La Compañía de Danza Batsheva fue presentada por Celebrity Series of Boston en el Boch Center Shubert Theatre. Foto de Robert Torres. Boch Center Shubert Theatre, Boston, Massachusetts.
5 de abril de 2019.
La danza puede ser bastante intelectual e intelectualmente fascinante, a través de elementos de estructura, sincronización, concepto, etc. Otro aspecto de la danza, por supuesto, es cuánto se traducirá este forraje intelectual a los miembros de la audiencia y si disfrutarán al recibirlo. En el mejor de los casos, las obras de arte de la danza tienen algo de forraje intelectual que ofrecer y pueden lograr esa traducción. Sin embargo, el primero no siempre conduce al segundo.
Tenía estos asuntos en mente después de ver la película de Batsheva Dance Company. Venezuela , coreografiada por el coreógrafo de la casa (y ex director artístico fundador) Ohad Naharin. Un movimiento llamativo y memorable estuvo al frente y al centro, pero una elección estructural muy singular fue aún más profética en la forma en que recibí el trabajo. La obra se abrió paulatinamente, construyendo energía. Los bailarines se pararon en dos líneas, el canto gregoriano resonaba en el teatro. Comenzaron a balancearse suavemente de un lado a otro, luego dejaron que el balanceo se disipara de nuevo a la quietud. La estética era tan simple como este movimiento sencillo: trajes negros, un fondo negro e iluminación en tonos amarillos.
En un instante, salieron del círculo en nuevas formaciones, luego en parejas. El movimiento del salón de baile llenó el escenario, pero a una velocidad e intensidad física poco común en la forma. Al ver este rápido cambio de tono, me di cuenta de que el trabajo ofrecería lo inesperado y desafiaría los gustos convencionales. Una siguiente formación trajo algo más único y estilísticamente separado de lo que habíamos visto en un grupo, bailarines iniciados desde codos, rodillas, pies y hombros, como un rosal espinoso y espinoso que cobra vida.
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Otras secciones alternaban, mezclaban y oponían secciones al unísono con aquellas en las que los bailarines se movían con su propia fraseología, construyendo la idea de lo individual versus lo colectivo. Los bailarines entraron y salieron del movimiento, viviendo verdaderamente en él antes de vivir en lo que venía después. El grupo volvió a agruparse y ciertos miembros comenzaron a sincronizar los labios con una canción de Notorious B.I.G. El contenido de la canción era crudo, controvertido y, en ciertos puntos, revuelto el estómago. El contraste entre eso y los himnos corales fue marcado, y se desarrolló un significado para mí: luz contra oscuridad, y la tentación que puede llevarnos de lo primero a lo segundo.
La Compañía de Danza Batsheva fue presentada por Celebrity Series of Boston en el Boch Center Shubert Theatre. Foto de Robert Torres.
Las luces se apagaron y luego se elevaron nuevamente en una nueva sección. Me tomó un segundo darme cuenta de lo que estaba viendo: los bailarines iban a lomos de otros bailarines, como si fueran caballos o camellos. Algo en la forma en que todo se unió fue sorprendentemente hermoso, aunque estaba preocupado por la seguridad física de los bailarines que estaban siendo 'montados'. Momentos inesperados me sacaron del espacio meditativo de observar el lento caminar de las parejas, una en la parte posterior de la otra dentro de ellas, incluidos los bailarines plantando los pies hacia abajo para que el otro bailarín se arrastrara desde abajo, con las rodillas aún ligeramente dobladas, para luego gira rápidamente al unísono para volver a descansar sobre la espalda de su compañero.
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Una sección siguiente los tenía a todos contra la espalda, con más bailarines viniendo desde las alas, bamboleándose mientras cargaban una toalla sobre su costado (hacia la audiencia). Dejaron las toallas en una pila, encima de un bailarín acostado de lado, y se unieron a los bailarines en la parte de atrás. Se levantó, cubierto de toallas, y otro saltó sobre él. Los bailarines se adelantaron y bailaron con su propio movimiento, aparentemente improvisado pero elaborado con facilidad. Esta mezcla de lo espontáneo y lo formado me atrajo de inmediato.
