Los artistas pedagógicos de Broadway Connection abordan por qué la formación en teatro musical puede ser valiosa para bailarines de todos los estilos y géneros.
¿Eres un moño hasta las rodillas en zapatillas de punta, lana de cordero, cubre moños y horquillas? ¿O una bailarina contemporánea siempre en la carrera entre la clase, el entrenamiento de acro y la convención más candente? Si es así, ¿alguna vez has pensado en formarte en teatro musical? Si no, ¡ahora es el momento! A medida que los bailarines continúan diversificando su formación en la actualidad, asegúrese de no dejar de lado el teatro musical.
La formación en teatro musical puede beneficiar verdaderamente a los bailarines de otros estilos y géneros de diversas formas. Sin mencionar que nunca se sabe cuándo su estudio o futura compañía tomará un musical. ¡Le vendría bien estar preparado!
Callan Bergmann.
Dance Informa se acercó recientemente a tres artistas docentes de Broadway Connection (BC) que comparten por qué la formación en teatro musical puede ser tan ventajosa. El primer artista de BC, Callan Bergmann , está trabajando en la nueva producción de Broadway de Gatos . Antes de esto, actuó en Broadway en Rodgers and Hammerstein's Cenicienta , Off-Broadway en la comedia ¡Silencio! El musical y en Caballero las prefiere rubias en City Center Encores. También ha realizado giras a nivel nacional e internacional para Mary Poppins y Reineta .
Bergmann dice que estudiar teatro musical puede ser beneficioso para bailarines de otros orígenes y enfoques técnicos porque les recuerda que “la danza se trata de contar historias”.
Explica: “En otras formas de danza puede ser fácil olvidar eso, pero en el teatro musical, la narración siempre está en primer plano. Creo que cuando los bailarines que se enfocan en otras técnicas estudian teatro musical, les ayuda a contar historias con su estilo principal de baile '.
Miembro de la facultad de BC Brittany Conigatti , que protagoniza actualmente West Side Story , está totalmente de acuerdo. Ha recibido mucha formación (se graduó de 'The Fame School', obtuvo su licenciatura en Bellas Artes de The New School y se ha formado extensamente con Paul Taylor, Joffrey Jazz and Contemporary y la American Music and Dramatic Academy) y se ha presentado a nivel nacional en La Bella y la Bestia de Disney , Duende , Un cuento del Bronx , Rock de años , Dulce caridad , El hombre de la música , Laca para el cabello y Matilda .
“El teatro musical se enfoca en la narración a través de muchos factores: lenguaje, diálogo, letra y, por supuesto, movimiento y coreografía para comunicar un mensaje o historia a una audiencia”, comparte. “Creo que estudiar teatro musical redondea a un intérprete al brindarle una salida muy específica para comunicarse, y desafía a esos intérpretes a comunicarse no solo a través de las técnicas de danza que estudian, sino también de todo su ser.
Roddy Kennedy.
Asimismo, miembro de la facultad de BC Roddy Kennedy , que actúa actualmente en el gran éxito de Broadway Hamilton , está de acuerdo con Bergmann y Conigatti, al nombrar la narración como un rasgo importante del teatro musical. Su experiencia girando con producciones de Grasa , Fama , En las alturas , José… y Juego de pijamas le ha proporcionado una comprensión más profunda de lo que requiere la narración y por qué los bailarines deben estudiarla en un contexto de teatro musical.
“Descubrí que en la danza del teatro musical, partimos de la narración y el movimiento basados en la intención”, dice Kennedy. 'Tu enfoque en el entrenamiento de teatro musical es un enfoque mucho más de adentro hacia afuera para la actuación de tu personaje en lugar del entrenamiento de afuera hacia adentro que encontramos con la capacitación técnica'.
Explica: 'Es decir, desde el principio en el teatro musical, cuando se le da movimiento, usted como' artista 'debe hacer preguntas como' ¿Por qué? '¿Por qué mi personaje está motivado para moverse de esa manera? El enfoque del movimiento se convierte en una conversación inmediata de causa y afecto dentro de la historia de ese número y la historia general del programa. Después de haberlo delineado, volvemos y refinamos el movimiento con el entrenamiento de la técnica de baile, mientras que en ballet, tap, jazz o hip hop, usted se enfoca en la técnica básica de movimiento y la colocación / alineación correcta del cuerpo para comenzar y luego agregue capas de rendimiento '.
Conigatti señala que la formación en teatro musical también ayuda a enseñar a los bailarines a usar su voz. En la escuela secundaria, cuando estudió en 'The Fame School', recuerda haber hecho una audición y el elenco de su primer musical profesional, Paper Mill Playhouse's Disney High School Musical en el escenario.
Brittany Conigatti. Foto de Robert Mannis.
“Siendo tan joven y nueva en el mundo del teatro musical, entrar en la sala de ensayo para un musical era muy diferente de entrar en una para una pieza de baile o un concierto como estaba acostumbrada”, comparte. “Por ejemplo, estaba fascinado con la forma en que se realizaban los ensayos musicales. En ese momento de mi vida, no había tomado ninguna lección de canto, excepto una lección grupal en la que aprendí 'Todo ese jazz'. Sabía poco o nada sobre teatro musical, excepto que me encantaba asistir a espectáculos de Broadway. Entonces, cuando llegaba el momento de los ensayos musicales, grababa todo lo que se decía, y me sentaba y escribía definiciones junto a las diferentes notas o notaciones en la música, para que cuando volviera a casa pudiera comenzar a tener una idea tan pronto como fuera. a lo que estaba hablando el director musical '.
