Teatro Nederlands Dans en 'La puerta perdida' de Gabriela Carrizo. Centro de la ciudad de Nueva York, Nueva York, NY.
6 de marzo de 2020.
Bajo la guía del director / coreógrafo de la casa Paul Lightfoot y del asesor artístico / coreógrafo de la casa Sol León, Nederlands Dans Theatre celebró sus 60thaniversario como compañía del 4 al 7 de marzo, en el centro de la ciudad de Nueva York, actuando para una audiencia llena. El programa duró casi tres horas con dos intermedios y consistió en los estrenos estadounidenses de tres piezas relativamente largas: La puerta perdida (2013), coreografiado por Gabriela Carrizo Camina el demonio (2018), coreografiada por Marco Goecke y Cierra los ojos (2016), coreografiado por León y Lightfoot.
La puerta perdida Abrió el espectáculo con una robusta vitalidad artística y una coreografía experimental que el resto de la velada resultó incapaz de cumplir. La pieza comienza con lo que parece un final: una mujer muerta tendida en el suelo seguida de un intento de limpiar, de reiniciar. El humor rápidamente supera la gravedad de lo que debe haber pasado antes cuando una toalla de mano difícil de manejar lucha con el hombre del traje que la sostiene y comienza a girar fuera de control, girando sobre sus rodillas con la velocidad de un patinador olímpico sobre hielo.
Entra una sirvienta con un sillón, completando el conjunto casi monocromático de puertas, ventanas y apliques grises rotos solo por una pantalla de lámpara amarillenta que recuerda a un hotel espeluznante. Acompañado por un siniestro y zumbante núcleo sonoro, el conjunto se usa ingeniosamente a lo largo de la pieza.Los bailarines miran a través de la ventana manchada a medida que se desarrollan las escenas, los dedos codiciosos rezuman a través de las jambas de las puertas y las sombras amenazantes pintan las paredes. Una poderosa luz industrial sobre ruedas también va y viene del set, fascinando y deslumbrando a los bailarines y al público por igual, y ocasionalmente infundiendo el soundcore con su zumbido.
Los puntos culminantes de la comedia dependen en gran medida de las cosas fáciles que se vuelven difíciles: lo ligero se vuelve pesado, lo mundano se reinventa. Un bailarín parece no poder quitarse el abrigo y se genera una lucha prolongada entre él y la prenda rebelde. Otra bailarina no puede caminar con tacones y el público medio se encoge medio ríe mientras gira los tobillos una y otra vez, buscando a tientas a un hombre que la guía con los brazos abiertos como un padre que enseña a un niño a caminar o nadar.
Otros momentos cómicos incluyen a los bailarines que son golpeados por las puertas cuando se abren, una repentina ráfaga de viento barriendo los papeles arrugados por el escenario y casi soplando el elenco, y una ilusión particularmente desenfrenada en la que una bailarina parece controlar la apertura chirriante y cierre de varias puertas con su pierna de tacón, que se extiende verticalmente mientras se sienta en el sillón.
Lo más hilarante e impresionante son las viñetas donde el escenario se sacude y los bailarines reaccionan exactamente tanto al ritmo como a la intensidad del temblor, que inicialmente es causado por una pelea con un tono obstinado. A medida que pierden el control, el set parece temblar por sí solo. Durante una de esas viñetas, los batidos se convierten en un diálogo dividido: “m-o-t-h-e-r-f-u-c-k-e-r”.
comiendo bailando
Por todo su humor, La puerta perdida es decididamente una pieza oscura y cargada de emociones. Desde un dúo violador con un hombre agarrando a la mujer por la entrepierna, creando el contorno fantasmal de un falo debajo de su vestido verde azulado fluido y controlándola como una muñeca, hasta el sonido de una risa amenazante y un llanto iluminado, hasta un final físicamente abusivo en el que el set comienza a autodestruirse como lo hacen las relaciones entre los bailarines, Carrizo claramente busca algo mucho más que risas triviales y violencia llamativa. Al describir su trabajo, dice: “Trato constantemente de buscar nuevas perspectivas para hacer visible el mundo mental paralelo, un mundo en el que los miedos, la opresión, las fantasías y las construcciones del pensamiento hiperindividuales de los personajes y artistas rompen en una relación social regular. . '
Cuando la pieza termina con un retorno a la imagen inicial, nos enfrentamos a una pregunta ineludible: ¿es esto un ciclo? Y además, ¿qué será diferente la próxima vez? ¿Cuál es el impacto acumulativo de todo este daño? Mientras reflexionamos sobre estas preguntas existenciales, un foco en movimiento toma a cada bailarín con la guardia baja para hacer reverencias, uno por uno, y nos tranquiliza temporalmente la deliciosa prolongación de un mundo que apenas estamos comenzando a comprender.
