Boston Ballet en 'Donizetti Variations' de George Balanchine. Foto de Rosalie O'Connor, cortesía del Boston Ballet. Ópera de Boston, Boston, Massachusetts.
23 de marzo de 2017.
'Todo vale en el amor y la guerra', dicen. Se podría agregar arte a eso, lo que significa que, si están bien elaborados e intencionalmente, todos los enfoques artísticos pueden tener valor. Dadas las infinitas posibilidades del cuerpo humano y su combinación con otros medios artísticos, eso es especialmente cierto en la danza. Algunas compañías de danza exhiben la versatilidad y la forma decidida de trabajar que les permite ofrecer trabajos en cualquier enfoque artístico, con gracia y estilo. Con Alas de cera , Boston Ballet demostró una vez más que son una de esas empresas.
Boston Ballet en 'Donizetti Variations' de George Balanchine. Foto de Rosalie O’Connor, cortesía del Boston Ballet.
El primero de los tres trabajos del programa fue Variaciones Donizetti, una nueva puesta en escena de George Balanchine de estilo bastante clásico. La estética visual del vestuario celeste, blanco y rosa (para las bailarinas) y un telón de fondo celeste a juego construyeron una base armoniosa y agradable para el baile que se avecinaba (vestuario cortesía del Miami City Ballet). Casting de tres bailarines y seis bailarinas permitieron formaciones ordenadas de triángulos, líneas de parejas y otras exploraciones numéricas. Los cambios frecuentes en esas formaciones, así como el tempo, trajeron intriga y un sentido de diversión a esta cualidad ordenada.
Característica de las obras de Balanchine,alegrofue una velocidad vertiginosa. En masadagiolas secciones, líneas y extensiones eran fluidas y pulsaban con energía. Una sección que contenía ambas cualidades presentaba uno de los tres pares en los que la primera bailarina giraba, ofrecía unarabescoypropensión, y las otras dos parejas la siguieron. También característicos de las obras de Balanchine fueron los momentos irónicos que insinúan tendencias posmodernas como el metanálisis (el arte se comenta a sí mismo), incluido uno de una bailarina que aparentemente se golpea el dedo del pie, revisándolapuntozapato y regresando a su lugar en formación. Una obra bastante clásica en general, pero momentos más modernos fueron sin duda un juego limpio, y se sumaron al deleite que ofrecía la pieza.
El siguiente trabajo fue el homónimo del programa,Jirí Kylián's Alas de cera. Lo que llamó la atención de inmediato fue un árbol al revés, con muchas ramas desnudas. La poca iluminación y los trajes negros contribuyeron a una calidad espartana generalizada. Un reflector itinerante que giraba en círculos sobre nuestras cabezas contribuía al misterio general. A veces, los bailarines se acercaban bastante a las ramas más bajas del árbol colgante, y las alusiones al cuento de Ícaro y sus alas fundidas eran bastante claras. Sin embargo, esas alusiones tenían más capas y matices que una simple referencia, tal vez una reformulación del viejo cuento para las complejidades del mundo moderno.
Boston Ballet en 'Wings of Wax' de Jirí Kylián. Foto de Rosalie O’Connor, cortesía del Boston Ballet.
Parte de esa reformulación fueron referencias a las cualidades de las interacciones humanas. Los bailarines compartieron y resistieron el peso de los demás, manipulando hábilmente los tirones de las fuerzas cinéticas. Las parejas con las muñecas cruzadas tenían a una bailarina aparentemente patinando sobre marley en un plié bajo y jugoso, por ejemplo. Hubo tanto un tirón hacia el otro como una resistencia. Aparte de cualquier comentario social, este uso del peso y la gravedad fue hermoso de contemplar. Hubo otras frases tan hermosas que podrían haber ofrecido comentarios sociales poderosos, pero son bastante valiosas aparte de eso.
