Island Moving Company en 'Kindred' de Miki Ohlsen. Foto de Bill Peresta. Newport, la principal compañía de ballet contemporáneo de Rhode Island, Island Moving Company (IMC), siempre ha sido ingeniosa e ingeniosa sin un teatro de base consistente que la compañía haya realizado en espacios que van desde viejos fuertes militares hasta barcos piratas y antiguas casas de reuniones cuáqueras. Con el mundo de la danza enfrentando la dura necesidad de cancelar o posponer ensayos y presentaciones, IMC decidió hacer accesibles ciertas presentaciones pasadas a cualquier persona en línea de forma gratuita. En las primeras tres semanas de abril, la compañía ofreció una serie de actuaciones seleccionadas en su sitio web.
El nombre Gran baile en grandes lugares es algo evidente, pero también alude al festival de baile Great Friends Dance Festival de verano de la compañía (ahora el Newport Dance Festival). El festival ha tenido el objetivo de conectar a artistas de la danza y entusiastas de todo el noreste, todo el país y todo el mundo, para obtener colaboración, apoyo y más. Este festival en línea actual puede lograr algunos de los mismos fines significativos en la era del distanciamiento físico obligatorio. Un fin de semana del festival en línea presenta actuaciones del Great Friends Festival, mientras que otros fines de semana cuentan con actuaciones de Providence, el Vets Auditorium de RI y el New Hazlett Theatre de Pittsburgh, PA.
El director artístico de IMC, Miki Ohlsen Parientes comenzó el primer fin de semana (videografía de Arvid Tomako), bailado en el New Hazlett Theatre de Pittsburgh. Dos focos se alzaron sobre dos bailarines diferentes, Katie Moorhead y Gregory Tyndall. Comenzaron a moverse con gestos, formas y líneas claras, enfatizando la tensión y luego liberando con la respiración. No estaba claro si se veían o no. Dependiendo del espectador, la ambigüedad podría haber sido tentadora o frustrante. Cuando los focos se desvanecieron y todo el escenario se iluminó, las miradas de los bailarines dejaron en claro que podían verse. Tyndall bailó hacia Moorhead mientras ella permanecía en el suelo, haciendo un gesto hacia ella y alejándose de ella. Había una sensación mágica de cuento de hadas en todo esto.
Moorhead se acurrucó sobre sí misma, como para protegerse, luego alcanzó su cuerpo mientras él se alejaba. Pensé en las conexiones perdidas entre las personas. Esta elección reforzó un efecto de antes en la pieza que comenzó con el tema de las conexiones perdidas, que miraban en diferentes direcciones y parecían simplemente perderse las miradas del otro mientras miraban hacia el escenario o hacia abajo. Sin embargo, pronto se levantó y saltó a sus brazos, y compartieron un tierno abrazo. Al mismo tiempo, una tensión en la música implicaba que algo amenazaba su conexión. El vocabulario de movimiento en el trabajo ayudó a crear este sentimiento de tensión entre la conexión y algo que podría amenazarla.
Como cuando Moorhead alargó las piernas y luego las curvó en una forma de doble actitud (ambas rodillas dobladas), las formas expansivas y libres fluyeron hacia algo más con forma y gestual. Los arabescos y los brazos balanceándose de un lado a otro hablaban del anhelo y la búsqueda de esas conexiones que se perdieron. En un momento dado, su unísono se disparó en un salto, pero se unieron en el siguiente turno, haciendo que el unísono cuando lo lograron sea más poderoso. Un momento memorable tuvo a Tyndall en los brazos de Moorhead, como si lo meciera, una imagen de afecto paternal o simplemente muy humano. Los dos bailarines, su relación platónica o romántica o de hermanos o de un padre y un hijo, encarnaban un vínculo que puede durar entre dos personas incluso cuando carecen de conexión entre sí en el espacio literal, una representación poderosa y profética de hecho. Ellos eran parientes.
Directora Artística Asociada de IMC, Danielle Genest's Transporte , la segunda pieza en el primer fin de semana de actuaciones curadas, fue un trabajo que de manera similar podría hablar sutilmente a los humanos en comunidad: tensión y armonía en oposición para finalmente traer equilibrio. También es notable en este trabajo la variación de tensión y armonía entre las cualidades de la música y la del movimiento. El trabajo comenzó con bailarines caminando hacia una formación, un grupo y mirando hacia el público: confrontación. La iluminación baja, la música también comenzó de manera discreta: llegaron a lo bajo con las piernas y se movieron ligeramente en el espacio. La música (de Olafur Arnalds) aumentó en volumen e intensidad, aumentando el drama y el misterio. El movimiento de los bailarines era todavía pequeño, todavía dentro de las cinesferas de los bailarines.
