Por Rebecca Martin.
Habla sobre abrir una lata de lombrices. Con el lanzamiento del libro de Jennifer Homans Ángeles de Apolo , que traza la historia del ballet, ha surgido una oleada de debates sobre el epílogo incluido al final del libro. En él, Homans sugiere que el ballet está muerto o moribundo. Tal declaración seguramente inspirará una respuesta de los amantes del ballet, bailarines y estudiantes por igual, ya sea que esa respuesta sea un asentimiento inteligente de acuerdo o una refutación furiosa.
'Después de años de intentar convencerme de lo contrario', escribe la Sra. Homans, 'ahora estoy segura de que el ballet está muriendo'.
El quid del argumento de Homans se centra en la idea de que piezas como la de George Balanchine Diversión No. 15 se han vuelto triviales y ya no tienen la capacidad de mover al público. Si bien muchas obras de arte no logran sobrevivir al paso del tiempo, en el caso del ballet clásico y las piezas de ballet moderno que han durado décadas y todavía se representan y disfrutan hasta el día de hoy, no es la pieza la que se ha vuelto trivial. Es la exposición del público a obras más nuevas, una mayor técnica y una puesta en escena más impresionante de las producciones lo que ha cambiado la forma en que vemos las obras más antiguas. El coreógrafo, bailarín, maestro de ballet y director Robert Kelly dice: “Decir que el ballet está muriendo es lo mismo que decir que 'la música clásica está pasada de moda' o 'el surrealismo ha muerto'. Es una forma de arte con una herencia maravillosa y una rica historia '. De hecho, al igual que las canciones populares o las declaraciones de moda que fueron un gran éxito en el momento de su lanzamiento y ahora son una fuente de burla y se olvidan en su mayoría, muchas piezas de ballet serán alabadas en el estreno y rápidamente descartadas de la memoria. Se volverán anticuados y triviales. No todas las producciones se convertirán en un clásico, ni todas las actuaciones serán memorables.
Australian Ballet interpreta The Possibility Space de Nicolo Fonte. Foto Jeff Busby
El director artístico del Australian Ballet, David McAllister, siente que el ballet está vivo y coleando. “Hay tantas empresas en todo el mundo que crean una miríada de obras nuevas que exploran la técnica del ballet y la utilizan de formas completamente nuevas e innovadoras. Las producciones del canon del ballet del siglo XIX se actualizan y presentan utilizando tecnología y técnicas del siglo XXI de manera que inyectan nueva vida al público actual. Los jóvenes bailarines todavía se están uniendo a clases de ballet en todo el mundo y la danza está siendo vista por una audiencia cada vez mayor gracias a un mundo en línea de Facebook, blogs y Youtube '.
piso del escenario
La tecnología está permitiendo que proyectos más pequeños despeguen, reciban exposición y financiación. Donde una vez el ballet fue visto como una actividad para la clase alta y entretenimiento para la élite, las compañías de ballet están llegando a un público más joven y se están moviendo con los tiempos. Sin embargo, el alto costo de ver una compañía de ballet importante permanece fuera del alcance de muchas familias, estudiantes y adultos por igual.
Homans se niega a señalar su evaluación de la vitalidad del ballet a las producciones modernas que cautivan al público, desafían a los bailarines y se ponen de pie para repetir actuaciones. Por supuesto, es demasiado pronto para decir si muchas de estas piezas, si es que hay alguna, se convertirán en clásicos y garantizarán la longevidad de la forma de arte. Ella descarta las obras contemporáneas rotundamente como “exceso gimnástico o melodramático” sugiriendo que solo los ballets de tutú de antaño tienen algún lugar en el clima actual. Tal opinión suena muchísimo a la misma crítica que se lanzó al rock and roll temprano o al poema revolucionario de Allen Ginsberg. Aullido. El arte innovador siempre tendrá sus críticos y siempre habrá un elemento de ajuste a medida que avanza la danza. Lo mejor es que se quede estancado y se desvanezca en el olvido.
Ciertamente, el ballet es una forma de arte estructurada y solo puede haber tantas variaciones antes de que deje de ser ballet, mientras que otras formas de danza como el hip hop o el jazz pueden tomar muchas formas diferentes y permanecer fieles a sus orígenes. Esto no es una crítica, sino una observación. La estructura del ballet le permite mantenerse constante a lo largo del tiempo y no caer presa de la desintegración. Dicho esto, para mantener a un público nuevo y más joven que está expuesto a una variedad tan amplia de medios de entretenimiento interesados en el ballet, es esencial que el arte adopte la tecnología y utilice sus diversas formas para involucrar a la gente. A medida que cambian nuestras actitudes hacia el entretenimiento, también debe evolucionar el entretenimiento en sí. McAllister ve que el ballet continúa “evolucionando y desarrollándose para reflejar el entorno en el que vivimos. En cada generación hay personas que innovan y aportan nuevas ideas y nueva energía al ballet. Sus obras se suman al canon y sus obras maestras se convierten en los clásicos del futuro. Si bien es importante mantener y presentar las grandes obras del pasado que son la base del ballet, es igualmente crucial desarrollar y nutrir a los coreógrafos de hoy para mantener viva y vital la evolución de nuestra forma de arte '.
