Maya Beiser y Wendy Whelan en 'El día'. Foto de Nils Schlebusch. The Joyce Theatre, Nueva York, NY.
22 de octubre de 2019.
Hay algo sobre cuando los maestros se reúnen: sus experiencias combinadas se fusionan y se mezclan de tal manera que se convierten en más que la suma de sus partes. Hubo algo particularmente sorprendente, y en cierto modo inesperado, en la reunión de maestros que fue El dia en The Joyce Theatre, bailado por Wendy Whelan, coreografiado por Lucinda Childs y acompañado al violonchelo por Maya Beiser. David Lang compuso las dos partituras principales de la obra. Una universalidad en el tema podría ofrecer un punto de relación y conexión para cualquier miembro de la audiencia que asista. Aunque con muchos matices estilísticos, una reducción de los elementos estéticos permitió que este tema universal tomara la iniciativa y fuera el centro de atención.
Los maestros reunidos fácilmente podrían dejar que el virtuosismo extremo, que puede llegar a parecer alienante y erudito, aunque impresionante, ocupe el centro del escenario. Lo que sucedió en este espectáculo fue, encomiablemente, el virtuosismo opuesto se evidenció en una elegante simplicidad, una con el potencial de ser verdaderamente agradable y significativa para todos los asistentes. Una estética austera quedó clara desde que se levantó el telón: un violonchelista tocando notas largas y conmovedoras y la imagen de Whelan apareciendo en un fondo.
'Recuerdo el día', dijo, continuando con descripciones de episodios y epifanías de la vida común: 'Decidí hacer un cambio en mi estilo de vida', 'Decidí mudarme allí', 'Decidí que el dolor que estaba colocando sobre mí era completamente opcional '. Estas declaraciones fueron redactadas de manera simple y directa, pero evocadoras a través de las poderosas emociones que experimentamos al experimentar estos acontecimientos de la vida. Aparentemente, la autenticidad aquí radica en parte en un método de buscar terminaciones de la declaración, 'Recuerdo el día en que ...'. de miembros del público en general, a través de Internet, como explicó Beiser (también el director creativo) en las notas del programa.
Aunque estas declaraciones se derivaron de las experiencias de personas individuales, lo común de estas experiencias también parecía significativo, lo que parecía estar en exhibición aquí era el poder simultáneo del lenguaje y su incapacidad para capturar verdaderamente la gravedad de los eventos de la vida y epifanías como estas. Burlándose de ese contraste, las cuerdas bajaron para formar un cuadrado (Diseño escénico de Sara Brown). Una geometría de escenario limpia y simple también se opuso directamente al peso de lo que se decía.
Whelan entró y comenzó a moverse, con gracia pero firmeza, poder pero una rendición dentro de la maleabilidad. Con una simple túnica blanca (Diseño de vestuario de Karen Young), encarnaba esa dualidad, esa tensión de opuestos inherentes que coexisten. Bailando con un palo largo, sosteniéndolo entre sus dos manos, pareció encontrar una libertad en la restricción que le imponía. Bailó otra frase de movimiento en una silla, abriendo las piernas para una estocada mientras estaba sentada y mirando hacia arriba, levantando los brazos y el pecho para seguir su mirada. Aquí, había una asertividad al ubicarse a sí misma, en lugar de parecer más transitoria en otros puntos.
Todo el tiempo, los profundos tonos de violonchelo de Beiser continuaron, algunas notas todavía largas pero más entrecortadas también. Detrás de ellos, ambos se proyectaban imágenes de una estación de tren concurrida, personas todas juntas en el espacio pero en sus propias experiencias del mundo. El estado de conexión de Whelan contrastaba con su locomoción.
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Las declaraciones continuaron, llegando a estar agrupadas al comienzo de la declaración: 'Me enteré', 'Escuché', 'Lo conseguí', 'Perdí'. Hubo una agencia directa y directa en estas declaraciones, en tensión con el profundo significado emocional de los eventos que describieron.
Las declaraciones empezaron a cobrar cada vez más peso emocional: “Me diagnosticaron”, “Envié mi carta de renuncia”. Los accesorios también se hicieron más grandes. Whelan tiró de dos grandes cuerdas, aparentemente tiradas de su otro extremo fuera del escenario, doblándose profundamente y apoyándose en piernas fuertes. Aquí, pensé en el peso y la persistencia de las fuerzas que pueden tirar de uno en la vida. La forma en que este concepto se hizo tangible a través de la utilería y el movimiento fue sorprendente y memorable.
La apuesta estética y conceptual siguió subiendo, los riesgos y la osadía crecieron. Pronto, sin embargo, se vería una disminución de esta energía creciente. Las luces se apagaron y luego brillaron a través de los cristales de las ventanas retroiluminados. Pensé en esto como una 'noche' para 'el día', reforzando la naturaleza cíclica de la vida, así como su equilibrio yin / yang entre innumerables opuestos. Con las luces de nuevo encendidas, noté que Whelan y Beiser habían cambiado de lugar: Beiser ahora en el escenario a la izquierda y Whelan en la estructura elevada, una pendiente en la parte delantera. Algo en ese cambio me habló de la universalidad de las experiencias descritas en el programa.
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La sección siguiente carecía de la narración que tenía la primera sección y, por lo tanto, para mí me sentí menos conmovedora y significativa que la sección anterior, entonces, las palabras y el movimiento se unieron para tener una resonancia bastante significativa. Sin embargo, el vocabulario de movimiento de Childs fue más matizado, impactante y virtuoso aquí. Whelan inclinó su cuerpo, saltó, rodó por la cuña, se inclinó profundamente para levantarlo en un giro. La coreografía fue dinámica y tentadora, y Whelan la bailó con una sofisticación y conmoción que evidenciaron sus años de refinamiento de su arte.
Más tarde, cayó una gran sábana, las sombras que proyectaba eran fantasmales y misteriosas. Whelan se envolvió en ella, una elección con un territorio aparentemente ilimitado para la interpretación. Esta multiplicidad dentro de algo específico se hace eco de la forma en que el trabajo profundizó en la experiencia común, sin embargo, las personas individuales viven estas experiencias de maneras únicas. La proyección de hojas onduladas, las luces nuevamente atenuadas, ofrecieron un efecto meditativo que me tuvo en un espacio reflexivo sobre esa experiencia compartida pero individual.
Mientras Whelan y Beiser se inclinaban y los miembros de la audiencia aplaudían ruidosamente, pensé en cómo todas estas personas diferentes que aplaudían, todas con sus propias experiencias de vida, vivían este tipo de historias a su manera. Por lo tanto, es probable que todos tuvieran diferentes recuerdos y pensamientos en sus propias mentes en ese momento. El arte puede ser una fuerza poderosa para conectarnos, pero también puede llevarnos a nuestros propios pensamientos y preguntas. Eso es parte de su magia.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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