Los bailarines pronto se trasladaron a una estrecha línea diagonal y comenzaron a agitarse salvaje y expansivamente. La desconexión y el aislamiento inherentes a este movimiento contrastaban la unidad de la proximidad de los bailarines en el espacio. Con una explosión en la música, los bailarines a su vez estallaron en el escenario. El movimiento fue atlético y expansivo, con un gesto salpicado para crear algo no del todo definible pero hermoso. Había una clara tensión entre la acción que es el caos organizado y la conexión a mano, como los bailarines cuando los bailarines reorganizaron las formaciones para moverse juntos en parejas. En estas parejas, el trabajo en pareja fue sorprendente, como bailarines detrás de sus parejas rodeando los brazos extendidos hacia los lados, ofreciendo una sensación de apoyo estructurado.
patrimonio neto del picoteador
Sus trajes de túnica sencilla permitieron que su movimiento ocupara un lugar central. Bandas de luz a lo largo del escenario se sumaron a la maravilla estética, bailarines moviéndose a través de esta luz y sombra. Los dúos y solos simultáneos crearon una serie de historias diferentes en el escenario, ofreciendo infinitas posibilidades narrativas, que contienen multitud de cuentos humanos. En uno de los pocos cambios energéticos claros, otro cambio energético había acentuado un gesto que movía a los bailarines a una sección grupal. Se sintió como si se hubiera encontrado una comunidad. Para terminar el trabajo, regresaron a una línea, gesticulando el uno al otro, y luego se volvieron hacia la audiencia para hacernos un gesto. Esta elección se sintió como un llamado para nosotros, para cuestionarnos cómo se desarrollarán nuestras propias historias.
El cartel seleccionado del segundo fin de semana incluyó a Ohlsen La tierro gira. El título se traduce del español como 'la tierra gira'. Como tal, hubo una sensación de espiral en todo el trabajo, comenzando con el comienzo del trabajo de un gran conjunto que entraba y salía de la formación. Una imagen memorable aquí eran los brazos de un círculo interior que se abanicaban más allá de un círculo exterior, como una flor. Los trajes (de Eileen Stoops) estaban en un esquema de color azul oscuro y negro, en cortes simples y limpios que complementaban el movimiento en cuestión. En poco tiempo, la mayor parte del conjunto despejó el escenario y quedó una pareja.
Siguió un dúo con un alto nivel de pasión, con una fuerza pero un plegamiento a la calidad del movimiento. Una flexibilidad estaba al alcance de la mano. Las formas realmente llegaron a sus límites, con una actitud elevada y una profunda flexión hacia atrás como motivos. Los movimientos innovadores, como una pierna atravesando la otra pierna para terminar en un arabesco, mientras estaban apoyados por un compañero, eran llamativos y transmitían complejidad. Pensé en tener que bailar una delgada línea entre los resultados imperfectos. Entraron otros dos bailarines, lo que permitió muchas posibilidades visuales y energéticas y abrió la experiencia retratada más allá de una pareja. Una imagen notable aquí fue la de las bailarinas girando bajo con ambas piernas dobladas en actitud, las parejas tenían la intrincada física resuelta de tal manera que esta secuencia de movimiento fluía sin problemas.
Una sección final tenía el conjunto nuevamente encendido, variaciones de baile en una frase convincente que incluía un salto con las rodillas dobladas que progresaba en un giro con una pierna extendida larga y baja, líneas y espirales que se mezclaban agradablemente pero intrigantemente distintas. En todo momento, la partitura (de Kevin Keller) agregó más dramatismo a la sensación de espiral de la obra y a la atmósfera emotiva de las secciones de conjunto, dúo y cuarteto. Este drama al principio no me atrapó, no entendía muy bien lo que estaba en juego. Sin embargo, hacia el final, de repente entendí el poderoso drama: la experiencia única de dos o cuatro personas se desarrolla mientras el mundo que los rodea gira, todas las personas que los rodean con sus propias historias, las calles llenas de alegrías y angustias que son invisibles para nosotros. ojos desnudos. De alguna manera, con un millón de opciones sumando, dos personas y dos grupos de dos personas se unieron entre miles de millones de otros humanos como ellos.
La luz se cortó repentinamente para terminar la pieza, y algo en mí quería un final suave para permitir que el drama completara el círculo y se cerrara en un paquete ordenado. Sin embargo, recortar rápidamente subrayó proféticamente cómo esas historias que se desarrollan además de millones de otras historias en esta tierra continuarán mientras esta tierra gire y estemos vivos en ella. El sitio web de IMC incluía esta cita poética junto con la información del programa en el sitio: 'la tierra giró para acercarnos, giró sobre sí misma y dentro de nosotros, y finalmente se unió a nosotros en este sueño ...'. Tales metáforas e historias significativas están disponibles para nosotros a través del arte. Compañías de danza como IMC están haciendo su parte para garantizar que, incluso mientras nos distanciamos físicamente, sigamos teniendo acceso a ella.
Por Kathryn Boland de Dance Informa.