Nederlands Dans Theatre en 'Walk the Demon' de Marco Goecke.
El siguiente en el programa fue el de Goecke Camina el demonio , que utilizó música de varios artistas y contó con la amplia voz de Antony and the Johnsons. Si bien tanto la música como el movimiento podrían haber funcionado por sí solos, no parecían encajar del todo. La canción de amor fluida y genérica contrastaba con el movimiento inhumano, rápido como un rayo, de una manera que parecía involuntaria e ineficazmente discordante.
Smoke abandona lánguidamente el escenario al comienzo de la pieza, y el vocabulario del movimiento Mach Five se establece de inmediato y permanece notablemente constante en todo momento. Imagine gestos afilados como una aguja. Ahora borre toda reverberación y chorro. Reemplázalo con geometría, con manos afiladas y con garras y rostros contorsionados y actitudes de corte hacia atrás, con formaciones sesgadas de frente y animalismo al unísono. Incluso la respiración está sincronizada.
Agregue a eso susurros portentosos, chillidos en idiomas extranjeros, un intercambio de gritos y (desafortunadamente) abrazos al azar y besos fingidos y espásticos. “Toda la vida y el amor es un agradecimiento, un hola y un adiós… Todo es nuevo”, o eso dicen los bailarines. También vislumbramos una figura oscura: ¿un hombre con traje de gorila? - arrastrándose en el fondo. ¿El mismísimo demonio? ¿Cómo encajan este símbolo y este lenguaje con el resto de este mundo desigual? Se nos dan pocas pistas, y se nos deja a tientas para llegar a nuestras propias conclusiones.
El ejército de bailarines es indiscutiblemente impresionante y, además de proporcionar una prueba corpórea del peso de la velocidad, del poder de la velocidad para superar la originalidad del movimiento, para hacer que incluso la coreografía más básica parezca interesante (aunque la gran mayoría de la coreografía de Goecke no es de ninguna manera básico): son lo mejor de la pieza. A pesar de la asombrosa habilidad de los bailarines y la proporción imposible de movimiento por segundo que son capaces de mantener, sin embargo, un suspiro de alivio se apoderó de la audiencia cuando la pieza, que había excedido considerablemente su bienvenida, finalmente terminó.
Nederlands Dans Theatre en Sol León y 'Shut Eye' de Paul Lightfoot.
La pieza final Cierra los ojos , completó la espiral descendente del programa. Aparentemente dirigido por la cita, 'Cierro los ojos para ver' del artista visual francés Paul Gaugin y guiado por preguntas sobre la naturaleza de las limitaciones perceptivas y emocionales (redactadas de manera ambigua en el programa para hacer que la sensación y la emoción parezcan mutuamente excluyentes) , La pieza de León y Lightfoot resultó como una confusión sin sentido de virtuosismo monótono. Los “significados simbólicos detrás del uso dinámico del blanco y negro, las respectivas luces y sombras” se parecían mucho a una coreografía técnica desmotivada en un escenario inteligente con bailarinas bonitas y un diseñador de iluminación increíble.
La pieza comienza con una luna proyectada sobre un escenario oscuro, que se centra en una puerta por la que van y vienen bailarines con ropa formal de género. La coreografía se basa en gran medida en la asociación y consiste principalmente en un movimiento amplio y arrollador, un marcado contraste con la pieza anterior, del cual los elementos técnicos asoman regularmente la cabeza, a veces sin problemas, otras veces sin armonía, casi siempre con una importancia artística cuestionable. El motivo más memorable se recuerda por su cursi: un punto, a veces acompañado de una exclamación, '¡Ahí!' El vocabulario cliché es uno de hazaña puntiaguda, caminar en cámara lenta y juego de sombras, y hay poca o ninguna química detectable entre los bailarines.
Según el director Lightfoot, el elemento unificador del programa City Center fue un enfoque en la danza como un arte más allá del entretenimiento: 'Hay mensajes poéticos más profundos en todas las piezas'. Para un programa que hace esta afirmación, fuera de la genialidad de La puerta perdida , todo me parecía bastante entretenido. Me fui con la abrumadora sensación de que todo era solo un baile. Una apuesta por seguir ocupando plazas. Me alegraría que se demuestre que estoy equivocado.
Por Charly Santagado de Dance Informa.
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