Island Moving Company in 'Memoria y Vidrio'. Photo by Thomas Palmer. Estudios de Green Street, Cambridge, Massachusetts.
22 de abril de 2017.
Por un lado, está la diversidad: la existencia de diversas formas de ser y actuar. Por el otro, hay unidad: entidades separadas que actúan y están en cohesión y armonía. Sin embargo, los dos modos no son mutuamente excluyentes porque la unidad no significa necesariamente conformidad. Las formas divergentes de ser y de actuar pueden unirse armoniosamente y así unificarse. Ahora estamos viendo ese efecto en la danza de concierto, en términos generales, con elementos clásicos y contemporáneos que a veces se mezclan y, a veces, conviven uno al lado del otro.
Ruth Whitney y Jacob Hoover de Tony Williams Ballet Company en 'La Favorita'. Foto de Golden Lion Photography.
Kat Nasti, directora de Green Street Studios en Cambridge, Massachusetts, expresó ese punto al presentar el Ballet Showcase del colectivo de danza. El espectáculo es el primero de una serie de conciertos específicos de género que Green Street presentará durante los próximos meses.
El espectáculo incluyó obras en el idioma del ballet que van desde el clásico al neoclásico y al posmoderno con inspiraciones balleticas. La primera de estas piezas, Mamá vientre coreografiada e interpretada por Tai Jiménez, fue una exploración sorprendente de la maternidad.
Uno podría interpretar esa exploración como en gran parte un comentario sobre el sacrificio, tal vez algo de eso como una pérdida de parte de la propia identidad, dentro de la experiencia de la maternidad. Jiménez se movió con gracia y conmovedor. A menudo iniciaba movimientos desde las caderas, codos y muñecas con sorprendente sutileza. El vestuario y la iluminación complementaron la construcción de su cuerpo de una atmósfera casi siniestra. Un giro de piqué flotante, pero con base en la tierra, como uno de los pocos movimientos abiertamente técnicos en la pieza, dejó a uno anhelando una mezcla más fluida de movimiento de ballet con eso en el idioma de la técnica de liberación posmoderna.
De manera similar, postmoderno en algunas cualidades fue una pieza siguiente, un extracto de Jorma Elo Cortar para afilar , interpretada por Thomas Davidoff del Boston Ballet II y puesta en escena por Anthony Randazzo. Sin embargo, tenía una energía mucho más atlética. La obra, y la imponente interpretación de Davidoff, recordó esa maravillosa escena de la película de ballet. La empresa donde un bailarín, solo en un espacio tipo catedral, se mueve rápida y poderosamente.
Christian Pforr del Boston Ballet II en 'Slice to Sharp' de Jorma Elo. Foto de Golden Lion Photography.
Davidoff bailó con una forma increíblemente cautivadora de mantener la espina dorsal a través de un movimiento muy técnico y complejo. Este revisor, como crítico con sede en Boston, espera ver a dónde irá en la estructura general del Boston Ballet. Sin embargo, el movimiento fue tan rápido, tan poderoso, tan espectacular, que uno podría desear una mayor nivelación de la velocidad y las energías físicas cuando algo es constante, por falta de oposición, significa menos.
Ahí tuvimos el posmodernismo. El baile de jazz también hizo acto de presencia, con SundanceX Capricho (del Coreógrafo y Director Artístico / Fundador David Sun). Con vocabulario como passés paralelos, diseños e incluso un italiano al estilo Fossesin gato, la pieza estaba ciertamente llena de diversión caprichosa y jazzística. Ofreció un giro al estilo de Balanchine en el clasicismo entregado con estilo y mucho juego de pies rápido. Los colores de vestuario brillantes, uno diferente para el mono de cada bailarina, se sumaron a esa sensación de diversión y estilo. Los bailarines ejecutaron esas difíciles secciones de allegro, así como secciones más lentas con extensiones y giros sostenidos, loablemente.
