'Maze' en The Shed: Hip hop dentro del arte contemporáneo

'Maze' en The Shed.

The Shed, Nueva York, NY.
24 de julio de 2019.



Laberinto es un encargo del cobertizo de estreno mundial con bailarines de The D.R.E.A.M. Ring y el programa FlexNYC de The Shed. Fue codirigido por Reggie 'Regg Roc' Gray y Kaneza Schaal y se presenta en The Shed hasta el 17 de agosto.




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El estilo principal representado es el flexn, una forma de baile callejero con raíces jamaicanas. La pieza pretende, mediante el uso de un “laberinto de luz”, explorar los acertijos y la poesía de la convivencia humana y las fuerzas visibles e invisibles presentes en el mundo que nos rodea.

La pieza comienza con el público esparcido por el gran teatro de caja negra y enormes X de luz danzan alrededor de la sala. Después de unos minutos de charla, los bailarines comienzan a ingresar al espacio, uno por uno al principio, pero luego en grupos hasta que se dispersan entre los miembros de la audiencia. Algunas personas ven paralizadas al principio, mientras que otras inmediatamente sienten su libertad para caminar por el espacio mientras los bailarines se juntan en parejas debajo de cada X brillante.

'Maze' en The Shed.



Algunas cosas son inmediatamente sorprendentes. Por un lado, la gran variedad de tipos de cuerpos que representan los bailarines (algo que aprecié tanto estéticamente como por el mensaje que transmitían). Además, los disfraces ponen énfasis en marcas como Nike, Supreme y otras marcas importantes de ropa de calle (que se sintió como una elección muy consciente y un posible comentario). Había un límite fluido, tanto físico como metafísico, entre la audiencia y los artistas intérpretes o ejecutantes (dejando a la audiencia con una sensación de autonomía, que muchos expresaron sacando sus teléfonos para grabar videos y tomar fotografías, vitorear con regularidad y moverse por el teatro) .

La configuración inmersiva inicial produjo una sensación de galería (que luego será reemplazada por una disposición más tradicional de audiencia sentada al frente), y mientras caminaba entre cada dúo, sentí como si estuviera caminando de pintura en pintura, mirando hasta que estuve satisfecho con mi comprensión de lo que se estaba presentando y luego pasé a la siguiente 'imagen'. Aunque al principio encontré que los miembros de la audiencia en sus teléfonos me distraían, mi irritación pronto se convirtió en una apreciación de la falta de preciosismo y pretensión en la sala a pesar de estar ubicada en un lugar de vanguardia con un alto valor de producción.

A medida que la batería en vivo comenzó a crecer, las parejas cambiaron de lugar cíclicamente entre sí, culminando en un cuadro central. Disfruté la forma en que la audiencia formaba orgánicamente un círculo alrededor del grupo, y era consciente de que los artistas probablemente no sabían exactamente cómo reaccionaría espacialmente la audiencia a la obra considerando que era la noche del estreno. A partir de este momento central, los bailarines se despegaron uno por uno, dejando a un hombre alto y delgado con pantalones azules cuyo solo de flexn (un punto culminante definitivo de la noche) alternaba entre staccato y deslizamiento y fue el primero de muchas secciones que provocaron jadeos.



El factor 'asqueroso' de los hombros saliendo de la cuenca y los brazos girando en posiciones imposibles sirvió como una línea para la noche, y fue la columna vertebral de algunos de los momentos más exitosos de la pieza. Las contorsiones aparentemente imposibles transportaron el laberinto espacial de luces en el teatro (representativo quizás del laberinto del mundo sociopolítico) al individuo, sugiriendo que el cuerpo (y particularmente la mente) también es laberíntico.

'Maze' en The Shed.

Otros tropos incluyeron trucos de sombrero y mímica, aunque ninguno tuvo tanto éxito como el léxico flexn deformado. Casi la mitad de los hat tricks terminaron en un sombrero caído, y gran parte de la mímica se sintió exagerada y carente del contacto real que podría haber proporcionado. También hubo algunos casos de tutting, que fueron muy fuertes y llamativos. Me encontré deseando que las frases de tutting duraran más y fueran llevadas más lejos, especialmente cuando los bailarines usaban el vocabulario para manipular físicamente los cuerpos de los demás.

Otro punto a destacar fue la poderosa música en vivo que acompañó el trabajo en yuxtaposición con música rap intercalada en los intervalos adecuados. Desde susurros de '¿no sucedió esto antes?' Hasta la percusión tribal intensa y las melodías gospel, la partitura de sonido variada pasó sin problemas de una canción a otra. La canción final no fue una excepción, un vocalista salió al espacio y cantó a capella mientras uno de los intérpretes con el 'cuerpo de bailarina' menos estereotipado se movía con fervor por el escenario. Sin embargo, la continuidad de la música resaltó inadvertidamente la agitación de muchas de las transiciones de la interpretación y, en algunos puntos, la energía de los bailarines parecía inferior a la de la música.

Laberinto exploró numerosos elementos de la experiencia negra en Estados Unidos, desde la violencia con armas de fuego y la brutalidad policial hasta la fe inquebrantable en un Dios cristiano, la actividad de pandillas y más. Si bien hubo algunas iteraciones efectivamente originales de estos problemas, muchas de las escenas se sintieron exageradas y obvias. Otro factor que contribuyó a las deficiencias de algunas partes de la pieza fue que los bailarines parecían tener distintos niveles de habilidad y compromiso. Los bailarines más comprometidos tenían los ojos muy abiertos, casi espeluznantes y llenos de intensidad animal, mientras que algunos de los otros tenían la cara inexpresiva (una niña incluso estaba sonriendo, lo que era bastante confuso).

Sin embargo, Laberinto es una recontextualización exitosa del hip hop dentro del mundo del arte contemporáneo, y me quedo con ganas de más. Más hip hop en el mundo del “arte elevado”, más interacción entre el hip hop y otros estilos, y más laceración de etiquetas.

Por Charly Santagado de Dance Informa.

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