'Out of Ruin' y 'Emerge' de Island Moving Company: el arte vuelve a unir a las personas

Cardines Field, Newport, RI Blithewold Mansion, Bristol, RI.
2 de octubre y 9 de octubre de 2020.

Algo especial del arte en vivo es cómo une a las personas en el espacio. En la danza, esta creación de comunidad física se encuentra con su oferta única de lo efímero del movimiento en el espacio, un grupo particular de individuos están juntos en el espacio por primera y última vez, para ver una actuación que tampoco volverá a ser la misma. Muchos artistas de danza han presentado películas de danza encantadoras y otras ofertas socialmente distanciadas en los últimos meses, pero simplemente no es lo mismo que sentarse juntos para experimentar una actuación en vivo. Esta dinámica fue parte de la razón por la cual las dos presentaciones de la temporada de otoño de Island Moving Company (IMC) con sede en Newport, RI, se sintieron tan especiales, aparte de las actuaciones en sí mismas bellamente creadas e interpretadas.

El primero de ellos fue una proyección al aire libre de la película de danza de la compañía, Fuera de la ruina , dirigida por la cineasta de danza Marta Renzi y coreografiada por el director artístico de IMC Miki Ohlsen y la directora artística asociada Danielle Genest. Ohlsen y Genest conceptualizaron la película, inspirándose en un poema de Patience Strong. Los miembros de la audiencia se reunieron para mirar desde sillas de jardín socialmente distanciadas en Cardines Field, el hogar histórico de los Newport Gulls. Mirando las bases y el plato de home desde mi silla en los jardines, me reí un poco al pensar que nunca hubiera pensado que vería bailar desde un campo de béisbol, pero, oye, 2020 se trata de hacer que funcione como sea posible, en y fuera del sector de la danza. Incluso aunque la presencia de COVID se asomaba a través de cosas como que todos usaban máscaras y controles de temperatura al ingresar, después de seis meses, una vez más estaba en comunidad con otros para experimentar el arte de la danza. No hay sensación como esa.

También fue maravilloso escuchar a los funcionarios electos de Rhode Island de los niveles federal, estatal y local. Cada uno hablando durante unos minutos, discutieron la importancia de las artes para la calidad de vida, la economía y mucho más, así como lo que están haciendo para obtener asistencia crucial para el sector de las artes en este momento desafiante. Con la puesta de sol finalmente bajo el horizonte, luego vino una película corta de 'making of' antes de la presentación del largometraje, Fuera de la ruina . Ofrecía información intrigante sobre el proceso creativo detrás de la película sin prescribir un significado o revelar demasiado antes de que se mostrara la película, un equilibrio difícil de lograr.

Luego Fuera de la ruina empezado. Las primeras tomas son de bailarines asomando la cabeza, y luego las extremidades, desde detrás de las paredes pintadas con graffiti. Miran a su alrededor como si estuvieran buscando, buscando aprender más sobre lo que hay ahí fuera. Hay una simplicidad pero también un peso emocional en su presencia, además de elementos estéticos de apoyo, una cualidad que continuaría durante el resto de la película. La partitura es un elemento clave que sustenta este sentimiento, con una ligereza pero también de alguna manera con profundidad. En ciertos momentos, cuando la partitura está en silencio, el roce de los zapatos de los bailarines a través de caminos de tierra y concreto también es emocional y estéticamente resonante.

Sus cuerpos parecen muy arraigados, su centro de gravedad se mantiene algo bajo y una conexión con el suelo evidente. Sin embargo, los bailarines también alcanzan como si anhelaran ver más allá de donde están. Sus caminos a través del espacio son circulares, transmitiendo continuidad. El estado de ánimo cambia a medida que nos movemos dentro de una estructura, con sombras oscuras y profundas, pero también luz que entra por las ventanas arqueadas. Un nuevo frenetismo está en el aire a medida que se mueven más rápido y la partitura se vuelve más dinámica. Todavía se mueven en caminos circulares, aprovechando al máximo la amplitud del espacio. El vocabulario del movimiento tiene una base de ballet, como líneas largas y rotación externa frecuente, pero en la forma y el tenor de la fluidez, es bastante único y fresco.

A continuación, los bailarines se trasladan a un escenario menos afectado por herramientas y máquinas hechas por el hombre, a un claro del bosque. El tenor de la partitura también llega a sentirse más esperanzado. Tienen más espacio para moverse, hasta el cielo, y algunos bailarines levantan a otros hacia las nubes. La forma en que sus cuerpos se cruzan a través de las líneas y otras formas del movimiento es fascinante y sorprendente. La imagen visual es suave y nítida al mismo tiempo. A medida que una nueva sensación de caída entra en su movimiento circular, siento una nueva armonía y una sensación de posibilidad expandida.

