En la edición de noviembre de 2015 de Dance Informa escribí un artículo titulado Sabiduría sana . Fue diseñado para ayudar a los maestros de estudio y coreógrafos a crear piezas de tap más efectivas. Estoy muy satisfecho con los comentarios sobre ese artículo. Varios de los temas que mencioné en ese artículo pertenecen a todos los géneros de danza, y los profesores, bailarines y coreógrafos me han pedido que los explique. La ecuación en el título de este artículo está dedicada a convertirse en un completo bailarín.
Músico:
Al enfocarme en el bailarín como músico, quiero dejar claro que no es absolutamente necesario que usted, como bailarín, necesite tocar un instrumento, cantar o incluso leer música, aunque todas estas habilidades definitivamente ayudarán a mejorar tu musicalidad. Hay muchos bailarines que no tocan un instrumento ni leen música pero que aún tienen una excelente musicalidad. Ahí está esa palabra, musicalidad, que tan a menudo escuchamos en relación con la danza ... como deberíamos. La mayor parte de la danza se realiza con música. Ser bailarín musical implica mucho más que quedarse con el pulso o el ritmo de la música, o simplemente ejecutar los pasos en la cuenta dada. El objetivo es que el bailarín adjuntar a la música, para que la música aparentemente salga del cuerpo y el alma del bailarín. Si bien ese es un objetivo bastante elevado, hay formas de ayudar al bailarín a mejorar la capacidad de apegarse a la música.
Tapper Devin Ruth. Foto de Karsten Staiger.
contrato de coreografía
La forma más valiosa de mejorar la musicalidad es el mismo consejo que les di a los coreógrafos en mi artículo de noviembre: ¡ESCUCHAN, ESCUCHAN, ESCUCHAN! No se puede adjuntar a la música si no está familiarizado con ella. Necesita 'casarse' con la hoja de ruta y los matices en la música: los versos, coros y puentes, la dinámica (altavoces y softs), los acentos y las síncopas (acentos fuera de ritmo). Además de eso, una actuación exitosa captura el carácter y el significado de la letra (si hay letra). Personalmente, creo que los bailarines se beneficiarían enormemente de trabajar más con música instrumental, ya sea tan simple como la percusión o tan orquestada como una pieza totalmente producida.
Una de las áreas que encuentro deficiente en muchos bailarines (y desafortunadamente coreógrafos) es poder sentir y bailar en otros metros, la música contada en otros que no sean ochos. Dos compases de música en 4/4 son los ocho de un bailarín; estamos tan acostumbrados y cómodos en este ritmo que apenas oímos ni vemos nada más. De particular interés y valor para los bailarines de hoy es la música en múltiplos de tres. El más reconocible para la mayoría de la gente es el vals. Todos conocemos los valses de Strauss que se usan en la clase de ballet para movimientos como el balancés, o la canción “Mis cosas favoritas” de El sonido de la musica . Estos son valses tradicionales con una sensación hacia abajo, hacia arriba, hacia arriba o 'oom, pa, pa'.
Estos son fáciles de conectar incluso para los bailarines principiantes. En la música pop, es más probable encontrar los tres recuentos agrupados en una sensación más de triplete. La mayoría de las veces, esto se relaciona con 6/8 veces. Un ejemplo sería la canción 'I Miss You' en el álbum Adele 25 (más baladas pop usan un conteo de seis que las de tempo más rápido), y muchas canciones de blues tradicionales también están en seis. Los medidores impares, como el tiempo 5/4, se usan mucho menos, pero crean interés y son un desafío para los bailarines. A los bailarines y al público estadounidenses les resulta difícil sentir y conectarse con ritmos de compás impares. Un ejemplo de una pieza en 5/4 que es reconocible es el tema de Misión imposible . Los bailarines que inviertan en la comprensión musical y el apego tendrán una ventaja valiosa sobre sus compañeros y experimentarán más alegría en su baile. ¡Un bailarín verdaderamente musical puede ser cautivador!
Atleta:
Sin duda, la danza es un esfuerzo muy atlético. Abarca e implementa una gama de habilidades que tenemos en común con los deportistas de otros deportes: conciencia espacial, conciencia de los otros cuerpos, fuerza, flexibilidad, equilibrio, resistencia, agilidad, velocidad, rapidez y potencia (la capacidad de combinar fuerza y velocidad en movimientos rápidos). Todos estos son necesarios para ser un bailarín completo.
Los bailarines han entendido que son atletas y, afortunadamente, nuestro atletismo es más apreciado por el público y los compañeros atletas. Recibí una patada hace varias temporadas en Bailando con las estrellas cuando el corredor líder de todos los tiempos de la NFL, Emmitt Smith, dijo que su tiempo compitiendo en el programa fue el entrenamiento más duro que jamás había tenido que hacer. Eso es un gran respaldo para los bailarines.
