Jane Eyre del American Ballet Theatre: atmósfera y autenticidad del texto en la actualidad

Skylar Brandt de ABT en 'Jane Eyre'. Foto de Gene Schiavone.

Teatro David H. Koch, Nueva York, NY.
10 de junio de 2019.

El arte narrativo de la danza presenta un desafío central: ¿cómo se cuenta una historia compleja, con una trama multifacética y personajes matizados, sin palabras? ¿Cómo pueden los elementos de movimiento y diseño (iluminación, vestuario, música, escenario) contar la historia por sí solos? El desafío crece cuando la historia original es una novela clásica y muy querida, como Jane Eyre . American Ballet Theatre (ABT) aceptó el desafío con su reciente puesta en escena del cuento de Charlotte Bronte, coreografiada y dirigida por Cathy Marston. Jenny Tattersall y Daniel de Andrade escenificaron la obra para ABT .





También notable en el juego de recuento de baile de Marston en ABT es el aumento de la sensibilidad moderna. Primero, el movimiento tenía una calidad contemporánea aunque todavía se basaba en la técnica clásica. En segundo lugar, los cimientos feministas de Bronte se evidenciaron en cómo Jane fue construida como una mujer fuerte y autónoma por derecho propio, a pesar de los esfuerzos de los hombres por silenciarla y dominarla.

En tercer lugar, la ahora icónica Misty Copeland como Jane envió un mensaje fuerte y claro de que la raza no tiene por qué importar en las representaciones de personajes clásicos. Claro, Bronte estaba escribiendo en la Inglaterra victoriana y situaba la historia en ese contexto, y probablemente imaginó a Jane como clásica británica (léase: blanca). Sin embargo, hoy en día, podemos ver a Jane como cualquier mujer, de cualquier raza. Copeland bailó el papel con una vida emocional compleja y convincente, y líneas deslumbrantes durante días, para empezar. Podría ser difícil alejarse de la delicada fuerza de sus hermosos pies arqueados.


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ABT

Misty Copeland y Cory Stearns de ABT en 'Jane Eyre'. Foto de Gene Schiavone.




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El trabajo comenzó con figuras que se movían detrás de una malla, creando un efecto de ensueño (escenografía de Patrick Kinmonth). Recordé cómo es la novela desde la perspectiva de Jane mirando hacia atrás en su pasado. Esto me pareció una forma convincente y estéticamente hermosa de transmitir la idea de memoria. El programa explicaba cómo “Jane corre, su viaje obstaculizado por figuras masculinas imaginarias”, un primer vistazo a los colores feministas con los que Marston pintó su danza recuento de la novela clásica. Este diseño eficaz y visualmente satisfactorio también sería un aspecto coherente del trabajo. La atmósfera podía ser oscura y lúgubre, pero encajaba con la novela y su tono dickensaniano, y de alguna manera, para mí, todavía era hermosa.

La malla se elevó y un grupo de bailarines vestidos sencillamente se movieron y entraron y salieron al unísono. El movimiento, como lo haría a lo largo de la obra, tenía cualidades contemporáneas: ponderación, articulación e iniciación directamente desde las articulaciones y arco / contracción a través de la columna vertebral, pero una base y esencia clásica. Al unísono, uncuerpode bailarines levantaron uno arriba y hacia la derecha, en el clásico redondeadoport de brasforma. Luego se doblaron profundamente a través de las rodillas, lo que condujo a un giro más alto en el espacio.

Pronto Copeland bailó un solo, viajando de un lado a otro por el escenario; Jane parecía estar dividida entre diferentes objetivos. Su pasión y patetismo eran claros y muy tentadores. Un hombre de aspecto oficial (en chaqueta de traje) se acercó y la agarró, ejerciendo el control. Con ella siendo sacada del escenario, el escenario cambió, pero mantuvo su sensación sombría y su estética de tono tierra más oscuro. La sinopsis del programa explica cómo fue este cambio a un internado, donde la tía y cuidadora de Jane (la Sra. Reed) la envió desde la percepción de que Jane era 'rebelde' y 'desafiante'.



