Por Kathleen Wessel.
Maestros, piensen en la última vez que alguien les preguntó: '¿Qué es la danza moderna?' Su respuesta probablemente no fue fácil, porque la mayoría de la gente, incluso aquellos que la enseñan, no pueden definir con precisión esta forma de arte en constante cambio. Una vez, escuché a un miembro del público explicarle a su compañera en un concierto de danza de repertorio mixto: 'Cuando sus pies están en punta, es ballet. Cuando se flexionan, es moderno '. Si tan solo la distinción fuera así de simple.
Podemos identificar fácilmente una definición (y hay muchas) que es demasiado estrecha o completamente incorrecta. “Fluido”, “menos estricto o exigente que el ballet”, “emocionalmente expresivo”, “interpretativo”: todo puede demostrarse incompleto o inexacto invocando ejemplos históricos y actuales. Cualquiera que haya sobrevivido a un agotador calentamiento en el piso basado en las enseñanzas de la legendaria coreógrafa Martha Graham sabe que “fluir libremente” y “suelto” no eran parte de su vocabulario. Y se podría argumentar que la coreografía altamente específica de la fallecida Merce Cunningham, pionera del movimiento de danza vanguardista y posmoderna, es de hecho más estricto que el ballet. De acuerdo con las tendencias artísticas de su tiempo, Cunningham ciertamente no pretendía que su trabajo expresara una emoción o interpretara una historia a través del movimiento.
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A cada paso, nos encontramos con un movimiento o estilo coreográfico que desafía las convenciones y desafía nuestra definición de danza moderna. Algunos profesores delinean una diferencia entre danza “moderna” y “contemporánea” bajo el supuesto de que “moderna” se refiere a técnicas del pasado, mientras que la coreografía “contemporánea” es más actual. Ambos términos, como son sinónimos e igualmente anodinos, no clasifican esta misteriosa forma de arte.
Esto plantea la pregunta obvia: como profesores, ¿cómo comunicamos eficazmente los ideales, las técnicas adecuadas y las filosofías de un género artístico si no podemos definirlo? Para una posible respuesta, nos dirigimos a aquellos que han establecido sus propias definiciones y han creado un lenguaje de movimiento o una técnica específica que impulsa su estilo coreográfico. En lugar de categorizar esta forma de arte que cambia de forma, podemos estudiar y enseñar las muchas tradiciones, tanto históricas como actuales, que continúan redefiniéndola.
A continuación, presentamos algunos pioneros del pasado y del presente que han allanado el camino para el paisaje diverso de la danza del siglo XXI. Habla sobre estas figuras legendarias en clase. Quizás inspiren a un joven estudiante a crear algún día su propio lenguaje de movimiento.
Katherine Crockett, bailarina principal de Martha Graham Dance Company en 'Cave of the Heart'. Foto © Albert Watson, 2010
Contracción y liberación de Martha Graham
Hable con los estudiantes sobre el enfoque de Graham en el núcleo. Con la incorporación de Pilates y el énfasis en la fuerza central en muchos de los estudios de danza actuales, los estudiantes ya deberían tener algo de conciencia central y poder aislarlo. Practique ejercicios de respiración que animen a los estudiantes a contraer o 'contraer' los músculos centrales y luego 'soltarlos'. Analice la creencia de Graham de que el núcleo es también el centro emocional del cuerpo. Su famosa filosofía “el movimiento nunca miente” puede resonar en los estudiantes que trabajan en técnicas de interpretación.
La caída y la recuperación de Doris Humphrey y la respiración y el peso de Jose Limon
A los estudiantes les puede interesar saber que estos dos coreógrafos legendarios trabajaron juntos - Humphrey como director artístico de la compañía de Limon desde 1946 hasta 1958 - y colaboraron para crear una calidad estética única. Muchos estudiantes probablemente hayan escuchado los términos 'fundamentado' y 'ponderado' para describir la danza moderna. Humphrey y Limon fueron pioneros en el esfuerzo por enseñar estas cualidades. Los columpios de torso o 'caída' son ejemplos clásicos de la técnica de caída y recuperación de Humphrey. Haga que los estudiantes trabajen en este concepto enfatizando la respiración, mientras realizan cualquier movimiento con un elemento de suspensión, como balanceos de piernas o caídas al piso.
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Atlanta Ballet interpretando 'Minus 16' de Ohad Naharin. Foto de C. McCullers
Técnica Gaga de Ohad Naharin
El coreógrafo israelí Ohad Naharin desarrolló, y continúa desarrollando, esta técnica de improvisación como una forma para que los bailarines pierdan la conciencia de sí mismos y se muevan sin inhibiciones físicas o psicológicas. Para incorporar algunos conceptos de Gaga en clase, dirija una improvisación estructurada y anime a los estudiantes a que presten atención a las sensaciones físicas en lugar de a cómo “debería” verse un movimiento. Pida a los estudiantes que “floten en el agua” o que su “columna vertebral se convierta en una serpiente”. ¡Y tapar el espejo! Naharin dice que los espejos 'estropean el alma y evitan que te pongas en contacto con los elementos, los movimientos multidimensionales y el pensamiento abstracto'. Aconseja a los bailarines: “Sepa dónde está en todo momento sin mirarse a sí mismo. La danza se trata de sensaciones, no de una imagen de uno mismo '. Dígales a los estudiantes, mientras improvisan, que 'actúen en todos los lados del salón'. Ganarán la confianza para moverse más completamente en un espacio tridimensional.
El creador de Countertechnique, coreógrafo holandés Anouk van Dijk. Foto de Silvia Sztankovits
Countertechnique de Anouk Van Dijk
Este es un nuevo sistema de movimiento desarrollado por el coreógrafo holandés Anouk Van Dijk que enfatiza el movimiento de oposición y continuo. Van Dijk dice que la teoría detrás de Countertechnique es simple: 'Si estás en movimiento, tu movimiento tiene dirección'. Y el movimiento en una dirección requiere movimiento en la dirección opuesta. A medida que los estudiantes trabajen en una frase conocida, pídales que identifiquen no los movimientos principales, sino las acciones opuestas o las partes del cuerpo. Por ejemplo, en lugar de pensar en la altura de un arabesco, pídales que se concentren en alargar sus torsos. Al enviar energía y concentración a los movimientos opuestos, los estudiantes pueden crear un “equilibrio dinámico en constante cambio” y moverse con poder explosivo a través del espacio.
YouTube es un gran recurso para ver ejemplos de estas y otras técnicas. Después de enseñar una clase que se enfoca en figuras históricas o actuales de la danza moderna, anime a los estudiantes a buscar videos o ver clips juntos como grupo. En lugar de concentrarse en la coreografía, haga que los estudiantes presten atención a las cualidades del movimiento: la cómo en lugar del qué . La danza moderna es definida y redefinida constantemente por quienes crean su lenguaje. Presentar la conversación a la próxima generación de bailarines es la mejor manera de mantenerla en marcha.
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