Aaron Carr, Morgan Lugo y Robbie Moore de LADP en 'Harbor Me' de Sibi Larbi Cherkaoui. Foto de Laurent Philippe. Boch Center, Boston, Massachusetts.
20 de mayo de 2017.
La danza es, evidentemente, una forma de arte basada en el movimiento. Sin embargo, si el movimiento es constante, ¿es realmente movimiento o simplemente una norma? ¿Lo que siempre es, ha sido y será? En otras palabras, el movimiento significa más cuando experimentamos el otro extremo del espectro: la quietud. En un sentido quizás más amplio y más metafórico, el movimiento en la danza puede ser un aferramiento para probar, lograr y transmitir. La quietud puede ser permitir que algo sea lo que es y hacer que hable por sí mismo.
El ensamblaje de tres obras de L.A. Dance Project, mostradas en Boston a través de Celebrity Series y actualmente de gira por todo el país, demuestra esta dinámica. Algunas de estas obras construyen contenido emocional, además de exhibir la belleza dentro del cuerpo humano en movimiento, mediante la incorporación de momentos de quietud. Vemos niveles de mayor sofisticación en esos momentos. Algunas de estas obras descansan en el arte y la verdad que son, mientras que otras se esfuerzan por construir y transmitir un mensaje específico.
LADP en 'Harbour Me' de Sibi Larbi Cherkaoui. Foto de Rose Eichenbaum.
El primer trabajo, de Sibi Larbi Cherkaoui Harbor Me, es más de lo primero, con valentía para asumir riesgos pero con una aparente aceptación de lo que la pieza puede ofrecer como suficiente. La pieza comienza con una luz que fluye desde lo alto del escenario a la derecha, bloqueada como si, escalofriantemente, atravesara los barrotes de la prisión. Comienza un solo de movimiento suave y vigoroso. Las sombras se suman a la intriga de una hermosa exploración de las posibilidades de movimientos sutiles. Otro bailarín se une, luego un tercero. Se retiran dos bailarines y comienza un solo de una calidad más musculosa y atlética.
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A lo largo de la pieza, esta estructuración de tres y uno continúa. Más dúos podrían ofrecer una exploración coreográfica valiosa, ya que los grupos pares e impares pueden tener diferencias significativas. Sin embargo, lo que sube al escenario es sorprendente y significativo como es. El esquema de color oscuro (iluminación y vestuario de Fabiani Piccioli) continúa agregando sombras y contornos de luz que pueden ser impresionantes. Ciertos momentos de asociación también son memorables e innovadores, como compartir el peso de tal manera que tres bailarines parecen un solo cuerpo, pero tres brazos nadando en tres ángulos diferentes hacen agujeros hábilmente en la ilusión óptica.
Una nota del programa implica que la pieza tiene como objetivo ilustrar los desafíos y el mundo interior de los refugiados, así como la situación general de su estado en el mundo, sin duda un enfoque relevante y oportuno en 2017. La oscuridad literal de la pieza, así como la estructuración de la coreografía tanto del peso compartido como de las secciones de separación, transmite que incluso sin la iluminación completa del otro, todavía podemos ofrecer apoyo. Nuestras similitudes pueden dominar la oscuridad que podría enfatizar nuestras diferencias.
La siguiente pieza, Justin Peck's Baladas de asesinato , también tiene como objetivo retratar una situación y un tema específicos (si no es un mensaje manifiesto). Sin embargo, lo hace de manera más explícita, como con una nota de programa que explica la génesis de la pieza y el trasfondo cultural en su raíz. El argumento es que en el corazón de los tiroteos masivos en Estados Unidos hay una cultura basada en la violencia, que se remonta a las canciones populares sobre asesinatos.
L.A. Dance Project en 'Murder Ballades' de Justin Peck. Foto de Laurent Philippe.
Los disfraces son de uso diario en Estados Unidos, y algunos de los adolescentes típicos (como faldas cortas y mangas cortas) parecen hacer referencia a tiroteos escolares. Las secciones frecuentes al unísono también reflejan el deseo de los adolescentes de encajar en el grupo. Algunas secciones de la coreografía tienen un aire de agresión, mientras que otras parecen representar apoyo. En estas implicaciones, la pieza tiene menos éxito en transmitir su verdad que la primera que parece significar menos mientras dice directamente más.
Sin embargo, la obra ofrece momentos de movimiento hermoso y bien elaborado. En una frase, por ejemplo, un bailarín se inclina hacia otro. El bailarín que recibe apoyo levanta un pie flexionado a 45 grados y el que lo da pliés en la pierna opuesta. Esta frase adquiere matices ligeramente diferentes a través de repeticiones posteriores. El movimiento también es más significativo cuando adquiere una sensación de apoyo, un estiramiento pastoso. Los bailarines se comprometen verdaderamente con las cualidades de movimiento que requiere la coreografía.
El trabajo tiene la materia prima de mayor potencial, un gran candidato para talleres y otros procesos de refinamiento. En realidad, eso es cierto hasta cierto punto en cualquier obra de arte. El tercer y último trabajo, Por otro lado , del director artístico Benjamin Millepied, aparece más adelante en ese proceso. A riesgo de una reducción simplista, es una pintura impresionista que cobra vida en movimiento. Una sensación geométrica, tanto a través de formaciones como de frases, implica un orden natural, inherente a muchos temas impresionistas.
Una imprevisibilidad concurrente, sin embargo, implica que nunca podremos saber realmente cómo algo seguirá su curso - 'al otro lado' de la conciencia presente. Al igual que las pinturas impresionistas, una claridad de estructura coexiste con una intrigante falta de definición cualitativa, como en, con un cambio de perspectiva, hay más para ver y captar. Detrás de todo esto hay una pintura neoimpresionista de fondo brillante del artista Mark Bradford. Los colores brillantes en el vestuario (diseño de vestuario de Alessandro Sartori) combinan con esta energía visual.
LADP en 'On the Other Side' de Benjamin Millepied. Foto de Laurent Philippe.
Los bailarines de esta pieza también ponen toda su energía y dominio del movimiento en cuestión. Uno quiere que dos solos, uno de una bailarina en rojo y otro en gris, sean más largos, simplemente por lo fuertes y llamativos que son. Sí, fuerza, pero también hay una suavidad, una facilidad de movimiento a veces técnica, a veces más peatonal (y en las transiciones entre esas dos cualidades) al estilo de Mark Morris. A la fuerza de ese movimiento se suma el contraste en la quietud, los bailarines en un cuadro ocasional.
En lugar de una quietud abierta, los bailarines aún irradian la resonancia del movimiento que acaban de realizar. Parte de ese movimiento ofrece una metáfora de algo del mundo natural, como una aparente órbita del grupo alrededor de un eje central, con una mano en el centro y la otra elevándose por encima de un codo doblado. Es posible que las imágenes en órbita no parezcan tener mucho que ver con una pintura de flores ligeramente abstraída y un brillo general (en color y movimiento).
Sin embargo, con una actitud de apertura a los matices, uno aprecia la celebración de la obra del movimiento que nos rodea, cerca y lejos, en una flor justo afuera de la ventana de uno o en una galaxia a años luz de distancia. También hay quietud, pero incluso en la “quietud” permanece la energía del movimiento. Por el contrario, el movimiento es movimiento porque existe la quietud. De manera similar, la abstracción y la sutileza pueden permitir que algo significativo se escuche verdaderamente. El ensamblaje de L.A. Dance Project de estas tres obras permite a los bailarines, realizadores y amantes de la danza de todo tipo ver estas verdades con mayor claridad.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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