La mayoría de los bailarines profesionales dedicados de hoy, por supuesto, continúan su formación en danza en clase, incluso cuando ya están trabajando y se les paga por actuar. Las habilidades atléticas adquiridas en clase tienden a ser específicas, es decir, entrenan el cuerpo para habilidades específicas de baile. Esa es una prioridad que vale la pena, pero para tener una carrera de baile más larga, especialmente en un momento en que la gente espera que el bailarín descargue movimientos espectaculares cuando sea apropiado, el entrenamiento complementario se ha convertido en una necesidad. La clase de baile no será suficiente, especialmente para la resistencia.
Tiffany Hedman del English National Ballet. Foto de Gene Schiavone.
Hay innumerables formas de entrenamiento complementario para mejorar el acondicionamiento del bailarín, desde cardio directo, hasta pesas y máquinas, yoga, Pilates, kettlebell, trabajo aéreo como sedas y telaraña, artes marciales, Zumba, formas de crossfit y muchos otros. Una nota sobre el entrenamiento con pesas: no dejes que te asuste y no creas en el mito de que obstaculizará la flexibilidad. Si hace un estiramiento ligero antes de levantar y un estiramiento completo después, estará bien. Sin embargo, no recomiendo los pesos pesados para los bailarines jóvenes cuyos cuerpos aún están creciendo. En general, los bailarines no necesitan pesos pesados, pesos moderados con repeticiones adecuadas tonificarán, definirán y darán suficiente fuerza. Consiga un entrenador calificado que lo ayude a seguir su camino.
* La resistencia suele ser la debilidad de los bailarines en comparación con otros atletas. Aquí hay un par de consejos de entrenamiento para garantizar suficiente resistencia: busque una pista reglamentaria (400 metros) y corra dos vueltas (800 metros) a velocidad media, no un sprint, sino solo un trote. Intenta correr las últimas 30 yardas. Este siguiente consejo es muy valioso: deberías poder ejecutar cualquier baile que interpretes dos veces espalda con espalda sin descanso en el medio. Su ensayo siempre debe ser más exigente físicamente que una actuación. Consejo final: siempre tenga en cuenta un poco de descanso en su horario débil. ¡Siéntete orgulloso de ser un atleta!
Artista:
El bailarín como artista. De alguna manera, esto es lo más difícil de definir y comprender, ya que es subjetivo lo que es arte para uno puede no serlo para otro. Ha sido un dilema eterno en todas las formas de arte. En lo que respecta a la danza, la calidad artística de la expresión es lo que nos lleva más allá de muchos otros atletas. ¡No podemos simplemente ejecutar el movimiento, debemos hacerlo estéticamente efectivo, agradable y comunicativo! En resumen, ¡debemos hacer que todo luzca genial! Envolvemos esto libremente en términos como 'expresivo' y 'emocionante'. Tomamos una emoción (todos los rangos de emoción) y, con suerte, tocar personas dando algo dentro de nosotros. En un mundo perfecto, la palabra 'inspiración' es nuestra fuerza más preciosa y motivadora. Todos encontramos inspiración y creatividad en diferentes aspectos de la vida.
He notado que los bailarines tienden a encontrar su inspiración y motivación en el mundo de la danza. Si bien es genial estar inspirado por otros bailarines, maestros y coreógrafos, te animo a mirar fuera de la danza para expandir las ideas y la estimulación. Manténgase abierto y consciente de que hay creatividad a su alrededor. Mientras que en la danza tendemos a asociar la palabra “imaginación” con los coreógrafos, el bailarín puede usar la imaginación para llevar al personaje a un lugar donde la danza va más allá de la realidad hacia la magia de pasión, una palabra que se usa con demasiada ligereza, pero que representa nuestro corazón y nuestra alma cuando es auténtica.
Un ejercicio que puede ayudar al bailarín a estar menos inhibido y menos 'obsesionado con el control' es poner música cuando estás solo en casa y nadie está mirando y simplemente dejar volar tu imaginación y dejar que salga de tu cuerpo. con imprudente abandono.
Otra técnica que puede mejorar tu arte es visualizar o incluso meditar sobre ti mismo como el bailarín perfecto, el bailarín que nos encantaría ver y amar ser, y darle a ese bailarín en tu mente todos los ingredientes de un bailarín completo: técnica, musicalidad. , atletismo, pasión, estilo, inspiración y, sobre todo, conectando - conmovedor la audiencia con la alegría de un bailarina completa !
Por Tony Coppola de Dance Informa.
El maestro de tap Tony Coppola también es un ex gimnasta y percusionista All-American. Ha enseñado en convenciones y ha sido juez de concursos durante varias décadas. Coppola dirige y coreografia el Coppola Rhythm Ensemble con sede en Las Vegas.
Foto (arriba): Jacqueline Green y Kirven Douthit-Boyd. Fotografía de Richard Calmes.
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