Addie Tapp y Boston Ballet en 'Giselle'. Foto de Rosalie O'Connor, cortesía del Boston Ballet. Ópera de Boston, Boston, Massachusetts.
19 de septiembre de 2019.
Las cortinas se levantaron en la primera representación de Giselle el 28 de junio de 1841 en el Ballet de la Ópera de París. Aquellos que bailaron o asistieron quizás sabían que el ballet podría ser algo grande, pero no podrían haber sabido que brillaría a lo largo de los siglos como lo ha hecho, convirtiéndose posiblemente en la obra romántica por excelencia en el canon del ballet. Podría decirse que cuando los amantes de la danza piensan en el ballet romántico, piensan Giselle .
Boston Ballet abrió su temporada 2019-2020, nueva lista de bailarines en su lugar, con el clásico. La coreografía fue después de Jean Coralli, Jules Perrot y Marius Petipa, y la obra fue adaptada por Larissa Ponomarenko. La estética y la danza honraron la verdad del origen clásico de la obra al tiempo que salpican una sensibilidad moderna a través de aspectos técnicos y estéticos.
La obertura inicial (de Adolphe Adam, dirigida por Mischa Santora) tenía un elemento ligero y aireado, pero también una línea de armonía profunda que estaba a tierra. Se levantó el telón en un decorado (diseñado por Peter Farmer) de un pueblo clásico que se coloreaba en tonos tierra y un toque espartano, pero también con detalles que creaban realismo. Los aldeanos caminaron y Giselle (Viktorina Kapitonova) se levantó de un asiento para correr también al ver a un joven caballero con una capa roja: el Conde Albrecht disfrazado de campesino Loys (Patrick Yocum).
Boston Ballet en 'Giselle'. Foto de Rosalie O’Connor, cortesía del Boston Ballet.
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Giselle al principio se mostró tímida, pero luego se sometió a su gravedad. Bailaron, con y para el otro, un comportamiento deferente y educado. Kapitonova bailó con una calidad efectivamente pausada y tranquila, y Yocum con una manera agradablemente discreta que dejó que el movimiento hablara por sí mismo. Hubo un pequeño elemento de persecución, Albrecht siguiendo los saltos del jeté de Giselle en un círculo alrededor del escenario. El drama se construyó cuando Hilarion (Paul Craig), un guardabosques del pueblo también enamorado de Giselle, entró. Así comenzó un triángulo amoroso que impulsaría la trágica trama del ballet. Craig se movió con una fuerza y asertividad que hicieron que su personaje se sintiera muy real y convincente.
El ambiente se hizo más ligero cuando los amigos de Giselle entraron y bailaron alegremente. Desde el punto de vista técnico, el movimiento se simplificó de tal manera que la forma en que la técnica del ballet ha progresado a lo largo de los siglos me quedó clara. Sin embargo, el cuerpo de Boston Ballet lo bailó con convicción y terminación, y las formaciones del grupo fueron bastante agradables visualmente, así que quedé muy satisfecho. En un conjunto memorable de formaciones, las líneas pasaron a bailar un vals en círculo, lo que llevó a Albrecht (todavía disfrazado de Loys) al grupo de mujeres jóvenes. Momentos como este empezaron a construir dinámicas sociales y un humor agradable.
El estado de ánimo cambiaba de alegre a misterioso, a menudo dependiendo de las acciones de aquellos en el triángulo amoroso: Albrecht, Hilarion y Giselle. Otros personajes incluyeron la nobleza y la madre de Giselle, Berthe (artista invitada Elizabeth Olds), lo que ayudó a construir un sentimiento auténtico de comunidad de aldea. Al igual que el escenario, el vestuario (también diseñado por Farmer) tenía suficientes detalles para parecer realistas, pero no llegaba a ser superfluo, menos puede ser más, demostraron.
Una secuencia de baile clave fue el pas de deux campesino, bailado por Ji Young Chae y Tigran Mkrtchyan. La calidad del movimiento y la coreografía combinaron maravillosamente la base y la efervescencia. Chae bailó con un final suave pero claro en su movimiento, y Mkrtchyan con facilidad y agilidad en movimientos rápidos como una mariposa flotante. Los amigos de Giselle volvieron a bailar con alegría, reforzando la sensación de celebración. Bailaron líneas de petit allegroin rápidas, suaves y ligeras, y luego se dispersaron para mezclarse con su audiencia, los aldeanos. La elegante sencillez lo caracterizaba todo.
