danza mignolo. Foto de Andrew J. Mauney. Dixon Place, Nueva York, NY.
23 de agosto de 2019.
Un alcance que transmite anhelo y pérdida, una caída al suelo que transmite desesperación y desesperanza, la danza puede mostrar un significado como ninguna otra forma de arte. Es decir, directamente a través de un cuerpo o cuerpos en movimiento en el espacio. Demostrar contenido claramente a través del cuerpo no es tarea fácil. De hecho, puede llevar años aprender de ensayo y error, conocer la naturaleza de la auténtica voz creativa de uno y recurrir a un sistema de apoyo confiable.
La proyección, el texto, la música y otros elementos creativos pueden apoyar esta transmisión de significado a través del cuerpo. Estas intersecciones de movimiento y otros medios artísticos pueden ser fascinantes y agradables en sí mismas. Sin embargo, el significado que viene solo a través del cuerpo es algo completamente propio. En conversación con amigos y coreógrafos después del reciente proyecto de ley dividido presentado por Inclined Dance Project de Kristen Klein, INQUAD , Pensé profundamente en estos asuntos. Un programa como este podría hacer que eso suceda.
kamrDance's Todo está cuidado coreografiado por Alexis Robbins, abrió el espectáculo. La obra, bailada por Robbins y con la palabra hablada de Sarah Robbins, fue una sorprendente combinación de habla y movimiento. Antes de que se encendieran las luces, escuchamos a una mujer del público hablar sobre el final de la vida de otra mujer. Cuando las luces se encendieron sobre ella, también se acercaron a una bailarina en el escenario, caminando hacia atrás lentamente. Cuando la voz del orador comenzó a elevarse, la bailarina se volvió hacia el frente, pasó un brazo y se levantó hasta relevé, un cambio que llamó la atención. A medida que aumentaba la intensidad del contenido hablado y la calidad de la voz del hablante, también lo hacía el baile. Sarah habló poéticamente del agotamiento que enfrentan las mujeres, algo que incluso las lleva a una muerte más temprana.
kamrDance. Foto de Andrew J. Mauney.
Alexis encontró diferentes ritmos e intensidades en su baile, sin dejar de aportar algo fresco e inesperado. Sarah continuó profundizando en la idea de las demandas de toda la vida que implica ser mujer, que Alexis continuó moviendo con poder pero también con una gracia suave. A veces, la sincronización del movimiento y el habla se alineaban, y otras veces no. Esa variación trajo más de lo inesperado que me mantuvo obligado. Hacia el final del trabajo, Alexis subió a los andamios y, por primera vez, también habló. El escenario estaba vacío. Se sintió como un espacio abierto para que los miembros de la audiencia reflexionaran sobre el contenido y el significado más amplio detrás de lo que acabábamos de ver y escuchar. Reflexionen sobre lo que hice, mi mente corrió. Mi cuerpo se sintió conmovido y capturado por el poder de lo que acababa de ver.
Luego vino los principios de: parte 6 , un trabajo memorable de Lauren Beirne Dance Works y coreografiado por Lauren Beirne. El movimiento crudo, los disfraces evocadores y la voz en off conmovedora demostraron el poder de las mujeres para ser vulnerables y desnudar su verdadero yo. La voz en off describió primero aprender a usar maquillaje, una novia insegura que le preguntaba a su pareja: '¿Crees que soy bonita?', Y otras ilustraciones evocadoras de presiones para cumplir con los estándares de belleza de la sociedad. Junto con esa voz en off, los bailarines a veces bailaban solos y a veces se relacionaban, de manera contenciosa, en apoyo o en armonía al unísono. Eso parecía abarcar cómo las mujeres generalmente se relacionan entre sí.
Lauren Beirne Dance. Foto de Andrew J. Mauney.
Para terminar, todos los bailarines se pararon en línea diagonal, mirando detrás del escenario a la derecha y tomados de la mano mientras uno de los bailarines estallaba en un solo: feroz, independiente, pero también moviéndose como si algo más la estuviera moviendo. Se reincorporó al grupo y las luces se apagaron en todo el grupo. Experimenté este final como una ilustración impactante del poder de las mujeres unidas.
¿Es usted o es usted? , coreografiada por Alexis Robbins en colaboración con Luiza Karnas, llegó antes del intermedio. Fue otra combinación intrigante de habla y movimiento: en esta obra, claqué, danza contemporánea y un poco de teatro físico. Se encendieron las luces de un conjunto de cajas, apiladas de dos en dos. Dos pares de dedos empezaron a arrastrarse como arañas sobre la caja. Luego, las manos comenzaron a hacer golpes, seguidos de zapatos de tap (controlados por las mismas manos) haciendo lo mismo. El momento y la calidad de estas acciones fue bastante cómico y la audiencia se rió.