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Por otro lado, uno podría preguntarse cómo sería la hábil coreografía, y su ejecución, si los bailarines se arriesgaran más con ella. Los lanzamientos al piso se sintieron muy controlados y seguros, por ejemplo, sin un drama que podría haber sido convincente (con la excepción de una bailarina con un traje amarillo). Quizás los jóvenes bailarines, con una técnica impresionante para su aparente edad, se encuentran en una etapa en la que se trata de un dominio técnico o de un enfoque atrevido de su baile. Muestran mucha promesa y potencial. En cualquier caso, Sun hizo un buen uso de los niveles en el espacio y en las secciones del escenario para crear una imagen escénica agradable.
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Beth Mochizuki en 'Reverie' de Kevin Jenkins. Foto de Golden Lion Photography.
La construcción de atmósfera en Ensueño También contribuyó significativamente a la experiencia de la pieza, junto con una retroiluminación tenebrística hábilmente diseñada (diseño de iluminación de Stephen Petrilli). La coreografía de Kevin Jenkins ofreció algo suave y delicioso, los dos bailarines (Beth Mochizuki y Ruth Whitney) movieron las muñecas y movieron la cabeza con elegantes giros y extensiones. Los moños de ballet y las mangas largas, así como las faldas sueltas hasta las rodillas de sus trajes oscuros, realzaban este movimiento simple pero poderoso.
Hubo una alegría alegre como la de Mark Morris resonando a través de todo. Agregando a esa cualidad, la música instrumental de cuerdas, un violín solo cantaba al igual que el movimiento. Con todo, todos estos elementos se unieron para crear una experiencia estética que no debe olvidarse. Sin embargo, una única crítica es el deseo de ver a los bailarines interactuar más. La conmoción de su baile por separado, y la de los momentos relativamente raros en los que se unieron, planteó la pregunta de qué tendría que contribuir eso a la pieza. Con eso, la pieza podría haber sido una experiencia aún más sorprendente, memorable e impresionante para asimilar.
Luego vino el trabajo final, Island Moving Company's Memoria y Vidrio , coreografiado por Rodney Rivera . Un título totalmente apropiado, ya que el contenido emocional era lo suficientemente vívido como para conectar con los recuerdos de cada miembro de la audiencia. Con la mirada, la expresión facial, la calidad del movimiento y la forma de interactuar con otros bailarines, el elenco creó una experiencia emocional, aunque no melodramática, del arte de la danza. También contribuyó a esta experiencia la inteligente e innovadora formación de Rivera.
En una sección, por ejemplo, una fila de bailarines masculinos yacían de espaldas en el fondo del escenario, con un brazo extendido hacia el cielo. La simplicidad contrasta efectivamente con el movimiento virtuoso que pasa en el centro del escenario. En un momento más sutil y dramático, una (de las tres) bailarinas yacía en posición fetal. Sostuvo los tobillos de dos bailarines para que los moviera lenta y suavemente (no era tan agresivo o violento como implicaría 'arrastrar').
Island Moving Company en 'Memoria y Vidrio'. Foto de Golden Lion Photography.
La imagen del escenario luego dijo muchos miles de palabras, algo en él parecía tener tejido conectivo con los milenios de pérdida, amor, anhelo y esperanza de un futuro mejor dentro de la experiencia humana colectiva. Ella se levantó, sin embargo, al igual que otros bailarines que ejecutaron cambios de nivel similares a través (y dentro) de un trabajo de frases elegantemente construido. Todo parecía hacer eco de la línea poética de Maya Angelou, 'Y todavía me levanto ... y todavía me levanto'. Caer y luego volver a levantarse no es solo del pasado o del presente.
Los estilos de danza, clásicos a modernos y posmodernos, tampoco tienen por qué serlo. Memoria y Vidrio , junto con otros trabajos encomiables de este programa, demostró que eso es cierto. Pueden entretejerse, caminar uno al lado del otro y dialogar. Todo puede ser parte de la observación y el comentario crucial que el arte puede ofrecernos. En una época en la que los valores, la diversidad y la unidad, a veces parecen estar en desacuerdo, cuando a veces luchamos por reconciliar la divergencia y la convergencia, recordemos, como lo ilustra este programa, que de hecho pueden ser uno.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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