'Close' de ELSCO Dance. Foto de Mikey West. El Teatro Huntington Avenue, Boston, Massachusetts.
El 11 de agosto de 2018.
La forma de dúo puede hacer que el arte hable de una de las experiencias más innatas del ser humano: dos personas interactuando en el tiempo y el espacio. El Festival de Danza Contemporánea de Boston, organizado por Urbanity Dance, contó con muchas obras notables de diferentes números de bailarines en su espectáculo de las 8 pm. Lo más sorprendente, sin embargo, fue la gran cantidad y variedad estilística de dúos. Esto fue convincente y refrescante de ver, considerando las tendencias generales de la danza contemporánea.
El tercero en la alineación de la noche fue el de Robert Mark Dance. sombra entretejida , coreografiado por Robert Mark Burke, un dúo de ballet contemporáneo que sorprende tanto por su audacia técnica como por su ferocidad atmosférica. La bailarina Mónica González comenzó posada, en el centro del escenario iluminado, estirando la mano con aspiraciones. Comenzó una partitura de canto de coro clásico, trayendo una sensación de presencia de un poder superior. Comenzó a moverse con mando, pero con un aire de agitación.
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Robert Mark Dance en 'sombras entrelazadas'. Foto de Mikey West.
Pronto se encendieron las luces y su socio, Jared McAboy, se unió. Las luces estaban en un ángulo tal que los bailarines creaban sombras mientras bailaban, de ahí el título sombra entretejida. Los trajes rojos y dorados se sumaron a la intensidad del movimiento, la música y la iluminación. Bailaron juntos en una relación magnética, a veces atraídos incontrolablemente el uno al otro, otras veces repelidos.
Hubo momentos de aparente sumisión, como cuando González se fundió con McAboy o se movió en un espacio mucho más bajo. Entonces ella se elevaría más alto o se alejaría de él. El trabajo de frases inventivo, iniciado por articulaciones conjuntas, combinó con una dinámica musical sorprendente. Había un sabor Balanchine de asimetría intencional para lograr un efecto dramático y un mayor virtuosismo. Una frase llamativa fue una fouttée convertida en un salto que llegó hasta el suelo (a través de una plancha).
Mark Burke no retenía nada, ni tampoco sus bailarines. Para terminar, González bailó debajo de McAboy, en aparente sumisión, durante mucho tiempo. En una era de '#metoo', '#timesup', esto se sentía un poco sordo socialmente. Sin embargo, afortunadamente, McAboy salió y González se levantó para terminar la pieza cuando comenzó, posó en el centro del escenario. Esta elección creó una poderosa estructura de 'círculo completo'.
Antes de que llegara el intermedio Mejilla con mejilla , coreografiada por Jaclyn Walsh en colaboración con Brandon Koepsell. Fue un giro de danza contemporánea en un suave y clásico zapato suave. El trabajo de alguna manera encarnó simultáneamente la extravagancia suave y despreocupada. La versión de Fred Astaire de la canción sonó, con un poco de esa retroalimentación de grabación clásica en el audio: atmosférica, en lugar de molesta.
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Los bailarines Walsh y Koepsell ejecutaron un clásico juego de pies con zapatos suaves con toques contemporáneos, incluidos pies flexionados, inversiones y levantamientos ingeniosos. En un momento, por ejemplo, Koepsell volteó a Walsh para enfrentarlo mientras ella se doblaba hacia atrás. Después de un delicado juego de pies, la levantó, para luego hacerla girar alrededor de su espalda horizontalmente. De alguna manera, esos cambios de estilo no se sintieron discordantes, sino que fueron suaves como la seda.
'Cheek to Cheek' de Jaclyn Walsh y Brandon Koepsell. Foto de Mikey West.
Los disfraces eran de estilo casual de los años 50: un vestido azul de lunares hinchados para Walsh y pantalones con una camisa con cuello para Koepsell.
