5 cosas que quiero decirles a los bailarines: diseñadora de vestuario

Liz Prince trajo una paleta de colores unificada a estos disfraces para el trabajo de Bill T. Jones  Arnie Zane Dance Company 'Spent Days Out Yonder'. Foto de Lois Greenfield.

El siguiente en Dance Informa's '5 cosas que quiero decirles a los bailarines' serie. Aquí, recibimos el asesoramiento de un diseñador de vestuario sobre el proceso creativo y el cumplimiento del presupuesto. ¡Vuelva a consultar en los próximos meses para obtener orientación de otros expertos!


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La diseñadora de vestuario ganadora del premio Bessie, Liz Prince, puede ser mejor conocida por su trabajo para Bill T. Jones / Arnie Zane Dance Company, que ha disfrazado desde 1990. Sin embargo, su lista completa de créditos es tan larga como su brazo, o incluso tu pierna. Aquí hay algunos aspectos destacados: Doug Varone, Mark Dendy, Jane Comfort, David Dorfman, Ralph Lemon, Baryshnikov / White Oak Dance Project, Boston Ballet, Pilobolus y Trey McIntyre para American Ballet Theatre. Prince también enseña diseño de vestuario, incluso en Manhattanville College y en la Universidad Estatal de Nueva York en Purchase.





Estos son sus consejos para una relación de trabajo productiva e inspirada con su diseñador de vestuario.

# 1. Ofrecer dirección.

“Las colaboraciones más exitosas con los diseñadores de vestuario comenzarán con la guía de usted, el coreógrafo”, dice Prince. Podría ser algo sencillo. Tal vez sea el tipo de tela: liviana y fluida, o pesada y oscilante, por ejemplo. Una excelente manera de unir todos los elementos visuales de un programa es determinar una paleta de colores desde el principio, dice.



O no. '¡Cheques de pata de gallo!' era lo que un coreógrafo quería de Prince, junto con florales y metálicos. 'Lograr que todo fuera equilibrado requirió cierto esfuerzo', recuerda Prince, 'pero al final realmente funcionó'.

La diseñadora de vestuario Liz Prince en su estudio. Foto de Ken Gabrielson.

La diseñadora de vestuario Liz Prince en su estudio. Foto de Ken Gabrielson.

# 2. Ver es comprender.



Las imágenes visuales (una fotografía, una postal o un cuadro, digamos) serán útiles para su diseñador de vestuario. El artículo puede incluir representaciones de ropa, pero no es necesario, dice Prince. “Puede simplemente evocar un estado de ánimo o sugerir una forma”, agrega. Para recopilar material que inicie una conversación, sugiere visitar galerías de arte y museos.

# 3. Muestre y cuente.

Ya sea que un baile esté terminado o en progreso, verlo le dirá mucho a su diseñador de vestuario, según Prince. Si el baile tiene una historia, el diseñador puede usar el lenguaje de la ropa para construir los personajes. Dichos disfraces pueden comunicar estado, género, edad, época, hora del día, cómo se sienten los personajes sobre sí mismos e incluso el clima, dice.

Para una danza abstracta, Prince encuentra que el diseñador necesita diferentes tipos de pistas. El sentido del espacio y la forma del baile, la iluminación, el decorado y más dirigirán la elección del vestuario.

# 4. Inspiraciones cotidianas.

Anime a su diseñador de vestuario a observar la ropa de calle y de ensayo de los bailarines. “Esto ahorra tiempo y angustia”, dice Prince. “El diseñador verá las prendas con las que los bailarines se sienten mejor, así como lo que quieren exhibir o cubrir”.

También puede hacer que los bailarines traigan mucha de su propia ropa a un ensayo, mientras que el diseñador de vestuario compra prendas de bajo presupuesto. “Haz que los bailarines prueben cosas en un mix-and-match gratis para todos”, sugiere Prince. Es posible que usted y su diseñador puedan decidirse por el vestuario en ese mismo momento.

O tal vez verá algunas combinaciones que le gustan y el diseñador creará otras para coserlas en una tienda de disfraces. Estas tiendas están disponibles en la mayoría de las ciudades. El diseñador también puede coser el vestuario, aunque este no es necesariamente el caso, según Prince.

“El estilo de vodevil de Bill T. Jones / Arnie Zane Dance Company 'Pelea de parejas' necesitaba disfraces que fueran variados, excéntricos, ridículos y hermosos”, dice Liz Prince. Foto de Stephanie Berger.

“El estilo de vodevil de Bill T. Jones / Arnie Zane Dance Company 'Pelea de parejas' necesitaba disfraces que fueran variados, excéntricos, ridículos y hermosos”, dice Liz Prince. Foto de Stephanie Berger.

# 5. Tiempo y dinero.

La forma de crear los disfraces dependerá en gran medida de tu presupuesto. Tenerlos hechos a medida es casi siempre más costoso que comprarlos listos para usar o ensamblarlos a partir de artículos comprados, dice Prince. El precio de los disfraces hechos a medida varía ampliamente, dependiendo de la complejidad del diseño, el costo de la tela, la cantidad de bailarines y otros factores.

El tiempo es otro tema crítico. 'No puedo decirte cuántos coreógrafos me han llamado para disfrazar un baile una o dos semanas antes de la actuación', dice Prince. 'Dos o tres meses es un marco de tiempo más realista no solo para consultar y diseñar, sino para obtener muestras, comprar las telas elegidas, cortar, coser y ajustar'.


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Dicho esto, agrega Prince, disfrazar un baile es parte de un proceso creativo que se desarrolla en tiempo real. “He estado en proyectos maravillosos que incluyeron alteraciones hasta el final”, dice ella. 'Se sintió como si hubiéramos entrado juntos en casa la noche del estreno'.

Por Stephanie Woodard de Dance Informa.

Foto (arriba): Liz Prince trajo una paleta de colores unificada a estos trajes para el trabajo de Bill T. Jones / Arnie Zane Dance Company 'Spent Days Out Yonder'. Foto de Lois Greenfield.

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