Esta atmósfera alegre no duraría, sin embargo, con Giselle descubriendo la verdadera identidad de Loys. Se movió a través del escenario como si fuera tomada por un hechizo de locura, su antigua gracia desapareció - tropezando, cayendo de lado, convulsionando y cayendo al suelo. Llevaba una espada, con la que tuvieron que convencerla de que no se quitara la vida. Su cuerpo exhausto y su corazón roto finalmente se rindieron y ella cayó y murió. Cayó el telón y el Acto I estaba completo.
El segundo acto tuvo lugar en un bosque neblinoso, el hogar de los Willis, espíritus de mujeres traicionadas. Liderados por su reina Myrtha (Dawn Atkins), obligarían a cualquier hombre que entrara en sus dominios desde la medianoche hasta las seis de la mañana a bailar hasta morir. El conjunto de Farmer se redujo, con la cantidad justa de detalles convincentes, también en este acto. La iluminación (diseñada por Brandon Stirling Baker) creó un sentido misterioso y de otro mundo. Albrecht entró, pareció buscar y vio a Giselle antes de que fuera iniciada como Willi. Tenía una cualidad suave pero decisiva en su movimiento, dando vueltas al escenario con pequeños saltos.
Albrecht salió y pronto entró Hilarión. ¡Los Willis estaban listos para hacerlo bailar hasta su muerte! Como en el primer acto, el vocabulario de la puesta en escena y el movimiento era simple pero de alguna manera también intrigante y único. El centro del escenario Circles of Willis se movió en líneas, inclinadas o rectas, hacia un lado, despejando el camino para dúos y solos (de los principales actores de Myrtha, Giselle e Hilarion, que también entrarían).
Boston Ballet en 'Giselle'. Foto de Rosalie O’Connor, cortesía del Boston Ballet.
Los brazos en forma de círculo sobre la cabeza, quinto en haut, se desviaron del centro y las muñecas se cruzaron cuando el Wilis giró en punta. Este motivo de movimiento fue visualmente satisfactorio y aportó una sensación de otro mundo, lo trágico, lo fantasmal. El azul de la iluminación, la niebla fluyendo a través y las sombras de las ramas espinosas de los árboles y las ramas que lo atraviesan, se sumó a esta sensación etérea. Momentos de sostenimiento en movimiento, como Willis sosteniendo arabescos, permitieron que la luz golpeara y las sombras cayeran de tal manera que este sentimiento fantasmal era aún más claro. Todo era una verdadera simplicidad clásica.
El trabajo en pareja, aunque con esa franqueza clásica, tuvo salpicaduras de lo más original y moderno en un momento memorable en el que Albrecht giró a Giselle mientras sostenía su cuerpo horizontalmente, con los brazos en esa quinta en haut, por ejemplo. Yocum aún traía esa claridad efectivamente subestimada, y Kapitonova aún traía esa cualidad pausada, que se sentía aún más hábilmente fiel al personaje en este acto. El drama se construyó y sus personajes se mantuvieron fieles como lo hizo.
Los Willis se acercaron, bailando más rápido y más frenéticamente, cruzando líneas en el centro del escenario y en nuevas formaciones en un punto, por ejemplo, la acción al mismo tiempo dinámica.
Albrecht casi fatalmente agotado por los Willis haciéndolo bailar durante horas, Giselle lo ayudó a levantarse. Las criaturas nocturnas bailaron detrás de los dos, arrodillados y sus torsos y brazos moviéndose hacia adelante y hacia atrás, unidos y claros. Cuando el sol comenzó a salir y los Wilis perdieron su poder, Giselle fue liberada de su control porque su amor trascendió la muerte. Albrecht quedó en el centro de atención para pensar en todo lo que acaba de suceder. Un hombre solo en sus pensamientos, un hecho clásico y simple. Un ballet romántico por excelencia como Giselle , presentado con el ingenio y la excelencia general de una compañía como Boston Ballet, puede recordarnos el valor de una simplicidad tan clásica.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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