitz

Russell Janzen de NYCB en 'Solo for Russell / Sites 1-5' de Pam Tanowitz. Foto de Jon Chema.



Pam Tanowitz coreografió un solo para el director de NYCB, Russell Janzen, para el Festival New Works, Solo para Russell - Sitios 1-5 . A veces bailaba con un traje blanco con una serpentina azul y amarilla, y a veces con calentamientos sobre eso, abstracto y de diseño altamente arquitectónico, como gran parte del movimiento. Cuando no era abstracto y arquitectónico, gran parte era peatonal: simple paso, gesticulación y mirada. En esos momentos, pensaba en un solo humano en un gran espacio, estructuras altas y expansivas que se elevaban sobre él.


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Pensé en la pequeñez de los humanos en la grandeza del universo, incluso con todo el potencial y rango mental y emocional que tenemos. Los elementos humanos, prácticos y crudos también se manifestaron en cómo Janzen llevó a Marley por el espacio con él: la vista 'detrás del escenario', por así decirlo. Esta cualidad muy humana también estuvo presente cuando extendió una pierna hacia atrás en arabescos o la dobló alargándose hacia adelante; sin embargo, cuando bailó algo más técnico, la presencia del bailarín encarnando su oficio tomó una nueva energía.

Ver a Janzen en calentamientos y luego en traje completo, en diferentes marcos y editado a propósito para sentirse delineado (se sintió así), se sintió como una separación filosófica entre el bailarín y la danza, el arte y el artista. ¡Mi mente podría masticarlo durante siglos! Los primeros planos de pies, piernas y las expresiones faciales de Janzen agregaron intriga visual a ese interés intelectual.

Ballet de la ciudad de Nueva York en Andrea Miller

New York City Ballet en la 'nueva canción' de Andrea Miller. Foto de Jon Chema.

Andrea Miller nueva canción Fue lo más agradable de experimentar para mí como espectador hasta ahora en el festival. El movimiento tenía un virtuosismo, un arabesco altísimo como el ala de un pájaro que se rompe hacia atrás, se dobla hacia atrás y gira sin el menor momento de inestabilidad o tensión que hizo que mi mandíbula se cayera de verdad. Sin embargo, también hubo flexibilidad y facilidad, una libertad de movimiento en la columna vertebral y las caderas, alineándose maravillosamente con la música latina y las inflexiones en los disfraces, como rojos y negros, cuellos altos, cortes largos y ajustados. La arquitectura del espacio también tenía un hermoso paralelo con el movimiento: la arquitectura del cuerpo en la técnica virtuosa y sólida como una roca, así como en las formaciones de formas de diamantes, rectángulos y círculos. En este caso, la necesidad de seguridad de mantenerse distante quizás contribuyó a una arquitectura impresionante y memorable de los humanos en el espacio.

También fueron profundos algunos sectores de los bailarines que se movían a través del agua, capaces de enjuagarse y mantener la vida en la tierra. Combinado con el anhelo y el sentido de resistencia de la partitura, el trabajo de Miller llegó a algo elemental sobre el ser humano. Incluso cuando no estamos en contacto físico, estamos juntos en una arquitectura de espacio y energía. Aparte de eso, el trabajo fue estéticamente cautivador. Me atrajo a todos en cuerpo, mente, corazón y espíritu.

Victor Abreu de NYCB en Jamar Roberts

Victor Abreu de NYCB en 'Water Rite' de Jamar Roberts. Foto de Erin Baiano.

En Jamar Roberts Rito del agua , Víctor Abreu del NYCB Corps de Ballet Dancer se movía en un cuerpo de agua, al igual que en la obra de Miller (estrenada la noche anterior). La música era entrecortada con una fuerza impulsora dramática, y el movimiento de Abreu siguió su ejemplo: angular, entrecortado y rápido.

Me cautivó la calidad del movimiento de Abreu, con un hermoso sentido de la línea y la elevación, pero también con una libertad contemporánea a través de las articulaciones y una facilidad para moverse a través de una variedad de gestos y formas. La libertad y la cualidad elemental humana de bailar en el agua, ondulando y moviéndose detrás y alrededor de Abreu, también me atrapó. Él extendió un brazo hacia arriba y hacia arriba mientras caminaba por el agua, lo sumergió y, después de un latido, lo golpeó hacia atrás. para hacer un chapoteo. Unos cuantos conteos más tarde, estaba girando, arremetiendo y luego rodando por su columna. Estaba completamente absorto en todo eso.

Quizás la parte más fascinante del trabajo fue la cámara al final y la toma que incluía a los músicos, con sus instrumentos, justo en el agua. Fue sorprendente darse cuenta de que habían estado allí todo el tiempo, y abrió un elemento de creación de la obra al mostrarnos las personas que crearon ese elemento. Podría decirse que cuanto más vemos y aprendemos sobre cómo se crea una obra, más comprensión y apreciación por ella podemos tener.

Taylor Stanley de NYCB en Justin Peck

Taylor Stanley de NYCB en 'Thank You, New York' de Justin Peck. Foto de Jody Lee Lipes.


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El trabajo final del festival fue de Justin Peck Gracias, Nueva York . Comenzó con bailarines mirando escenas de la ciudad, compartiendo lo que significa para ellos. Su ropa era peatonal y sentí que estaba en contacto con la cruda humanidad de estos bailarines, al menos en parte. Luego bailaron: en un parque, en un almacén, en un callejón, en una azotea, cada uno solo en su propio espacio. Se movieron rápidamente, dando un nuevo significado al allegro.

La velocidad transmitía una profunda pasión: la profunda pasión de estos bailarines por la ciudad y el trabajo de bailar que hacen en ella. Tenía la cualidad de bailar solo en un dormitorio (como muchos de nosotros lo hacíamos cuando éramos adolescentes), pero esos bailes eran el pináculo del virtuosismo y el arte del ballet. Las ubicaciones también ofrecían gran parte de la belleza única de Nueva York, desde puestas de sol infinitamente expansivas hasta callejones y almacenes coloridos y arenosos.

“Gracias, Nueva York, ¿puedo tener otro baile contigo?”, Cantó el cantante de la partitura pop. Se sintió como si estas palabras vinieran directamente de los corazones de estos bailarines. Gracias, NYCB, por cambiar de rumbo para que el público pueda experimentar nuevas obras de artistas de la danza de primer nivel. Gracias por conocer el momento, por permitir que esta forma de arte esté realmente en constante evolución. Gracias a los espacios en los que bailamos, por abrazarnos a nosotros y a nuestra energía. No podríamos hacerlo sin ti.

Por Kathryn Boland de Dance Informa.

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