Incluso en una atmósfera de rígido control, los niños de la escuela podían encontrar momentos para jugar, como se muestra en una sección de ellos jugando a “saltar-rana”, por ejemplo. Este fue un ejemplo, entre otros en la obra, que se prestó al realismo en movimiento. En algunos momentos, este espíritu de juego traía consigo una sensación de caos organizado, niños corriendo frenéticamente. La coreografía representó de manera inteligente y convincente estos momentos. En otros puntos, sin embargo, la falta de autonomía personal y la rutinización de sus vidas fue clara en una estructura agradable y memorable, se movieron de sillas dispuestas en círculo. Al unísono, sus espinas subían y bajaban y sus brazos se movían en líneas rectas, en patrones.


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Luego Copeland volvió a bailar solo. Sus brazos se balancearon en círculos, a la velocidad del rayo, seguido de un lento y controladodesarrollado. En tales frases de movimiento, demostró fluidez y dominio de los vocabularios de movimientos clásicos y contemporáneos, y la capacidad de moverse rápidamente y mantener el movimiento. Más tarde llegó una sección con chicos estridentes, que ofrecían la oportunidad de asociarse bailarina / bailarina. Esta fue otra forma en que Marston llevó el texto original victoriano clásico a una sensibilidad moderna, a través de este desafío a las normas de género del ballet clásico.

Pronto nos adentramos en la edad adulta de Jane, nos dijo la sinopsis del programa, pero que también fue guiada por cambios escénicos y de vestuario. También memorable en esta sección fue unno doscon una asociación que fue igualmente inventiva, aquí en su vocabulario. Copeland dio una vuelta completa en una zapatilla de punta, la otra pierna hacia atrás en arabescos, por ejemplo. Su cuerpo estaba inclinado hacia adelante 45 grados. La gracia fácil aquí, combinada con la física cruda de todo, me fascinó.

Muy pronto, antes del intermedio, la trama se hizo más espesa. Las chispas de amor habían comenzado a encenderse entre Jane (recientemente contratada como institutriz) y su empleador, Edward Rochester. Su esposa oculta, Bertha (con una enfermedad mental grave y de la que no sabía), prendió fuego a su habitación. El humo, la iluminación ardiente y una cama bastante grande (en un estilo contemporáneo abstracto) transmitieron este suceso. Jane rescató a su empleador, y compartieron un apasionado pero tenso no dos - la verdad revelada y ambos contando con su escondite. Cayó el telón.

En el segundo acto, Jane estuvo a punto de casarse con el señor Rochester. Bailaron juntos de nuevo. Un movimiento de patinaje, deslizándose hacia adelanteen puntoEntonces me hizo pensar en que los dos avanzaban juntos hacia el futuro, o eso podríamos pensar. Bertha entró en escena y causó un gran revuelo. El Sr. Rochester la detuvo mientras se lanzaba hacia Jane. La acción aquí estuvo bien organizada y los bailarines realmente se comprometieron con ella.

Incluso con Bertha contenida y cautivada, Jane sabía que ella y el señor Rochester no podían casarse. Otro tiempono dosofreció una asociación más inventiva, como su espalda doblada sobre su pecho y girando a través del espacio en ese soporte. El movimiento fue visualmente estelar y fascinante a un nivel de pura física. La pasión y la fisicalidad: la inclinación contemporánea al movimiento trajo ambas. Para terminar, después de más secciones que desafiaron al joven amor de la pareja (incluida Jane huyendo hacia el bosque y luego siendo encontrada), Jane lo miró y luego caminó hacia adelante.

Las luces se redujeron a solo un foco de luz sobre ella. Se mantuvo erguida y orgullosa de su propio poder y autonomía. Esto se sintió como el final perfecto para un cuento clásico, uno adelantado a su tiempo por derecho propio. A través de todos los giros y vueltas, literales y metafóricas, Jane seguiría siendo su propia mujer fuerte. El trabajo coreográfico de Marston, junto con Los artistas estelares de ABT y su magnífico equipo de diseño, convirtieron esta idea central en algo convincente para la sensibilidad moderna. Eso se siente como un gran regalo.


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Por Kathryn Boland de Dance Informa.

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