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Estos parecían enmarcar y combinar maravillosamente su movimiento. La energía y la precisión de la línea superaron la altura de las extensiones. La limpieza de la línea en el uso del espacio escénico, ya que caminaron en giros y pasos alrededor del escenario, fue igual de precisa, precisa, sin sentirse forzada o demasiado formal.
Todo se sentía tan natural como respirar. Sentí como si estuviera respirando junto con la pareja, con esa facilidad que estaba viendo. No había un romanticismo manifiesto, pero la estrecha conexión de los bailarines como seres humanos que se preocupaban y se entendían entre sí era clara. Cuando terminaron la pieza y se apagaron las luces, el público estalló en estridentes aplausos. Bien merecido, pensaba.
Justo después del intermedio fue ELSCO Dance Cerrar , coreografiado por Jeffrey Gugliotti y Ellenore Scott y bailado por Gugliotti y Amelia Lowe. Trajo un claro cambio tonal de la pieza anterior. Lightning (de Chris Fournier) creó tonos crepusculares y el vestuario era negro. similar a sombra entretejida, sin embargo, con un movimiento estilísticamente diferente, las sombras trajeron intriga visual.
Las caras, el juego de pies simple (pero claro) y los niveles en el espacio, en lugar de virtuosismo, trajeron intriga. Al asociarse, enderezar y doblar las rodillas crearon forma y matiz. Una sección convincente con una bailarina mirando hacia adelante y la otra hacia atrás. Podía sentir claras líneas energéticas en el espacio. Este tema de cara al frente, mirando hacia atrás resurgió aquí y allá, como con Lowe cayendo hacia adelante (pero hacia arriba) en Gugliotti (mirando hacia abajo).
Luego se levantó para terminar mirando hacia adelante, girando en el espacio por su propia propulsión y la de Gugliotti. La sensación de apoyarse mutuamente, pero seguir adelante en su propio camino, era clara. Este tema se prolongó hasta el final: los dos de pie en el centro del escenario iluminados, abrazándose pero también extendiéndose hacia arriba. La imagen y su significado fueron realmente resonantes.
La 'transmutación' de Hollis Bartlett y Natalie Trogdon. Foto de Mikey West.
El segundo para el último en la noche fue transmutar , coreografiada e interpretada por Hollis Bartlett y Natalie Trogdon. Particularmente intrigante sobre este trabajo, como dúo, fue su unidad sin hacer contacto (visual o físico) o incluso llegar tan cerca en el espacio. El trabajo también fue bastante estéticamente agradable, en el sentido más verdadero y simple, sin trucos ni ostentación. La única partitura fue su respiración y el sonido de sus pies a través del escenario. Los disfraces eran de un azul grisáceo uniforme y limpio. La iluminación era gris azulada, con un matiz de amarillo para el brillo, a juego.
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La pareja comenzó el trabajo con patrones de juego de pies al unísono, los ritmos de sus pasos en perfecta sincronización. Una pierna se deslizaba hacia atrás, para cortar la otra pierna y hacer que cayera hacia adelante, haciendo una pausa y un canto debido a las inevitables leyes físicas que ayudan a crear el ritmo. Me hizo recordar algo sobre la danza contemporánea que realmente me fascina y me agrada: su frecuente investigación sobre cómo usar las leyes de la física en beneficio propio, en lugar de desafiarlas.
Un poco más tarde, temblores y vocalizaciones pusieron en un lugar un agradable cambio estilístico. Algo fue increíblemente divertido y los miembros de la audiencia se rieron entre dientes. En otra sección, trajeron otro cambio a través de una larga pausa. Luego vinieron pausas más breves después de la fraseología, mientras miraban hacia el escenario, desenrollando lentamente los torsos para mirar hacia atrás.
La repetición de esta estructura clara, junto con la repetición y claridad a lo largo del trabajo, se sintió meditativa. La pieza demostró cómo hay formas incalculables de bailar juntos como pareja: solo se necesita imaginación y atrevimiento. Con varios dúos imaginativos y atrevidos en la actuación, el espectáculo nocturno del Boston Contemporary Dance Festival demostró eso alto y claro.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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