El movimiento al unísono siguió a eso, con muchos más acentos rítmicos que en otras partes de la obra. Otra sección de movimiento de salón de baile rápido y frenético encajó en su lugar. A continuación, hubo una sección de movimiento mucho más lento, con los brazos moviéndose desde los codos para moverse como pájaros batiendo alas. El trabajo cubría un terreno de posibilidades con increíble velocidad y audacia, y estaba fascinado. La imagen del rosal espinoso regresó, las partes huesudas del cuerpo iniciaron el movimiento, agregando algo más familiar a la mezcla. Todo llegó a la conclusión de lo que conoceríamos como la primera de dos secciones, con algunos bailarines girando hacia la pista y todos moviéndose lentamente. Las luces se apagaron.
Las luces regresaron en dos filas de bailarines, comenzando gradualmente a balancearse suavemente. El vaivén se disolvió en la quietud y luego, con un estallido, se trasladaron al espacio. Luego se emparejaron en un baile de salón rápido. Habíamos visto todo esto antes. Me pregunté si veríamos un nuevo movimiento intercalado con lo que era familiar. Después de unos diez minutos del mismo movimiento en la misma secuencia, parecía claro que no lo haríamos, que, muy probablemente, esta segunda sección del programa sería casi un duplicado de la segunda.
Sin embargo, que era diferente era la música. La música más moderna reemplazó a la música coral de la primera sección. Fue intrigante ver cómo la música diferente afectaba mi recepción de la obra. Por ejemplo, una partitura sorprendentemente hermosa al estilo del Medio Oriente tocó junto con la sección de bailarines montados en la espalda de otros, y mi mente podría llenar ciertos espacios en blanco estéticos para (más fácilmente) imaginarlo como montando camellos. Las secciones con movimiento rápido y frenético tenían diferentes sabores de música rock electrónica como partituras. Parecía más armoniosamente encajar con este movimiento, si la música coral de antes era convincente con este movimiento en contraste. El rap me pareció un poco más inquietante personalmente, con una falta de oposición temática a algo religioso y tradicional.
Este juego con el efecto de repetir el movimiento y otro contenido visual, mientras cambia el movimiento, parecía ser al menos parte de lo que Naharin estaba buscando con esta elección estructural. Fue como un experimento de ciencia artística: mantenga todo excepto una variable y observe los resultados. Tenía que preguntarme qué tan convincentes eran esas diferencias resultantes para un espectador promedio, al menos lo suficiente como para ver el mismo movimiento y secuencia de movimiento una y otra vez.
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Para mí, el movimiento fue tan hermoso e intrigante que, al menos al principio, no me importó volver a verlo. Disfruté viendo matices dentro de él que no había percibido la primera vez. Me recordó cómo la mayoría de los materiales de movimiento bien construidos tienen capas de riqueza que se pueden despegar y experimentar. Sin embargo, este interés, junto con mi curiosidad por cómo diferentes músicas se encontraron con el mismo movimiento, se extinguió hacia la segunda mitad de esta segunda sección. Tenía que preguntarme si era antes para otros miembros de la audiencia, si alguna vez tuvieron este interés (y conciencia para generarlo) en primer lugar.
Creo que los miembros del público promedio, aquellos que pueden no estar muy familiarizados con el arte de la danza, son más perceptivos e intuitivos sobre la forma de arte de lo que los entusiastas de la danza les dan crédito. Sin embargo, el trabajo debe poder involucrarlos para que puedan llegar allí. Quizás algunos de esos tipos de espectadores Venezuela llegó allí; es difícil saberlo sin examinarlos.
Dejando a un lado estas consideraciones formales, podemos reflexionar sobre lo importante que puede ser considerar la psicología y la disposición de los miembros promedio de la audiencia al crear obras de arte de danza. Parece ser algo para comprometerse con una consideración a veces opuesta, el interés intelectual y la pasión creativa de uno mismo como coreógrafo. Como bailarines, coreógrafos y entusiastas de la danza, fomentemos ese compromiso. El mayor bienestar del ecosistema artístico es demasiado importante para no hacerlo.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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