Las luces se encendieron en el escenario y finalmente vimos a dos bailarines llenos, que se movieron hacia los tableros de tap. Hicieron tapping con el vocabulario clásico de claqué, pero también con la liberación y el peso de la danza moderna. Hablaron frases significativas sobre la identidad como '¿Soy un bailarín de claqué, o hago claqué?', 'La pesadez de saber quién eres' y '¿No te pesa no saber?'.
Si bien no vi la conexión entre este tema y el movimiento (aparte de esa cualidad ponderada en el movimiento relacionada con la idea de pesadez y sobrecarga), ambos individualmente fueron satisfactorios de diferentes maneras. El final tocó un poco más la cuerda conmigo. Un bailarín dijo: 'Sí', respondiendo a la pregunta de '¿No te pesa no saber?'. Algo en la forma en que dijo esto dejó un espacio abierto para más pensamientos y crecimiento. El trabajo me dejó con que pensar y el movimiento amante en mí se cumplió.
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danza mignolo. Foto de Andrew J. Mauney.
Las hermanas Santagado de la danza mignolo, dos de las cuatro coreólogas exhibidas en el programa, también ofrecieron un trabajo memorable. Charly Santagado La paradoja de la traducibilidad fue otra obra de movimiento puesta en texto. El movimiento en sí mismo fue inventivo y agradable. Palabras conmovedoras, movimiento llamativo: en general, estaba satisfecho. Eriel Santagado Estudio de traducción n. ° 3 tenía danza contemporánea puesta a la partitura del título. Fue una interpretación estéticamente sorprendente de la música al movimiento que normalmente no se asociaría con ella. Su facilidad, desde la flexibilidad de la columna hasta la línea de sus extensiones, me atrajo y me mantuvo cautivado.
Proyecto de danza inclinada pensamiento grupal fue un trabajo de cierre estelar, un destacado en el programa. Se las arregló para transmitir significado principalmente a través del movimiento en sí, algo que no es poca cosa. Los cambios entre los solos y la coreografía en pareja y el trabajo en grupo se sienten cuidadosamente construidos, hacia la transmisión de la descripción del trabajo del programa: 'cuando el conflicto, la toma de decisiones, la conformidad y la dinámica de grupo afectan la creatividad individual y el pensamiento independiente'.
La estructura del grupo, de acuerdo y en oposición con el movimiento de un bailarín solista, reforzó esta idea. Por ejemplo, un grupo bailaba al unísono, esparcido por el escenario, mientras un solista se movía entre ellos bailando un vocabulario diferente. Muy pronto se unió al grupo, sin embargo, se acercó y ella no tenía más espacio para moverse de forma independiente. Lo mismo volvió a pasar con otra bailarina. Esto fue más que un hecho singular. También sucedió en ciertos puntos un efecto “dentro del grupo, fuera del grupo” de diferentes grupos formando y bailando ciertas frases de movimiento mientras otros grupos bailaban otras. En estos sucesos se ilustró cómo, ya sea que nazcan de la inclusión o la exclusión, los grupos de personas se formarán dentro de grupos más grandes de personas.
Proyecto de Danza Inclinada. Foto de Andrew J. Mauney.
El vestuario y la iluminación eran sencillos, pero visualmente atractivos. Permitieron concentrarse en el vocabulario de movimiento hábilmente construido y la estructuración de la imagen del escenario (como en las formaciones y cómo cambiaron de una a otra). Había un caos organizado en todo, al igual que en una comunidad, llena de individuos autónomos que, no obstante, deben conformarse hasta cierto punto.
Movimientos como flexiones profundas con las rodillas hacia los lados (grand plié à la secondein ballet speak), estocadas largas y antebrazos paralelos que sobresalían del torso transmitían fuerza, asertividad y convicción dentro de cada uno de estos individuos, vivos a pesar de las presiones de los más grandes. grupo. ¿O quizás esas cosas se mantuvieron vivas debido a esas presiones? Ya sea huevo o gallina, eso es un motivo de reflexión convincente.
Klein y su compañía lograron traducir este tema de conformidad e inconformidad, el grupo y el individuo, todo sin voz en off, letra, discursos ni nada por el estilo. Los trabajos anteriores a la pieza lo hicieron con diversos grados de efectividad y originalidad, pero en general de manera encomiable. Sin embargo, únicamente a través del movimiento, ese es otro juego de pelota. En un mundo que constantemente subestima y subutiliza el poder del movimiento del cuerpo humano, eso es algo realmente especial.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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