'¿Qué es el amor?' De Jennifer Kuhnberg: coreografía de la experiencia personal

Compañía de Danza OnStage '¿Qué es el amor?' De OnStage Dance Company. Foto de Andres Calderon / Fama Films.

Compañía de danza OnStage, Malden, Massachusetts.
12 de julio de 2019.



Los buenos escritores escriben sobre lo que saben, dice un viejo aforismo. ¿Eso también es cierto con los coreógrafos? ¿El arte de la danza más efectivo proviene de una fuente de experiencia personal? Puede que esa no sea una pregunta que podamos responder científicamente, pero Jennifer Kuhnberg ¿Que es el amor? demostró que la experiencia personal puede engendrar un poderoso arte de la danza.



Kuhnberg, fundadora y directora artística de OnStage Dance Company, coreografió el programa a partir de su experiencia como mujer lesbiana. Los conceptos fueron apasionantes y las actuaciones totalmente invertidas. Dos cosas en particular destacaron en el trabajo coreográfico de Kuhnberg: una fuerte musicalidad y un vocabulario de movimiento fresco. Las opciones inteligentes y únicas en estas y otras áreas fueron evidentes desde la primera pieza, “Astronaut”.

Los bailarines comenzaron la pieza en la parte trasera de la casa, lo más lejos posible del público, como si estuvieran pegados a la pared. Las luces eran bajas y en rojo y azul (diseño de iluminación de Jason Ries). Todas estas cosas combinadas, sentí un aire de misterio. De inmediato, los bailarines corrieron hacia el público y se esparcieron por el espacio escénico. Bailaron su propio movimiento, pero todos se movieron con una energía frenética a juego con la partitura (“Astronaut” de Amanda Palmer). Los bailarines se establecieron en formación en líneas y se movieron al unísono, creando un marcado contraste con lo que acababa de ocurrir.


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Compañía de Danza OnStage

'¿Qué es el amor?' De OnStage Dance Company. Foto de Andres Calderon / Fama Films.



La forma en que las luces azules al costado del escenario iluminaban a los bailarines mientras se movían también se sentía satisfactoriamente dramática. El movimiento al unísono se acercó al suelo y volvió a esa frenética cualidad. Kuhnberg estaba dando con una plétora de diferentes formas en las que el grupo podía moverse: en calidad, en espacio, en relación con la música. El movimiento parecía transmitir fuerza y ​​determinación, incluso una sensación de lucha: pies flexionados, rodillas levantadas, brazos hacia abajo. El movimiento en general tenía una combinación única y convincente de círculo y ángulo en su forma.


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La alternancia adicional entre el unísono y el movimiento individual llenó el resto de la estructura de la pieza, incluyendo también algunas asociaciones sorprendentes. Para finalizar la pieza, los bailarines volvieron a la pared del fondo, permaneciendo aparentemente pegados allí tal como estaban al principio de la pieza. Esta estructura hablaba de encontrar la libertad pero luego volver al confinamiento, además de ser una elección creativa simplemente única e intrigante.

'Juventud' llegó dos números después. Como muchas otras piezas del programa, utilizó la voz en off como una forma poéticamente concisa de reforzar el tema y el significado. Los bailarines caminaron por el espacio mientras la voz en off de la charla TEDxUSD de Tiffany Graham citaba las alarmantes condiciones de los jóvenes LGBT sin hogar. Todos llevaban mochilas y algunos tenían capuchas. Una atmósfera áspera y cruda fue evidente desde el principio.



Muy pronto, la música (“Youth” de Daughter) reemplazó la voz en off. Los bailarines se movieron en 'jardineras' (líneas escalonadas para que todos pudieran verse) y comenzaron a moverse al unísono. La organización que llegó aquí dio forma grata a esa atmósfera cruda, que aún estaba presente y evocadora. El movimiento alcanzó los acentos musicales de una manera muy satisfactoria: en una frase memorable, las manos a una cadera y luego a la otra, un brazo hacia arriba y luego una pierna explotando hacia atrás con una rodilla doblada.

Los bailarines rompieron al unísono en ciertos puntos, lo que resultó en algunos momentos particularmente llamativos. Como uno, algunos bailarines apoyaron a otra bailarina, ayudándola a pararse. Al principio, pareció resistirse a la ayuda. Esta elección coreográfica decía mucho sobre dar y recibir apoyo en tiempos difíciles (para el receptor y dotante). Los bailarines se marcharon con sus mochilas. Tenía la sensación de que no tenían más remedio que continuar, a pesar de los desafíos que enfrentan. Me entristeció, pero también me inspiró la fuerza y ​​la resistencia de estos jóvenes.


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“Flowers” ​​fue un solo memorable en el segundo acto, interpretado y coreografiado en colaboración con Marisa Cohen. La voz en off volvió a ser eficaz para transmitir el mensaje de forma poética. Transmite la experiencia del divorcio de una mujer lesbiana. El nivel de energía y ataque en el movimiento de Cohen se alineó con los reflujos y flujos de la voz en off. El movimiento virtuoso, como un giro de hombros sorprendentemente controlado en una división sostenida en el aire, se fundió en momentos más sobre sus emociones y el drama de todo.

En algunos de esos momentos más centrados en la teatralidad, extendió papeles y otros objetos por el espacio, alrededor de unas mesas (evocando un espacio hogareño). Era como si quisiera que su entorno físico reflejara su entorno mental. En otros momentos memorables, se recostó en una de las mesas, como si su lucha mental y emocional hiciera que soportar su propio peso fuera demasiado difícil de manejar. En general, el trabajo demostró cómo la teatralidad y el movimiento complejo pueden unirse para crear algo verdaderamente significativo.

'Estoy aquí' fue conceptualmente impactante. Tres bailarinas (Sarah Drinkwater, Teresa Farella y Alice Rufo) se vistieron y desnudaron, cada una con su propio espejo. Ilustraba a mujeres que luchan con la imagen corporal y al mismo tiempo quieren ser vistas por algo más que su apariencia. La presencia de este tema en este programa en particular subrayó cómo las mujeres lesbianas comparten los triunfos y las luchas de las mujeres en general.

'Kissing You' llevó eso aún más lejos, ilustrando dinámicas dentro de una relación lésbica que son como las de las relaciones heterosexuales. Parece que la experiencia de Kuhnberg le permitió sacar a la luz estas verdades en este programa. Su voz coreográfica única, el uso inteligente de la música y la voz en off, y el hábil compromiso del elenco solo reforzaron esa fuerza. Todo se unió para ofrecer un producto significativo y memorable.

Hoy en día abundan las conversaciones sobre la identidad y la protección de los marginados entre nosotros. Los artistas con experiencia directamente relacionada en estas conversaciones pueden tener un verdadero impacto en ellos con su trabajo, en particular con el trabajo tan bien hecho como el de Kuhnberg. ¿Que es el amor?

Por Kathryn Boland de Dance Informa.


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