Temporada virtual 2020 Alvin Ailey American Dance Theatre: baile para tiempos difíciles

2-31 de diciembre de 2020.
Accesible a través de www.alvinailey.org/performances-tickets/virtual-winter-season/watch-now .

Durante más de 60 años, Alvin Ailey American Dance Theatre ha presentado el arte de la danza que eleva, inspira, educa y provoca la reflexión, desde el escenario del proscenio hasta el estudio de danza y los entornos comunitarios. Esa es una gran parte de por qué miles de amantes de la danza y el arte han regresado a lo que la compañía ofrece una y otra vez, a través de tiempos de guerra y paz, escasez y abundancia, discordia y armonía.

Dada la pandemia de COVID, lo que la compañía puede presentar se ve diferente este año; sorprendentemente, también los 60^thaño aniversario de la obra maestra de Alvin Ailey Revelaciones. Sin embargo, podría decirse que no es menos significativo ni menos especial. Nada puede reemplazar la actuación en vivo, pero lo que la compañía ha ofrecido en su primera temporada virtual (algo histórico por derecho propio) tenía sus propias innovaciones creativas y formas en las que la empresa habla con su propia voz.

Esas innovaciones fueron particularmente proféticas en las dos obras originales presentadas esta temporada: Jamar Roberts ’ Una Jam Session para tiempos convulsos y Testamento por el director artístico asociado Matthew Rushing (en colaboración con el miembro de la empresa y asistente del director de ensayo Clifton Brown y el ex miembro de la empresa Yusha-Marie Sorzano). Otros programas de la temporada celebraron los 60 años de Revelaciones , investigó cómo la danza y la justicia social se cruzan, ofreció contenido para todas las edades para toda la familia y celebró la jubilación de dos miembros de la compañía este año.

Renaldo Maurice de Ailey, Courtney Celeste Spears y Chalvar Montiero filmando 'A Jam Session for Troubling Times' de Jamar Roberts. Foto cortesía de Emily Kikta y Peter Walker.

Roberts Una Jam Session para tiempos convulsos comenzó con hermosas tomas aéreas de la ciudad de Nueva York. En voz en off, un caballero compartió historias de la vida de un músico de jazz en la ciudad. Las tomas de los músicos en una azotea se empalmaron con las de los bailarines de Alvin Ailey frente a los Ailey Studios (la señalización de “ALVIN AILEY AMERICAN DANCE THEATER” los ubicaba claramente). Los bailarines, aunque permanecieron físicamente distantes, tuvieron unos momentos de emoción al verse, y luego rápidamente se pusieron en movimiento. Esa elección fue humanizadora y reconfortante, particularmente en este momento de desconexión física.

El movimiento era, a riesgo de reducir algo tan rico y estratificado, una encarnación de la música jazz: improvisando un elemento rudimentario, rifándose unos a otros, las energías de los bailarines alimentando las unas de las otras. El movimiento al unísono se volvió predominante más adelante en la pieza, pero la singularidad improvisada del cuerpo y la firma del movimiento de cada bailarín permaneció.

La forma en que el movimiento cambió y evolucionó a lo largo de la pieza también fue intrigante, además de estéticamente satisfactoria. Comenzó, en su mayor parte, muy angular y muy gestual, como la danza jazz sí mismo. (Y gran parte del vocabulario está influenciado por la danza del jazz, por ejemplo, basado en el aislamiento y en paralelo). Una calidad más curvilínea y fluida llegó más tarde con los tambores de bongo tomando una línea de melodía. Los bailarines continuaron encarnando la música a través de enfoques frescos, tangibilizar la música dentro del cuerpo no es un concepto nuevo, pero este trabajo lo ofreció de una manera que nunca antes había visto.

La cinematografía y la iluminación de la pieza también mantuvieron dinámica su experiencia visual. La cámara nos llevó a primeros planos más adelante en el trabajo, y cuando los bailarines se movieron hacia un callejón, una luz amarilla los iluminó. Con esa nueva iluminación, una nueva tonalidad se apoderó de su piel y vestuario, algo con lo que la danza en la película ofrece infinitas posibilidades.

También realzaron la experiencia del trabajo la autenticidad y humanidad de los bailarines. Había una cualidad sencilla y muy humana en cómo se movían juntos, tan asombrosamente virtuosos como eran. La personalidad de cada bailarina tuvo un momento en el centro de atención, algo divertido y alegre de ver. La ropa peatonal en línea con el ambiente clásico de un club de jazz reforzó este sentimiento. Los cuadros finales también lo hicieron, con los bailarines aplaudiendo, bailando juntos, y cada uno obteniendo unos momentos en una toma en solitario y crédito de nombre. El título de la obra en sí está en ese tono y espíritu: sencillo, afilado y accesible. La obra es exactamente lo que el título nos dice que es.

lana jones

En una charla posterior a la actuación, Roberts y el director artístico Robert Battle discutieron la inspiración y el contexto del trabajo. Roberts reconoció el momento en el que estamos y el contraste entre eso y el estado de ánimo de la pieza. Él lo ve como algo similar a las cosas que hacemos para mantener nuestro ánimo y conectarnos con los demás de manera segura, como ir a pasear en bicicleta y al parque, por ejemplo. Podemos atascarnos en tiempos difíciles, encontrando alegría y creatividad juntos. La discusión ejemplificó la comprensión más profunda en torno a las obras que pueden aportar esas conversaciones con coreógrafos.

