Green Space, Queens, Nueva York.
8 de febrero de 2020.
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A veces, el arte yuxtapuesto con otro arte puede revelar lo que todo ese arte realmente es, el contraste puede resaltar y subrayar. Eso es lo que me vino a la mente después de ver el cartel dividido de Annalee Traylor Dance y Project 44. Si bien ambas obras caían dentro de un lenguaje artístico posmoderno, los enfoques y cualidades dentro de las dos obras divergían. Para mí, estos contrastes fueron más intrigantes e iluminativos que discordantes. Me recordó cuántas avenidas válidas hay que recorrer dentro del arte de la danza.
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El programa se abrió con Corre chico corre , una metáfora extendida audaz y clara en movimiento. Gierre J. Godley, director del Proyecto 44, interpretó y coreografió el trabajo. Llevaba una sencilla camisa blanca y pantalones cortos más oscuros, encajando en una estética sobria: poca iluminación, una partitura atmosférica pero sobria (de Gil Scott Heron). Una lámpara brillaba al otro lado del escenario. Godley corrió en su lugar, a veces reduciendo la velocidad, pero pronto volviendo a moverse rápidamente. La letra de la partitura habla de frases como 'darles una carrera por su dinero', subrayando el lugar de la locomoción en nuestro idioma. También pensé en seguir corriendo en la vida, en tener que luchar incansablemente solo para sobrevivir en este clima cultural. La letra también apuntaba a disparidades raciales, y recordé cómo ese estado de correr constante es aún más el caso de las personas de color y otros pueblos sistemáticamente oprimidos.
Una segunda sección introdujo movimientos y gestos más técnicos, dentro y por encima del suelo. Godley ofreció una firmeza segura, una cualidad sin pretensiones incluso mientras se movía con dominio técnico y matices. Para finalizar, apagó la lámpara y las luces del escenario también se apagaron. Esta acción señaló la autodeterminación: no importaba cómo tuviera que seguir corriendo, algunas cosas fundamentales permanecían bajo su control. Esta elección creativa para un final también se sintió satisfactoriamente completa, un paquete cuidadosamente envuelto y atado.
Después de eso vino Traylor's el brillo. Tres mujeres se movieron de manera algo robótica, casi como una muñeca, pero aún con una suavidad en las transiciones que evitaba que fuera desagradablemente rígida. Gesto mezclado de manera fluida con un movimiento más codificado para mantenerme intrigado y satisfecho. Me pregunté si se trataba de mujeres que intentaban oponerse a lo que las mantenía en esa calidad de muñeca, un misterio que me atrajo. Dos hombres entraron y surgieron oportunidades para una pareja inventiva.
El movimiento de la locomotora llevó a los bailarines a través de varias formaciones geométricas e imágenes en movimiento a través del espacio, esa rígida inquietud y la fluidez armoniosa aún se mezclan. Representaba un sistema de estas personas juntas en coexistencia, como hombres y mujeres, un microcosmos del mundo. Un mensaje feminista ciertamente estaba aquí para discernir, pero era sutil y matizado. Esas cualidades contrastan con el mensaje más abierto de la pieza anterior, que también utilizó efectos atmosféricos y técnicos más que movimiento y puesta en escena para expresar significado. Ninguno de los enfoques era incorrecto o correcto, definitivamente más o menos efectivo, simplemente eran diferentes.
De Traylor el bulevar llegó justo antes del intermedio y mostró muchas de las mismas cualidades. Era bastante clásico en movimiento pero innovador y atrevido en otros elementos estéticos, el espacio entre estos elementos era mayor que en el brillo . Los trajes negros con cortes elegantes aportaron una sensación limpia y moderna. La iluminación tenue en grises y amarillos simples se suma a esa estética moderna y limpia.
La asociación creativa, como en esa pieza anterior, me llamó la atención y habló de las conexiones y divisiones entre los motores. Un penchee tenía a la pareja de una bailarina girando rápidamente su pierna extendida en un pequeño círculo. Luego, levantarse y retroceder trajo el movimiento a nuevos planos y cualidades. Esta asociación, además de entrar y salir de diferentes formaciones, generó una tensión pero también un magnetismo entre las personas en el escenario, como puede ser en la vida. Tal tensión y magnetismo son evidentes en “the blvd”, espacios públicos en los que se desarrollan historias privadas. El final solidificó este sentimiento, como una imagen final memorable, un abrazo sin embargo con evidente agitación.
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Después vino el intermedio Antes de que hables de Flavien Esmieu e interpretado por Godley, Alex Clauss y Peter Cheng. El programa compartió cómo el trabajo 'se desarrolló en parte a través de In Good Company, la iniciativa coreógrafa emergente de Project 44'. Varios solos y duetos ofrecieron un movimiento lo suficientemente inventivo, teatral y gestual como para construir personajes claros. Llevaban disfraces únicos, ropa de calle aparentemente elegida, al menos en parte, para mostrar y abrazar la individualidad.
La iluminación era tenue, oscura y misteriosa. La partitura original, ATMO de Giulio Donat y Simone Donati, ayudó a construir esta atmósfera misteriosa y sombría, ligeramente atonal, inquisitiva y estratificada. El movimiento mezcló vocabularios contemporáneos y hip-hop, nuevamente todos construyendo individualidad de carácter. A través del espacio, las formaciones y las cualidades, Esmieu compensó y armonizó estos tres personajes individuales en formas que hablaban de unirse y separarse como humanos juntos en un espacio.
Al igual que con la pieza de apertura, estética y cinestésicamente, se sintió diferente a las obras de Traylor. Ambos eran fuertes y convincentes a su manera. Todo esto subrayó cómo hay muchos caminos claros y válidos por los que hay que viajar en el bosque profundo del arte de la danza, un terreno aún por descubrir.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