Julie Kent y Marcelo Gomes del American Ballet Theatre en Romeo y Julieta. Foto Rosalie O'Connor.
Las compañías de ballet están empleando publicidad más centrada en la moda con colores brillantes y una versión vanguardista de una tradición clásica. Hace un par de años, San Francisco Ballet tenía la imagen de dos bailarines besándose en la parte trasera de un auto convertible en sus carteles promocionales. Muchos bares y tiendas colocaron los carteles, que para ellos fue el primer cartel de baile que exhibieron. Los bailarines del Australian Ballet se pueden ver con frecuencia entre las páginas de revistas de moda, así como deportes y otras publicaciones. La idea es presentar a las bailarinas de ballet como sexys, vitales y modernas, en contraste con la imagen anticuada de ellas como sofocantes, unidimensionales y anticuadas.
A pesar de esto, el ballet todavía tiene limitaciones en este clima moderno. Como escribe Sarah Keough del Washington Post, “los problemas de dinero pesan sobre el ballet como una piedra al cuello: salarios, alquiler, vestuario, zapatos de punta, seguros, músicos, almacenamiento, etc. La deuda es un factor importante en toda la programación conservadora que existe. Pero el problema principal es este: el ballet adolece de una grave falta de confianza que solo se vuelve cada vez más paralizante ”. Continúa diciendo: 'No hay nada más aburrido que un arte bonito y seguro. Nada se siente menos relevante. El ballet necesita pensar en grande. Sí, el dinero es escaso, pero el ballet aquí se ha metido en problemas al aspirar al prestigio de un teatro de ópera sin los presupuestos más estables de sus homólogos europeos. Para sobrevivir en el futuro, creo que la compañía de ballet promedio haría mejor en reducir su tamaño, apuntar a la emoción, revolver la olla y dejar caer los ballets de larga duración, que es mejor dejarlos a las pocas operaciones más grandes y ricas ”.
Alexei Ratmansky ensayando con el New York City Ballet. Foto Paul Kolnik
Sin embargo, no todo es pesimismo para los amantes del ballet. Con coreógrafos como Twyla Tharp, Christopher Wheeldon y Alexei Ratmansky, entre otros, empujando los límites del ballet y creando obras que combinan la abstracción con las líneas clásicas, el ballet sigue siendo una forma de arte viva y que respira. Una omisión flagrante de la evaluación de Homans del ballet moderno es el coreógrafo estadounidense William Forsythe, quien dio la vuelta al ballet a fines del siglo XX y desafió a los bailarines técnicamente y al público intelectualmente.
La gente nos dice que el ballet es tan esencial y popular como siempre. McAllister afirma que la audiencia de The Australian Ballet crece cada año, con las tasas de suscripción más altas desde principios de la década de 1990.
Landestheater Coburg Ballet Master y bailarín internacional Griffin Doug sugiere que el pulso del ballet es fuerte en Europa. “Veo (el ballet) como el único 'arte elevado' en el que se puede confiar para traer casas constantes. Con la excepción de los musicales conocidos, los programas de danza son la apuesta normalmente segura para un intendente de teatro. Es posible que las casas no se agoten todas las noches, pero las presentaciones para presentaciones durante una temporada, las noches de baile venden más asientos que otras presentaciones. Para McAllister, sin embargo, 'no se trata solo de números de asientos (sino) más de brindar a los miembros de la audiencia una experiencia de ballet completa'.
Como señala Doug, el ballet tiene la importante ventaja de ser un lenguaje universal que permite que una producción atraviese el mundo sin las barreras de la comunicación. Y como todos los bailarines pueden atestiguar, una clase de ballet se puede tomar en cualquier idioma en cualquier parte del mundo con poca o ninguna confusión. El lenguaje de la danza es el mismo allá donde vayas. “De todos los géneros de actuaciones en vivo, el ballet es el que se adapta mejor al cambio. La danza se realiza fácilmente en entornos de casas grandes y pequeñas, también en producciones improvisadas y cuidadosamente ensayadas. La danza se puede realizar con acompañamiento sinfónico completo, pero también es aceptada por el público con bandas sonoras pregrabadas. Lejos de ser una forma de arte moribunda o una forma de arte de museo, la danza está viva y coleando. Es la forma de arte más adaptable con la base de audiencia más amplia '.
El ballet en sí es la base de todas las demás formas de danza. Un bailarín de jazz con técnica clásica suele ser muy superior a alguien sin formación de ballet, y lo mismo puede decirse de los bailarines de teatro musical, cabaret, tap e incluso hip hop. Con el aumento de la popularidad de la danza gracias a la gran cantidad de programas de televisión, películas y clips de películas que muestran el gran atractivo, la diversidad y la habilidad del arte, el ballet no va a ninguna parte con prisa.
Foto superior: Aurelie Dupont y Herve Moreau del Ballet de la Ópera de París. Copyright Anne Deniau
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