Uno de esos momentos fue con un grupo de bailarines caminando lentamente en su lugar mientras otro bailaba atlética y rápidamente frente a ellos y alrededor de ellos. A menudo nos movemos a diferentes velocidades y, a veces, nos extrañamos. Pero, inevitablemente, compartimos espacio y tiempo. Sin embargo, esta sección fue realmente algo para experimentar sin tal interpretación. El trabajo concluyó de manera similar, con una pareja de hombre y mujer envolviéndose desde el pecho hasta la cabeza, plegándose y luego soltándose para cambiar de lado. Continuaron alternando lados con ese movimiento mientras caía el telón. Fue un final fascinante de experimentar, y también uno potencialmente rico en significado sobre la naturaleza cíclica de nuestras vidas y las relaciones dentro de ellas. La pieza nos llevó al reino posmoderno mucho más de lo que el primero se atrevió a aventurar. Sin embargo, cada obra ofrecía algo especial en sí mismo.
El tercer y último trabajo del programa, Alexander Ekman's Cactus , era aún más posmoderno. El enfoque metaanalítico fue evidente desde el principio, con comentarios sobre la forma en que las fuerzas artísticas clásicas y contemporáneas tienden a chocar pero luego pueden reconciliarse a través del compromiso y la colaboración. Los músicos emergieron de las sombras mientras los bailarines se levantaban, moviéndose con intrigantes y poco convencionalesport de braspatrones. La niebla se elevó desde las sombras hasta las luces tenues (diseño de iluminación de Tom Visser). Esta atmósfera misteriosa era alegre y enérgica, en lugar de angustiada. La percusión corporal y de suelo, por ejemplo, aportó un ritmo cautivador. Las frases de movimientos sumamente atléticos eran igualmente cautivadoras.
Otros momentos del cuadro ofrecieron un contraste convincente con ese movimiento atlético y frenético. Un momento pintoresco, por ejemplo, fue uno en el que todos los bailarines se arrodillaron, extendieron un brazo a la altura de los hombros mientras todos miraban en esa dirección. El nivel general en el espacio se elevó cuando los bailarines levantaron sus tablas blancas, para bajarlas y volver a subirlas. Más hazañas atléticas adornaron el escenario cuando los bailarines saltaron y desaparecieron detrás de sus tablas. El significado se profundizó a medida que la narración reiniciaba. El orador identificó estos tablones blancos como “pedestales de marfil” y mencionó cómo los artistas han vivido y se han escondido detrás de estos pedestales.
Boston Ballet en 'Cacti' de Alexander Ekman. Foto de Rosalie O’Connor, cortesía del Boston Ballet.
Con la tensión racial en Estados Unidos de los últimos tiempos, uno no puede evitar absorber esto como un comentario sobre cómo las artes, en el acceso a su creación, educación y audiencia, son parte de ese diálogo necesario sobre la raza. Sin embargo, todo se mantuvo alejado de ser demasiado embriagador, serio o proselitista. “Son los cactus”, afirmó el narrador, con muchas posibles interpretaciones, sí, pero lo suficientemente inesperadas y aparentemente sin sentido como para hacer reír a los espectadores. Dejando todo eso a un lado, la belleza de los bailarines que caminan lentamente, como si estuvieran en una meditación caminando, con poca luz, fue impresionante. Luego, los bailarines usaron sus 'pedestales de marfil' para crear lo que parecía la cara frontal de un edificio. ¿Carrera como construcción? Entonces uno puede conjeturar.
Sin embargo, todo siguió siendo lo suficientemente alegre como para no sumergir a los miembros de la audiencia en una discusión sobre la raza. La clave de esa ligereza fue un dúo con dos bailarines aparentemente en ensayo, más narración de voz en off ofreció su diálogo irónico mientras trabajaban en ciertas frases de movimiento. Los dos bailarines resistieron y se plegaron el uno en el otro con tanta naturalidad como caminar. Su comodidad en su asociación probablemente ayudó a que la audiencia se sintiera completamente cómoda, lo suficientemente cómoda para reír. Desde la diversión, el asombro, la curiosidad y el pensamiento más profundo, el arte puede ofrecerlo todo. Y Boston Ballet es una compañía que tiene la apertura y el dominio artístico para explorar todas estas posibilidades. Todo es juego limpio.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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