Improvisación: todo está adentro

DeAnna Pellecchia. Foto de Liz Linder. DeAnna Pellecchia. Foto de Liz Linder.

Podría decirse que existe una respuesta ingeniosa, pero sabia, al despectivo '¡Mi hijo podría dibujar eso!' - “Bueno, él / ella no . ' Esto es en parte una señal de cómo los artistas 'expresionistas', cuyo trabajo al principio no parece requerir mucha habilidad, fueron todos entrenados clásicamente antes de alejarse de ese modo clásico de creación. Eso también es cierto para los bailarines, debemos obtener un marco técnico para poder soltarlo. Con una base técnica, los bailarines podemos permitir que nuestra mente y nuestro espíritu brillen a través de nuestro cuerpo altamente calificado. Ahí es cuando puede suceder el arte verdaderamente significativo. Estuvo dentro de nosotros todo el tiempo.



Sin embargo, el proceso de aprender cómo hacer eso, cómo tener una base de técnica que permita que el verdadero yo emerja a través del movimiento, es un proceso difícil para muchos bailarines. Cuando se les guía para moverse dentro de un marco, en lugar de darles el movimiento paso a paso, cuenta por cuenta, algunos bailarines se congelan, a veces metafóricamente, a veces literalmente. Es más importante que nunca para los bailarines superar ese miedo y esa estasis. Se nos pide que seamos cada vez más versátiles y agentes activos en la creación de obra, todo el tiempo.





El posmodernismo también continúa evolucionando, quizás transformándose en un nuevo tipo de 'posmodernismo' con un eclecticismo de modismos y enfoques del movimiento. En este contexto, los coreógrafos desarrollan y perfeccionan continuamente las estructuras de improvisación y otras formas en las que la improvisación da forma a la danza.Dance Informahabló con tres coreógrafos sobre los roles de la improvisación en sus procesos creativos, cómo apoyan y nutren a sus bailarines a través de ese trabajo, y más.

Sheena Annalise, fundadora, propietaria y directora artística de Arch Contemporary Ballet (Nueva York, NY)

Sheena Annalise (derecha) con bailarines de Arch Contemporary Ballet. Foto de Noel Valero.

Sheena Annalise (derecha) con bailarines de Arch Contemporary Ballet. Foto de Noel Valero.




cristina omalia

“Toda mi coreografía proviene realmente de la improvisación. No entro en un ensayo habiendo planeado el movimiento. A veces tengo un flujo o un esquema, pero la fraseología real más o menos surge en un proceso de prueba y error. Empezaré a moverme y los bailarines seguirán lo que estoy haciendo. Si no me gusta lo que está sucediendo, lo cambio y pruebo algo nuevo, o un bailarín puede estar haciendo algo diferente accidentalmente y hacer que todos lo intenten como ellos. [La improvisación] crea un movimiento único que es orgánico para mis bailarines.

Crea posibilidades ilimitadas, porque puede moldear y dar forma al movimiento y seguir impulsando su trabajo de frases existente para obtener un mejor resultado. Improvisar también es una mejora para el trabajo existente, tomar los huesos de una frase y agregarle carne. [Hace] espacio para el cambio. Siempre les pido a los bailarines que usen los huesos que les doy como dirección y que agreguen la carne ellos mismos. La improvisación es más que usar el vocabulario o el movimiento de baile con el que está familiarizado, se trata de explorar lo desconocido. Es una oportunidad para probar las limitaciones de su cuerpo, explorar lo que puede hacer cada parte de su cuerpo y cómo se mueve.

Esto es difícil para [bailarines en] un género de danza que no explora mucho esta opción en el entrenamiento. A veces animo a mis bailarines con instrucciones de orientación. Por ejemplo, tomaré algo y les pediré que agranden una parte, o pensaré en usar una extremidad diferente para crear el mismo movimiento. A partir de ahí, la imaginación finalmente se hace cargo, como una chispa que enciende un incendio forestal en el estudio '.



Stephanie Pizzo, directora artística y ex miembro de la compañía de Eisenhower Dance (Detroit, Michigan)

Stephanie Pizzo. Foto cortesía de Pizzo.

Stephanie Pizzo. Foto cortesía de Pizzo.

“La improvisación es importante en mi proceso coreográfico, ya que la espontaneidad puede cambiar el marco del trabajo, el entorno y su entorno pueden crear nuevos caminos imprevistos. ¡El aspecto más gratificante de la improvisación es que no tiene límites! En el momento, en tiempo real, es cuando las sorpresas pueden materializarse. ¡Es lo 'imprevisible' lo que puede trascender el trabajo! Como coreógrafo, cuando puedes guiar a tus bailarines / artistas a través de una improvisación estructurada y cultivar un vocabulario de movimiento que los lleve más allá de sus limitaciones, puede ser inspirador. Cuando el artista comparte su voz personal, les da un sentido de propiedad. Hay una honestidad y naturalidad que el artista abraza cuando está actuando ”.

DeAnna Pellecchia, fundadora, propietaria y directora artística de KAIROS Dance Theatre (Boston, MA)

“Cuando hablo de improvisación, primero me gusta pensar en cómo la odié cuando la conocí por primera vez en la universidad. Siempre me saltaría esas clases. Luego salí al mundo de la danza y descubrí que así es como trabaja todo el mundo. ¡Y deseaba haber ido a esas clases! También me gusta contarles a mis bailarines la historia de uno de los primeros coreógrafos para los que bailé. Trabajó a través de la improvisación, un método llamado Listening Strategies. Todo era un territorio nuevo y aterrador para mí. Le pregunté: '¿Qué pasa si no tomo la decisión correcta?', Y ella respondió: 'DeAnna, si pudieras tomar la decisión incorrecta, ¿crees que estarías aquí?'.

DeAnna Pellecchia. Foto de Liz Linder.

DeAnna Pellecchia. Foto de Liz Linder.

Fue un gran momento para mí, totalmente empoderador y simplemente cambió todo. Comunicaba que todo lo que hiciera, por lo que ya tenía y por lo que ya era, sería hermoso. Esa perspectiva da forma a cómo trabajo hasta el día de hoy.

En el momento en que se presenta una obra, en última instancia, es mi estética, pero tiene un poco de todos mis bailarines. Todo el mundo siente un poco de propiedad, lo que valida y empodera. El objetivo final es que los bailarines sean dueños de lo que están haciendo. Eso trae una autenticidad que también proviene de un lugar de vulnerabilidad. Creo que el mejor arte tiene eso, porque es algo con lo que el público realmente puede conectarse '.

Por Kathryn Boland de Dance Informa.

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