Mientras me quitaba los zapatos de claqué y me sentaba a escribir este artículo, pensé: '¿Qué es lo más importante que me gustaría que mis lectores obtengan de este artículo?' Bueno, obviamente, me gustaría que todos se enamoraran del claqué. Lo sé, lo sé, ese es un objetivo bastante elevado, pero tal vez si recibes una ovación de pie con una pieza de tap, abrazarás el tap con un respeto saludable. Es un género verdaderamente estadounidense (ahora bailado en todo el mundo), y es un placer y un desafío crear música mientras bailas. Para citar una vieja frase: '¡Es un placer golpearse los pies!' Tengo la esperanza personal de que, en lugar de reciclar el grifo del pasado, podamos conservar lo valioso de épocas pasadas y esforzarnos por sacar adelante el grifo de una manera eficaz, enérgica y entretenida.
Una de sus primeras consideraciones es evaluar el propósito y la demografía de la actuación para la que se interpretará la pieza. ¿Es un concierto, un recital, un escenario comercial (como una sala de exposiciones o un parque temático) o una competencia? ¿Y qué tipo de audiencia tendrías: 60 personas, 600 o 2000? ¿Y cuál es la franja de edad? Además, ¿la pieza es un solo, un grupo pequeño o una producción más grande? Todas estas consideraciones lo guiarán para tomar una de sus decisiones más importantes: su elección de música.
Conjunto de ritmos Coppola. Foto de Sergio Minero.
Al elegir la música, debe elegir música con la que su audiencia pueda relacionarse, a la que puedan unirse y disfrutar del ritmo con los bailarines. Eso no significa que sea predecible, sea bueno tener algunas sorpresas o aspectos destacados en la pieza, tanto de forma audible como visual. Su consideración más simple al elegir música es: ¿Puede la audiencia escuchar los golpes? Y eso significa todo el camino en la parte trasera del teatro. La música que está demasiado orquestada ahogará los grifos. Además, compruebe la acústica en el teatro. Al preparar a sus bailarines, asumiré que el nivel de técnica de tap es adecuado para apoyar la coreografía. Los bailarines jóvenes deben estar en una clase que incluya una buena dosis de técnica. Una clase que solo trabaja en una rutina cambia brevemente a los bailarines que tendrán menos sustancia para poner en un baile.
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Como juez, a menudo veo piezas de claqué que incluyen a varios bailarines que no ejecutan todos los sonidos. Asegúrese de que cada bailarín pueda hacer los pasos solo y a capella . Luego, cuando vuelva a montar el baile, será más fuerte.
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Una vez que haya elegido su música, escúchela una y otra vez antes de la coreografía para que pueda usar las frases y acentos en tu coreografía en lugar de simplemente coreografiar 8's. Si estás creando una pieza a capella, necesitas entrenar a los bailarines para mantener el ritmo; generalmente hay una tendencia a apresurarse, lo cual es muy inquietante para el público. La musicalidad es el objetivo del coreógrafo y del bailarín. (Ponte a prueba con música en otros medidores como 6/8, 3/4, 5/4, 9/8, etc.)
Entonces, ahora que está casado con la música, es aconsejable crear un tema: una serie de pasos o una frase que sea reconocible cuando se repita. Es la firma de la pieza, y debe captar a la audiencia tanto audible como visualmente y mostrar el carácter de la pieza. La musicalidad del tap se puede aplicar a muchos estilos, desde cascos tradicionales hasta latín, rap, blues, música clásica, rock y melodías de espectáculos.
Algunos detalles:
- Unísono: nunca subestimes el valor del unísono. Un buen paso colocado en perfecta sincronización es muy satisfactorio para la gente. Es una técnica valiosa para extender varios ritmos y volver al unísono para un golpe dinámico. Un baile entero hecho al unísono puede resultar aburrido.
- Canon: Canon, o presentar ritmos en una ronda, puede ser muy efectivo. Funciona para dúos, grupos y líneas. Haga que varios de los bailarines comiencen una frase coreográfica y luego haga que los otros bailarines comiencen la misma frase más tarde. ¿Cuánto más tarde? Ocho conteos es bastante seguro, pero cuatro conteos son muy efectivos (asumiendo que la música está en tiempo directo, o 4/4). Si separa por solo dos cargos, puede sonar como un error para la audiencia, como un unísono fallido.
- Contrapunto: se refiere a dos ritmos que suenan al mismo tiempo. Canon producirá automáticamente el contrapunto, pero es posible que desee crear dos modismos de tap diferentes que se complementen entre sí. Tenga cuidado: si los pasos están demasiado ocupados, sonará desordenado. Deja espacios. Los sonidos individuales son valiosos.
Tap es conversacional. Al igual que el lenguaje verbal, necesita inflexión, causas, puntuación y énfasis. No dejes que se convierta en una sentencia corrida.
- Operaciones: por lo tanto, si el tap es conversacional, se presta a ir y venir como en preguntas y respuestas. Un intercambio literal sería cuando un bailarín (o grupo) establece un ritmo, y el segundo grupo repite el ritmo palabra por palabra, por lo general intercambiando ocho o cuatro cargos. Un enfoque más conversacional es variar el segundo ritmo (la respuesta). A menudo, el segundo ritmo intenta superar al primero.
- Sonidos suplementarios: es un buen cambio de ritmo incorporar otros sonidos como aplausos, chasquidos, gritos y sonidos hechos con accesorios o superficies diferentes. (El uso efectivo de piezas y accesorios puede llenar todo un artículo por sí solo).
- Dinámica: no puedo evitar notar la falta de dinámica (grados de volumen). Se necesita algo más que 'dar pasos rápidos'. Un toque a capella es una gran oportunidad para usar una coreografía muy suave y silenciosa que obligará a la audiencia a escuchar con atención. Entonces puedes rebotar con algo agresivo. Contraste es una musicalidad muy valiosa.
