The Sanctuary Theatre, Cambridge, MA.
29 de octubre de 2016.
Con madurez y sofisticación llega el saber que menos puede ser más. La subestimación puede decir más que la exageración. En lo que respecta al arte, insinuar en lugar de decir permite al público reflexionar sobre sus propias interpretaciones de una obra. Estamos en una época en la que las redes sociales y el baile televisivo tienen artistas que cautivan al público en general con hazañas atléticas, además de tocar la fibra sensible con historias dramáticas. Programa del Teatro de Ballet José Mateo, con sede en Massachusetts Fuerzas impulsoras , por otro lado, mostraba control sobre el destello y misterio sobre la angustia obvia.
La primera pieza Mozart provocado , comenzó con una técnica, una puesta en escena y unas cualidades interpretativas muy clásicas. Ciertas secciones podrían haber sido trasplantadas de una clase de ballet durante el trabajo del centro. Un diseño de escenografía que era muy geométrico, intrigante, pero limpio y simple, marcó cambios en el clasicismo. Aquellos vinieron con estilo jazzístico en coreografía y formaciones grupales inesperadas. En los tríos y cuartetos iniciales, las bailarinas eran técnicamente perfectas. Sus extensiones no estaban por las nubes, sino que estaban controladas y limpias. Sin embargo, las partes al unísono podrían haber sido más al unísono.
Con las secciones exclusivamente masculinas, ese unísono estaba ahí, pero ¿quizás los bailarines sacrificaron el poder y la firma personal en su movimiento para lograr eso? Incluso con una deficiencia menor, el baile fue hermoso de ver. Parecía apoyar un subtexto de conexiones y apegos emocionales entre líneas. Una pareja de hombre y mujer exploró el potencial del romance, y un bailarín se separó de la manada para pavonearse.
Los elementos inesperados del movimiento de los peatones (que se ven con más frecuencia en la danza contemporánea), como caminar con los pies del talón, hablaban de romper con las convenciones. ¿Fue esta una mirada al diálogo mental de los bailarines durante la clase de técnica? Dejar de ser obvio y mantener las cosas subestimadas permitió tales interpretaciones.
Los bailarines mostraron más personalidad y carácter en la segunda pieza, 1796 (2015) . (La música se adaptó en 2015 a partir de una composición de Mozart de 1796). Aunque un poco más clara, la historia subyacente aún no estaba dictada. Formaciones intrigantes, como dos bailarinas juntas en el escenario y un bailarín, cada una a la derecha y otra a la izquierda, crearon tensión espacial. Hablaba de cambios en las relaciones entre ellos. Bailando con control y gracia, no tuvieron que hacer una cantidad impensable de vueltas para transmitir estas cosas. De hecho, ese destello podría haber sido una distracción.
El vestuario también tenía esa cualidad efectivamente discreta. Las bailarinas estaban en varios tonos de rosa / morado (magenta a frambuesa), por ejemplo. Eso los solidificó como individuos como parte de un colectivo. Sus firmas de movimiento únicas apoyaron al primero, uno con un carruaje de pecho muy orgulloso y otro con una energía única en el juego de pies, por ejemplo.
Los diferentes colores también ayudaron a distinguirlos como personajes específicos, útiles para cuando un triángulo amoroso crecía. El pas de deux posterior estableció que después de la infidelidad (o al menos cierto grado de exploración de su posibilidad), la mujer en la relación se enteró. Y no estaba contento. Al final, sin embargo, fue el hombre quien se fue. Esta era una nueva e intrigante forma de contar una historia antigua, incluso trivial.
La tercera y última pieza, Una y otra vez , trasladado a una composición de Philip Glass. La música parecía marcar la pauta de un movimiento bastante contemporáneo, aunque en gran parte era clásico. Sin embargo, esto funcionó con una mezcla inteligente de vocabulario de movimiento clásico, jazzístico y contemporáneo. Una palma flexionada hacia arriba a través del otro brazo (que estaba doblado en el codo y esa mano en el corazón), por ejemplo, se convirtió en un movimiento característico.
Los bailarines ejecutaron ese mismo movimiento en varios momentos y a su manera. Eso apoyaba una idea general de que los bailarines estaban en un colectivo cohesionado, pero cada uno era un individuo autónomo. La pieza parecía alimentarse de una tensión entre esas dos formas de ser. El épaulement y la mirada decididos y bien ejecutados en particular ayudaron a mantener esa tensión palpable. La puesta en escena inteligente apoyó esos elementos. Un momento sorprendente, por ejemplo, fue cuando dos bailarines caminaron hacia atrás en diagonal uno hacia el otro y luego se miraron lentamente y se volvieron hacia el otro. Hablaba novelas, mucho más de lo que podía hablar cualquier salto a las alturas.
La pieza terminó como comenzó, con un solo bailarín en el escenario. Ella ejecutó ese movimiento característico hacia el cielo, como si suplicara a los cielos. Esa acción, combinada con las ofertas de la pieza en general, implicaba que de hecho estamos en una comunidad maravillosa con el prójimo, pero solos en nuestra conciencia única. Es una fuerza interior que a veces entra en conflicto con las fuerzas externas que nos rodean.
Con eufemismo, sabiduría y creatividad, el Teatro de Ballet José Mateo retrató ambos tipos de fuerzas como impulsoras. Nos sentimos impulsados y obligados cuando nos quedamos por descubrir algunas de las respuestas por nosotros mismos, en el arte y en la vida. Luego crecemos y hacemos crecer las comunidades en las que queremos vivir.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
Foto (arriba): 'Fuerzas impulsoras' de José Mateo. Foto de Gary Sloan.
