'Órbita ineludible' del Ballet Theatre José Mateo: bailes gravitacionales

José Mateo Ballet Theatre 'Órbita ineludible' del Ballet Theatre José Mateo. Foto de Gary Sloan.

The Sanctuary Theatre, Cambridge, Massachusetts.
6 de mayo de 2017.




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'No quiero caer ni un momento más en tu gravedad', canta la estrella del pop Sara Bareilles en su exitosa canción. Gravedad . No se refiere a la fuerza invisible que mantiene nuestros pies en la tierra y nuestro planeta orbitando alrededor del sol. Quiere decir una fuerza de atracción intangible, irresistible e infatigable, hacia alguna otra cosa o persona.





Cuando el arte de la danza sobresale, puede tener ese atractivo sobre nosotros. Nuestras mentes modernas dispersas solo pueden enfocarse en la belleza que tenemos frente a nosotros. Sentimos los giros, los alcances y las caídas de los bailarines en nuestra piel y huesos. Realmente hay que vivirlo en vivo, en los mismos momentos en que los bailarines respiran y miran, para ser plenamente apreciado. A menudo, también es efímero e insustituible cómo los elementos visuales y auditivos de apoyo de una actuación se fusionan con el movimiento, para convertirse en algo más que la suma de sus partes.

José Mateo Ballet Theatre’s Órbita ineludible ofreció este tipo de cohesión multimedia que emerge como magia escénica. Y, aunque no sin áreas de crecimiento, el trabajo presentó verdaderos momentos de ese tipo de arte al que uno no puede evitar sentirse atraído por completo, al igual que nuestra luna se siente atraída a orbitar alrededor de nuestro planeta.

Subrayando este efecto de la magia escénica, en su carta de programa, José Mateo (coreógrafo de la compañía, director artístico y fundador) dijo: “Espero que la música y la danza de… este programa los impulse a una órbita exterior de la cual escapar no importará. '



El primer trabajo, Riesgo de repetición , exploró y demostró posibilidades dentro de una estructura de frases repetidas. Lejos de ser rutinario, el trabajo también atrajo lo inesperado, a partir de la apertura de un grupo de bailarines dando pequeños pasos.en puntode espaldas a la audiencia. ¡No es una apertura trillada en lo más mínimo!

El uso del cañón, con movimiento pintado con pinceladas de matiz ligeramente diferentes por cada bailarín, también ayudó a que la repetición no envejeciera. Las capas del movimiento siguieron despegándose. Una asociación fluida, pero sólida, contribuyó a que se materializaran estas gradaciones.

Los pares también trabajaron juntos como equipos verdaderamente colaborativos. Las frases repetidas entre ellos se hicieron eco de los hábitos a los que volvemos en las relaciones, románticas o no, para bien o para mal. La solista Joanna Binney ejecutó un juego de pies nítido y momentos inesperados, como una intrépida liberación al suelo. Su compañera, Spencer Doru Keith, ofreció extensiones de longitud infinitamente expansiva: una línea geométrica sin fin.



Sin embargo, uno podría preguntarse qué podría haber resultado de una mayor interacción entre estos pares, quizás más contexto en torno a sus relaciones. Quizás eso sea buscar un significado donde no es necesario. En cualquier caso, los disfraces y la iluminación en un esquema de cuello lavanda celebraron la temporada de primavera. A riesgo de que se repita, nos regocijamos con la llegada anual de la primavera. La energía alegre de esta pieza podría ser parte de ese regocijo.

Esta primera pieza ciertamente tuvo sus toques contemporáneos, pero la segunda, Aguas tranquilas , tenía un estilo más moderno todavía. Una frase convincente en este estilo, por ejemplo, era unalatidos por segundo,seguido de un roce del dorso de la mano por el rostro y un cierre de las piernas en paralelo. Luego, los codos se levantaron para crear brazos curvados en forma de alas. La música de voces corales superpuestas sobre instrumentación ('Nocturne III' de Claude Debussy) comenzó a construir una atmósfera celestial y etérea.

Contribuyendo a esa atmósfera estaban las imágenes en movimiento, en los cuerpos fluidos de los bailarines, como un passé paralelo con muñecas móviles. Algo en él encarnaba el vuelo de los ángeles. Disfraces e iluminación azules alineados con esa sensación celestial. El título quizás implicaba una unión del cielo y la tierra, el azul arriba y abajo. Una armonía general coincidía con ambos. El único elemento que no parecía alinearse completamente con esta atmósfera era una solista (Angie DeWolf) vestida de rojo.

Quizás ella representó las fuerzas invasoras de la ira y la lucha que pueden filtrarse en atmósferas positivas y pacíficas. El movimiento de ella para aclararlo un poco, se podría argumentar, podría ser un elemento valioso para desarrollar en futuras puestas en escena de la obra. Independientemente, la pieza anterior estaba llena de intrigante tensión espacial, de construir un espacio negativo. Este ofreció un plegado de formaciones, como la mezcla de ingredientes para hornear para hacer una masa. Fue igual de suave y agradable de experimentar.

El trabajo final, asuntos , fue un estreno. Como las cinco piezas, invitó, si no atrajo directamente, a la audiencia a su mundo. Como Aguas tranquilas , la coreografía contenía vocabulario de movimiento cuasi-contemporáneo, como giros de lápiz y codos doblados (más que en el clásico port de bras ). Los bailarines demostraron su versatilidad al realizar este movimiento de manera limpia e inteligente.

DeWolf (también solista en esta pieza), por ejemplo, mostró un apasionado empujón y tirón de fuerzas físicas a través de su cuerpo, un encomiable equilibrio de dominio técnico y la osadía de asumir riesgos. Roger Creel, quien reemplazó a Colton West en el papel, también ofreció un comando técnico simultáneo y una individualidad intrigante en su firma de movimiento. Era difícil mirar hacia otro lado mientras giraba, saltaba y serpenteaba por su columna. Magdalena Gyftopoulos era su compañera habitual, una movida suave y fuerte. Más allá de ellos, los bailarines en formación eran igualmente convincentes.

Un momento sorprendente, por ejemplo, fue cuando tres bailarinas, una en rojo intercalada en una línea por dos en azul, caminaron hacia atrás enrelevo. La forma en que la luz los golpeó fue impresionante. Otro fue con una sección de bailarines dando vueltas alrededor del centro del escenario. Parecía como si el centro, con un misterio propio, de alguna manera, mantuviera a los bailarines en órbita por atracción gravitacional.

Para terminar, un bailarín se paró solo en el escenario. Nos involucramos en los asuntos de varias relaciones, pero al final, la única verdaderamente duradera y consistente es aquella con nuestra propia conciencia. Estos momentos se encuentran entre aquellos en el verdadero arte de la danza que demuestran cómo la mayoría del arte de la danza debe experimentarse en vivo para ser experimentada verdadera y plenamente. Esa capacidad de apreciar y saborear la experiencia estética, lo que a menudo no podemos expresar con palabras, es parte de nuestra propia humanidad.

“Algo en nosotros siempre se sentirá atraído a orbitar en torno a las posibilidades de crear y hacer arte: soñar, imaginar, construir, innovar ... si uno dice que alguna vez escapamos de esa órbita, entonces habremos perdido parte de nuestra esencia misma, Mateo afirmó en su carta de programa. No puedo decirlo con más claridad y veracidad que eso.

Por Kathryn Boland de Dance Informa.

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