Conjunto de ritmos Coppola. Foto de Sergio Minero.
También es eficaz contrastar la diferencia entre ritmos directos (en el tiempo) y sincopados (fuera de tiempo). Dado que los sonidos de tap son en su mayoría entrecortados, puede obtener sonidos sostenidos con una gran cantidad de diapositivas y golpes nerviosos utilizados como un redoble de batería.
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- El imperativo visual: si tienes pies ultrarrápidos (puedes hacer fuego en el suelo con los pies), ¡no es suficiente! Los sonidos de fuego rápido pueden ser impresionantes, pero sin que suceda algo visual, la audiencia se aburrirá más temprano que tarde (sin mencionar que es posible que la audiencia no capte las nuevas onzas en un sonido borroso). Vivimos en una época en la que, debido a la tecnología, los cortes rápidos y la edición, y las redes sociales, la capacidad de atención de las personas y nuestra concentración y enfoque seguirán lo que se mueva. Pero antes de profundizar en la puesta en escena, es aconsejable fijarse en la energía visual del bailarín individual. Un bailarín de alta energía debe obtener energía de la parte superior del cuerpo 'vendiendo el paso', poniendo énfasis en el cuerpo, los brazos, a menos que sean específicos, generalmente seguirán la torsión en el torso. Soy muy afortunado de que en mi conjunto de claqué aquí en Las Vegas, mis bailarines profesionales tienen mucha energía. Rara vez tengo que coreografiar port de bras (movimientos de brazos). Esto conduce a la sensación de un 'atasco'. Es una ventaja si los bailarines están versados en otros géneros y, a menudo, se refleja en su carruaje y port de bras. El movimiento de la parte superior del cuerpo de la cabeza, los brazos y el torso puede ayudarlo a enfatizar y captar los acentos de la música. Además, el uso de niveles no solo significa niveles de las piezas del set. El bailarín individual puede utilizar el suelo y el aire para crear niveles.
Una de las cosas que he visto al juzgar que realmente me da vergüenza es hacer tapping con las manos detrás de la espalda. Si bien puedes pensar que permite a los bailarines concentrarse en los pies y le da uniformidad, resta toda la energía en la parte superior del cuerpo y puede convertirse en un mal hábito. Será más difícil romper ese hábito cuando necesite port de bras. Cuando veo las manos detrás de la espalda, me parece que los bailarines fueron hechos prisioneros durante su baile de claqué. Uno de mis colegas en realidad se refiere a esto como 'grifo de prisionero'.
- Género mixto: tocamos el dibujo de otros géneros. Deseo que mis alumnos no solo piensen en sí mismos como extractores, sino también como bailarines . Cuanto más versátil y completo sea, más opciones tendrá para crear un grifo dinámico y eficaz. La combinación de formas de baile te brinda muchas opciones y capta el interés de la audiencia. Tuve éxito hace varios años combinando un elenco de bailarines de ballet y de claqué que se complementan e integran motivos. Estamos en el momento de las formas de danza híbridas, así que arriesga. Revuelva una olla de 'sopa de baile'.
- Puesta en escena: si ha creado los pasos, las líneas del cuerpo y los port de bras a juego que complementan su música, ahora es el momento de ponerlos en escena: mover los cuerpos para crear patrones, ángulos y realzar la energía de la pieza. En décadas pasadas, los bailarines permanecían en una formación particular por más tiempo que en la actualidad. Hablamos sobre la capacidad de atención más corta de la audiencia, por lo que está de moda y es efectivo cambiar de posición con más frecuencia. Cómo, cuándo y por qué es el arte de la puesta en escena hay tantas opciones. Puede mover a los bailarines hacia abajo, hacia arriba, lateralmente, en diagonal y hacia arriba y hacia abajo por niveles. Al mover a los bailarines, me refiero a que los bailes siguiendo el patrón, no los andes ni los marques allí. Su baile , no equipo de instrucción o cuerpo militar. Obviamente, la diagonal te permite un pase más largo (y proporciona ángulos más interesantes en el cuerpo). La oposición, los bailarines que se mueven en direcciones opuestas, crea una elección simple y efectiva. Colocar a los bailarines en parejas se presta a herramientas tales como tener los dos 'do-si-do' uno alrededor del otro, volviendo a la posición original. Al elegir pasos que viajen, necesitará que los bailarines se coloquen en la parte anterior del pie para que puedan 'volar' como velocistas.
En este punto, vale la pena mencionar que si hay accesorios en su baile, asegúrese de que los bailarines puedan manejarlos con elegancia sin que nada parezca torpe o engorroso. Si los accesorios están estacionarios, puede funcionar para crear caminos hacia adentro y hacia afuera, alrededor, por encima y por debajo, y encima de los accesorios. Esto también puede darle una variedad en el tono de los sonidos que establecen los pasos.
- Performance: Espero que en un futuro artículo se discuta el valor del arte de la teatralidad. Todos los elementos para crear un tap efectivo y entretenido deben, por supuesto, ser ejecutados al máximo, con conexión con la audiencia, caracterización fuerte y adecuada con artistas que se relacionan entre sí y dominan el escenario ... y envueltos en un intangible mágico llamado estilo !
Por Tony Coppola de Dance Informa.
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El maestro de tap Tony Coppola también es un ex gimnasta y percusionista All-American. Ha enseñado en convenciones y ha sido juez de concursos durante varias décadas. Tony dirige y coreografia el Coppola Rhythm Ensemble con sede en Las Vegas.
Foto (arriba): Coppola Rhythm Ensemble. Foto de Sergio Minero.