Una escena final los tiene bailando en un gran campo junto al mar. Aún más armonía y posibilidad se sienten a mano a medida que se mueven por todo el espacio por el que uno podría querer moverse. Los colores del cielo antes de la puesta del sol se sienten nada menos que mágicos. La partitura se suaviza gradualmente, una partitura de piano resonando, evocando una contemplación e introspección, un sentido con el que podemos relacionarnos en estos tiempos. La esperanza, la resistencia y la persistencia de la belleza brillan incluso cuando la pantalla se desvanece en los créditos y luego se oscurece con el final de la película. Los bailarines de la película salieron de la ruina, y nosotros también, y lo haremos.

La empresa realizó su Surgir programa el siguiente fin de semana, algunas ciudades en Blithewold Mansion. Se instaló un escenario al aire libre en el césped increíblemente grande frente a la mansión, con vista al agua. La puesta de sol fue espectacular cuando los miembros de la audiencia (todos enmascarados y con control de temperatura) se acomodaron en mantas y sillas. El programa comenzó con Dejame presentarte , un estreno de 2020 coreografiado por Colin Connor. El programa explica cómo la capacidad de los bailarines para bailar juntos y volver a compartir espacio, aire y la “sensualidad ingeniosa de la música” inspiró la obra. Katie Moorhead bailó un solo como parte inicial de la obra, iluminada por un arco iris de luz y acompañada por una partitura de jazz (de Gershwin's Tres preludios ).

Moorhead, siempre expresivo, bailaba con líneas que devoraban el espacio y una columna vertebral que ondeaba con matices musicales y se rindió maravillosamente a la gravedad. Emily Baker y Gregory Tyndall siguieron bailando, su movimiento equilibrando y mezclando angularidad, circularidad, peso compartido y conexión a tierra en su centro de gravedad personal. La incomodidad entre los personajes en el aire a veces se combinó con esos elementos para crear una sensación de tensiones entre los opuestos, viajando a través de varios espectros, como individuos y con otros. En el clima social actual de incertidumbre y polarización, estos temas se sienten particularmente relevantes. Sin embargo, también, la magia de moverse juntos en el espacio, en comunión con la música, también resonó verdaderamente.

Después de eso, Rhea Keller bailó Evocado , coreografiada por Genest. A través de diferentes niveles y formas (angulares, circulares y curvilíneas en calidad), es maravilloso experimentar la gracia y la fuerza de Keller. Su presencia, hasta el elemento fundamental de su cuerpo moviéndose a través del espacio mismo, evocaba mucho: anhelo, fuerza, vulnerabilidad y más.

Genest Espacio negativo vinieron dos piezas después, bailadas por Raum Aron Gens-Ostrowski, Deanna Gerde, Tara Gragg, Keller y Jose Lodada. “En el arte, el espacio alrededor y entre el (los) sujeto (s) de una imagen. Al definir nuestros límites, el espacio negativo se convierte en la distancia entre nosotros ”, explica el programa.

Genest dio forma a esta idea en la coreografía a través de un vocabulario de movimiento verdaderamente convincente y relaciones espaciales entre bailarines. Con los pies separados mientras se enfrentaban a otra bailarina, firmes y decididos, los bailarines abrieron los brazos como la mandíbula de un tiburón y luego los cerraron, abriéndose a otro pero estableciendo un límite claro. Se rodearon entre sí y formaron líneas claras, separadas en el espacio y permaneciendo en el espacio negativo de la otra. Las campanillas en la partitura también ofrecían límites rítmicos claros, con los que los bailarines tenían una sincronización precisa pero no rígida (¡no siempre una cualidad fácil de encontrar!). En este momento de distancia física y muchos de nosotros reflexionamos sobre lo que realmente es más importante para nosotros, estas ideas de límites y la distancia que mantenemos entre nosotros y los demás es un motivo de reflexión significativo.

El programa cerró con una nota más ligera, con lo contagiosamente divertido y memorable Deconstruyendo Cole Porter . Coreografiado por Ohlsen y bailado por Brooke DiFrancesco, Lauren Difede, Timur Kan, Moorhead y Tyndall, es una encarnación de las melodías clásicas de Cole Porter. El vocabulario del ballet está salpicado de pasos de jazz y de salón de baile, que, como el baile icónico de las películas de la época dorada de Hollywood, simplemente parece una pelota para bailar. También es una pelota para ver. Diversión, reflexión y simplemente la magia de las personas que se mueven juntas por el espacio. Surgir ofrecido todo, después de meses sin tales tesoros a nuestra disposición. Salí del programa esa noche agradecida, conmovida e inspirada.

Por Kathryn Boland de Dance Informa.

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