Testamento , coreografiada por el Director Artístico Asociado Matthew Rushing en colaboración con Clifton Brown y Yusha-Marie Sorzano, fue una pieza para conmemorar, honrar y ver desde una nueva lente el trabajo fundamental de Ailey Revelaciones en su 60^thaño de aniversario . Como Revelaciones , la obra centra una historia de “convertir el dolor en poder” y el ciclo del “lamento en esperanza”, dijo —- en una charla post-performance con los tres coreógrafos. Los tres - “Team Testament”, como compartieron con alegría en el chat posterior a la actuación - también discutieron cómo las historias compartidas y la “prueba tangible” son ideas centrales que dieron forma al trabajo.

john molner age

Alvin Ailey American Dance Theatre en 'Testament' de Matthew Rushing, Clifton Brown y Yusha-Marie Sorzano en Wave Hill PGCC. Foto de Travis Magee.

La pieza comenzó con personas moviéndose juntas, y con el aliento de una mujer, una vela brilló. Con la llama apagándose momentos después, había imágenes de dolor negro y sumisión, que eran intensas de experimentar. La primera sección de conjunto siguió a eso, con bailarines en un escenario en blanco en una formación apretada y lineal. Había un paisaje sonoro de agua y viento, de una tormenta en el mar. Los rayos de luz brillaron, iluminando un escenario por lo demás oscuro. La partitura cantaba “¿Por qué estoy aquí? / ¿Qué es este lugar? / ¿Qué hice para llegar aquí? ' Pensé inmediatamente en el Paso Medio, entre África y las Américas, donde, posiblemente, comenzó todo.

El movimiento tuvo un alcance y una desesperación, pero en otras ocasiones un miedo y un retraimiento en uno mismo. Momentos de quietud y expresiones en blanco señalaron una falta de esperanza y resignación al destino actual. Parte del vocabulario de movimiento más poderoso fue el movimiento lento al unísono, una simple elevación de una pierna por encima de la cadera mientras se está acostado de lado.

La siguiente sección contó con dos bailarines, cada uno en un centro de atención prolongado. Había un virtuosismo de alto nivel en curvas profundas, extensiones altas y giros poderosos. Sin embargo, lo que se sintió más significativo fue lo que no estaba allí: la falta de conexión entre ellos y la falta de salir de los espacios que iluminaban sus focos. Los sencillos tonos electrónicos de la partitura realzaban esta sensación de lo que faltaba. Avanzaron y retrocedieron, señalando acción, pero no pudieron romper esas barreras y conectarse entre sí. Eso fue hasta un punto notable, cuando, por primera vez, se miraron el uno al otro, un momento que tomó su tiempo y resonó.

Imágenes de la opresión de los negros volvieron a aparecer en la pantalla, y luego de la resistencia contra esa opresión: de MLK Jr., carteles de protesta y unirnos contra las tácticas de intimidación. Después de eso, hubo una sección de conjunto conmovedora de bailarines que se movían juntos con poder, convicción y propósito, literalmente avanzando juntos. Los ángulos en movimiento transmitían fuerza, mientras que las curvas ilustraban adaptabilidad y complejidad. 'Estoy aquí / soy digno', cantaba la canción, y todo sobre la presencia de los bailarines decía esa verdad.

La siguiente sección fue un solo para conmover verdaderamente el corazón: una mujer bailando en su poder, pero con agitación y problemas en su cuerpo y alma evidentes. El discurso en la partitura hablaba de inquietud emocional y soledad en ese lugar inestable. Esas palabras me recordaron que mientras hablamos y bailamos sobre la liberación, la salud mental no es un aspecto para olvidar.

Los bailarines la rodeaban, como si la apoyaran y la protegieran, y el discurso cambió para ser el de estar en su poder y dar un paso adelante en la claridad de sus convicciones. En la pantalla parpadeaban fotos de líderes y visionarios negros, desde Frederick Douglass hasta Harriet Tubman, Rosa Parks, Malcolm X y James Baldwin. Finalmente, vimos a Michelle y Barack Obama, así como a la vicepresidenta electa Kamala Harris. Mi corazón no pudo evitar dar un salto.

La toma cambió al exterior, con un gran grupo bailando, una vez más. El movimiento esta vez fue más suave, más ligero y más alegre que en esa primera sección de conjunto. Era como si ya no tuvieran que empujar y luchar y demostrar que podían simplemente ser . Los gestos se fundieron en nuevos gestos, las espinas se ondularon y la energía irradió desde su centro más allá de sus kinesferas.

Sin embargo, quedó lo que es incierto. La bailarina principal vio a otra mujer con un pañuelo en la cabeza y caminó hacia ella, mientras las otras bailarinas continuaban moviéndose, volvía al plano inicial. Pensé en cómo el peso de la historia no se puede deshacer por completo: lo que se ha perdido y lo que podría haber sido, nunca se recuperará por completo. Por otro lado, el legado y la fuerza de los que vinieron antes es algo que también permanece con nosotros.

En tiempos difíciles, los recordatorios de verdades como esa, a través del medio del arte, pueden significar más que nunca. Estas obras se sintieron moldeadas por estos tiempos y también ofrecieron algo esencial para quienes viven en estos tiempos, en eso de estos tiempos y por estos tiempos. Curiosamente, el arte de y para un tiempo en particular puede ser el que resuena a través de las edades. Creo que estas obras, y la temporada más amplia en la que se presentaron, serán recordadas por lo que ofrecieron, cuando lo ofrecieron, algo especial y encomiable.

Por Kathryn Boland de Dance Informa.

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