Ballet de Brooklyn. The Actors Fund Theatre, Brooklyn, Nueva York.
13 de febrero de 2020.
En esta era post-posmoderna, tanto lo moderno como lo clásico son celebrados y criticados. Todos los estilos y cualidades son un juego limpio para explorar. Las convenciones y valores que revelan las obras clásicas y modernas, ya sea que se presenten juntas o por separado, hablan de cuestiones como la representación, el privilegio y el poder. Podemos ver las formas en que nuestra cultura ha cambiado y evolucionado, y las formas en que no. Brooklyn Ballet Historia revisionista II habló con valentía de esta manera, a través de conceptos y otras opciones creativas.
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Una puesta en escena de lo icónico No cuatro contó con cuatro mujeres de color (Paunika Jones, Miku Kawaruma, Christine Emi Sawyer y Courtney Cochran), una poderosa declaración sobre la representación y la raza en el mundo del ballet y más allá. Después de eso, había un cuarteto con cuatro hombres de color que bailaban diferentes estilos de hip hop, lo más diferente del trabajo de ballet romántico original que uno podría obtener mientras todavía estaba en la misma estructura. La noche cerró con Intersección , una obra que habla de la condición urbana moderna de movimiento constante y falta de verdadera comunidad: ballet contemporáneo con una sólida base clásica.
No cuatro comenzó en ese cuadro arquetípico: niveles, miradas y port de bras maravillosamente diseñados para lograr una armonía estética, así como un equilibrio de conexión y soledad para cada bailarín. El enfoque comprometido de los bailarines quedó claro de inmediato. Sus disfraces eran del mismo tema (en color, estilo de diseño, material), pero cada bailarina vestía algo ligeramente diferente, lo que le daba a cada uno un signo concreto de individualidad.
Se movieron por secciones de solistas, dúos y grupos, todas ofreciendo su propia calidad de movimiento y estética. Una bailarina fue notablemente suave y clara. Uno vino con una sensación de ataque concentrado y acentuado. Otro tenía un suave sentido de los pies en la tierra. Otra tenía una presencia claramente jovial y tímida, y una vivacidad en sus movimientos.
Hubo varias vacilaciones por turnos, y me pregunté si se podría haber alterado la coreografía para evitar esto. Le restó mérito a la hermosa coreografía clásica y la presencia inquebrantable de los cuatro bailarines. Por otro lado, tal vez se debió a las condiciones del lugar, como un piso resbaladizo o una iluminación que dificulta la detección.
En general, sin embargo, los bailarines ofrecieron una individualidad audaz y feroz, así como una gracia armoniosa. Estaban completamente en sintonía con su grupo y socios. Podía escuchar sus zapatillas de punta a través del escenario. La enseñanza técnica estricta dice que no quieres escuchar eso, pero este efecto ofreció otra capa auditiva que disfruté. Todas las formaciones eran estructuralmente claras y visualmente agradables.
El trabajo terminó en un cuadro, como comenzó: las cuatro mujeres como sus propios espíritus únicos pero en una comunidad alegre y armoniosa entre sí. Reflexioné sobre el poder de las imágenes aquí, cuatro mujeres de color bailando en una obra icónica, esa naturaleza icónica específicamente blanca. Me preguntaba qué niño de color, o persona de color de cualquier edad, para el caso, que viniera al espectáculo podría verse por primera vez en el ballet y sentirse inspirado para ponerse las bailarinas.
Cuarteto siguió eso, con la coreografía de los bailarines y el concepto de Lynn Parkerson (Directora Artística del Brooklyn Ballet). Cuatro hombres de color (Michael 'Big Mike' Fields, James 'J-Floats' Fable, Bobby 'Anime' Major, Ladell 'Mr. Ocean' Thomas) bailaban en una estructura similar a No cuatro - cada uno con su propia firma bajo el paraguas más amplio del movimiento hip-hop. Uno se movía con un estilo de “flexión”, doblando y colocando las articulaciones de formas que no parecían humanamente posibles. Uno 'apareció y bloqueó', acentuándose con fuerza y luego soltándose. Otro tensó los músculos de su pecho, glúteos y brazos de manera cómica y alegre, haciendo reír a la audiencia. Otro tenía un estilo más suave y lírico, ondeando suavemente y fluyendo a través de sus articulaciones con los ritmos.
Curiosamente, No cuatro se traduce del francés como Cuarteto . Comenzaron y terminaron en un cuadro de variados niveles y formas, tal como lo había hecho la pieza anterior. Como una variación de las secciones en No cuatro cuando los bailarines daban vueltas en círculo, mirando hacia afuera, los hombres hacían lo mismo pero con los pies planos y alternando niveles con los brazos doblados a la altura de los codos (lo cual era visual y energéticamente agradable) . La música comenzaba y terminaba en la misma partitura que No Qu a rte , pero entre 'R&B' y melodías de hip-hop acompañaron a los bailarines.
También hubo más momentos humorísticos y teatrales en esta obra que en la pieza anterior, lo que subraya el creciente lugar de la teatralidad abierta en la danza moderna, posmoderna y posmoderna. Sin embargo, al igual que la pieza anterior, cuestionó poderosamente las concepciones clásicas y sociales del arte de la danza al ofrecer una alternativa agradable y bien hecha, además de tener una estructura muy similar.
Intersección A continuación, un trabajo reflexivo y bien elaborado sobre la condición urbana moderna de movimiento constante y falta de conexión humana genuina. Parkerson coreografió este trabajo. Los bailarines entraban y salían, pasando por secciones emparejadas. El audio de los mensajes de la MTA (sistema de tránsito de la ciudad de Nueva York) sonó en el teatro. Los bailarines vestían ropa cotidiana estilizada, cada uno con un atuendo ligeramente diferente (aunque con algunas piezas y patrones similares). Todas estas opciones y cualidades se fusionaron para formar la ilustración de personas que se mueven rápida y rápidamente por un espacio urbano.
Las mujeres usaban zapatillas de punta y bailaban en un estilo más clásico, mientras que los hombres bailaban en un estilo más hip-hop. Parkerson recurrió a aspectos lineales en ambos estilos de movimiento para crear una asociación convincente, como un motivo de hombres con los brazos extendidos como apoyo y sus parejas arabesqueando detrás de ellos. En otras ocasiones movían sus torsos por cuadrados que los hombres también hacían con sus brazos. Otro motivo memorable fueron los socios uno frente al otro y las mujeres rodando hasta la punta completa y luego volviendo a la posición plana: simple pero limpio, intrigante y memorable.
Los bailarines continuaron moviéndose a través de diferentes formaciones y agrupaciones, los mensajes del intercomunicador de MTA sonando intermitentemente. Cuando no lo estaban, violonchelo en vivo (de Malcolm Parson) y batería (de Killian Jack Venman) acompañaban a los bailarines. Los tonos resonantes de estos instrumentos trajeron una sensación de algo más profundo debajo de la presentación externa de los viajeros en modo ajetreo y bullicio, y la miríada de estímulos sensoriales presentes para las personas que viven en ciudades mientras viajan.
Los bailarines salieron individualmente y en grupos, y las luces se apagaron. El trabajo terminó, pero había dejado una nueva vibración en la habitación. Los elementos clásicos y modernos en cuanto a significado y estética habían dejado realmente una impresión en conjunto. Podemos honrar el pasado mientras trabajamos para corregir sus daños dañinos, lo mejor que podamos. El arte puede ser un lugar para comenzar.
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Por Kathryn Boland de Dance Informa.
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