Esta incursión en el teatro musical le permitió probar realmente su voz por primera vez y aprender a leer e interpretar música, lo que le dio una ventaja sobre otros bailarines que no tenían idea de cómo hacer estas cosas. En esa misma línea, Bergmann señala que el teatro musical brinda a los intérpretes “una comprensión mucho mejor de la musicalidad”.
'La musicalidad es algo que, para mí, realmente separa a un bailarín increíble de un buen bailarín', dice.
Además de las razones ya mencionadas (contar historias, usar su voz y promover su musicalidad), Conigatti dice que el teatro musical también es beneficioso porque a menudo le brinda oportunidades para crecer de manera única en sus habilidades de trabajo en equipo, para promover su conjunto de herramientas de asociación, para aumentar su adaptabilidad y flexibilidad, y aumentar su confianza personal a medida que practica un nuevo tipo de calidad de desempeño.
En un momento, dice, “creo que las audiciones de teatro musical me han empujado a sentirme segura de quién soy y de lo que sé que traigo a la mesa como intérprete. El talento no siempre es lo que toma o rompe las decisiones: la edad, la altura, el tipo de cuerpo, el color del cabello, etc., se convierten en factores en esta industria. Me siento muy afortunado de que a tan temprana edad mis padres me pusieran en el baile, y desde entonces he tenido la suerte de explorar otros salidas como convenciones y clases magistrales, asistir a una de las mejores escuelas de artes escénicas del país, hasta ahora. poder perseguir mi sueño! Mi viaje desde que era pequeña hasta ahora me ha permitido crecer como intérprete. Asumo cada desafío y me esfuerzo para tener éxito. El teatro musical ha sido lo que unió todo eso. Me permite subir al escenario noche tras noche y usar mi cuerpo como instrumento para compartir el mensaje / la moraleja de una historia '.
Artistas de Broadway Connection. Foto de Krista Greves.
Para los estudiantes de danza que buscan sumergirse en el teatro musical por primera vez (o simplemente de nuevo), Conexión Broadway ofrece clases magistrales y talleres en todo el país. Las escuelas y los estudios llevan a estos artistas a enseñar en sus espacios domésticos, ofreciendo tutoría y orientación íntima, casi individualizada, en este estilo de baile. Además de los muchos beneficios ya discutidos, BC Teaching Artists también busca impartir algo aún más significativo: una educación sobre cómo ser 'creativos' y 'artistas generativos' en la vida.
Jennifer Jancuska, cofundadora y directora artística de BC, dice: “La formación en teatro musical anima, enseña e inspira a los bailarines a ser artistas generativos con voz. En teatro, colaboramos como conjunto para contar una historia, para comunicar. Estas habilidades traspasan los límites de la técnica de la danza y son esenciales en todas las áreas de la vida. Además, ¡es divertido! '
Bergmann secunda esto y agrega: “Creo que los jóvenes interesados en seguir una carrera en la danza deben ser artistas sobre técnicos. Broadway Connection ofrece la capacidad no solo de desarrollar la capacidad de baile, sino también de explorar el pensamiento artístico. La experimentación dentro de las clases permite un proceso creativo al que es imperativo que los artistas jóvenes estén expuestos '.
Kennedy, quien es un apasionado de la exploración y la experimentación, dice que esto debe enseñarse porque “tener un entorno que te permita y te apoye para tomar riesgos de manera segura y posiblemente fallar es la ambiente más exitoso '. Él agrega: “Como padre, esto debe alentarse a su joven artista. Empoderarlos realmente para tratar la danza o el teatro musical como cualquier otra feria de ciencias o proyecto de historia. Haga que estudien mucho e investiguen. Pídales que practiquen y tengan un diálogo con ellos sobre su progreso '.
Artistas de Broadway Connection. Foto de Krista Greves.
Conigatti señala, “Tener esa mentalidad y enfoque impacta la longevidad de los bailarines, previniendo el agotamiento al permitir que el bailarín no caiga en una rutina mundana. Estar en la mentalidad de la creación y la exploración hace que la mente trabaje constantemente por placer, que en general se traduce en felicidad para el intérprete '.
cascanueces moderno
En resumen, señala Bergmann, “El salón de clases de Broadway Connection es el salón de clases de teatro musical más diverso y completo del país. Los profesionales que trabajan ofrecen una visión de lo que se requiere para una carrera profesional exitosa, además de exponer a los bailarines a la técnica, la creatividad y la generosidad que les proporcionará el crecimiento tanto como bailarines como como seres humanos ”.
Kennedy concluye: “Le pedimos que traiga su yo más positivo y abierto al trabajo. Traiga las preguntas que pueda tener y también la información que haya encontrado. Fomentamos la necesidad de exploración y la disciplina de concentrarse para que pueda aprender. Todo esto a su vez nos permite divertirnos '.
Por Chelsea Thomas de Dance Informa.
Foto (arriba): artistas de Broadway Connection. Foto de Krista Greves.
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